The Black Evolution

PYRAMID – The Cannonball Adderley Quintet

2011-12-23T11:13:00.003+01:00

PYRAMID (Fantasy 1974) – The Cannonball Adderley Quintet

Por Miguel Gómez Losada

Publicado originalmente en la edición en papel de la revista EnlaceFunk nº38

Según el diccionario de símbolos de Juan Eduardo Cirlot, la pirámide está asociada a la Gran Madre, en tanto que es montaña hueca que alberga, es morada de los antepasados y monumento de tierra. Enseguida pensé en la complexión generosa de Cannonball Adderley, que aun siendo hombre tiene ese aire de madre protectora que todo lo puede. Así se le ve por ejemplo en el capítulo Battle Hymn de la serie Kung Fu (http://youtu.be/XfTgQYon-RA), emitido por primera vez el 2. 2. 1975, donde aparece tocando el saxo en la puerta de una choza junto a David Carradine y José Feliciano. Cannonball es grande y gordo, y así es su música, grande y gorda. Es una efigie donde resguardarse de las inclemencias sentimentales.

Pyramid es un magnífico álbum de JazzFunk. Si te sabes de memoria Headhunters de Herbie Hancock, te cuesta asimilar el derroche de improvisación en la etapa 1969 – 1975 de Miles Davis, y consideras que las melodías vocales de George Duke tienen demasiada azúcar, Pyramid de Cannonball es tu disco. Destacaría el tema que da título al álbum, que es pisada de elefante, o pisada de Cannonball, que es lo mismo; también la Suite Cannon en tres partes, como un vuelo por encima del Jazz, el Blues y la nostalgia de África; y Phases, con velocidad instrumental. Pyramid es un disco sobrio con empaque, rico en matices y fácil de oir. Es el sonido del sello Fantasy. Cannonball Adderley Quintet son: Julian Cannonball Adderley - Saxo alto y soprano, Nat Adderley – Corneta, Hal Galper – Piano eléctrico, Walter Booker – Bajo, Roy McCurdy – Batería; y George Duke como invitado, aportando sus inconfundibles atmósferas con el sintetizador.

2011-12-23T10:25:00.000+01:00

Desde Operación Triunfo hay mil motivos para lamentarse del panorama musical en las radios y televisiones españolas, aun así hemos ganado amplitud de miras [de escuchas], y madurado. Recuerdo que en 1983 era difícil compartir a Grandmaster Flash & The Furious Five en un entorno pop rock y en una movida madrileña casi unidireccional [a pesar de que The Message fuese popular por el anuncio de Licor del Polo]. Pero esto es pasado. Parece que el FUNK y el RAP ya no será música mal vista [oída] por la modernidad, logrando el respeto que se merece y sonando para quedarse. Así lo ha entendido Lacoste.

Loose Ends

2011-04-26T20:19:00.017+02:00

Loose Ends: Carl McIntosh, Jane Eugene, y Steve Nichol, en 1986

INFORME LOOSE ENDS - Pioneros del Soul inglés.

Por Miguel Gómez Losada.

Publicado originalmente en la edición en papel de la Revista EnlaceFunk Nº36

He llegado a esta conclusión: Para hacer algo sobresaliente hay que tener tres cosas fundamentales: 1- Mismidad [conocimiento de nuestro valor propio]. 2- Confianza [serenidad, uno lo va a hacer bien]. 3- Obstinación [tener principios de donde partir, e ideales donde llegar; imaginar el mejor resultado, seguido de afán por conseguirlo y esfuerzo mantenido en el tiempo, sabiendo incorporar novedades sin pervertir la idea primera].

Este pensamiento nació delante del cuadro Juana la Loca, de Fernando Pradilla, que está en El Prado. Es una pintura soberbia, -óleo sobre lienzo, 340 x 500 cm-, y representa el traslado del ataúd de Felipe el Hermoso, guiado por su esposa Juana I de Castilla, La Loca, atravesando un paisaje invernal. Han parado a descansar pero ella sigue de pie. Está embarazada. Tiene la mirada ida. El séquito aguarda detrás de la hoguera, y el humo racheado se une al cielo. Hace frío, quizá diciembre, el campo pelado, barro, sólo tres árboles secos. A lo lejos el convento en medio de la nada.

El cuadro es de una ejecución impecable, y la relación dibujo/ línea/ pintura/ carnalidad, obedece a un pintor maestro -con determinación y sentimiento-, que supo recrear para la vista el hecho histórico, escenificarlo en una tela, y hacer creíble el drama.

Para hacer esto es necesario mismidad, que la entiendo como la esencia invariable desde el dátil a la palmera, lo que guía al elefante hasta su cementerio, y a la carpa entre las rocas y los juncos, río abajo. La mismidad es la confianza del albatros cuando se lanza desde el acantilado, intuyendo la relación de corrientes de aire cálido sobre el océano.

Cuando veo un trabajo logrado pienso que el autor sabía su mismidad. Confiaba en ella. Cuenta la leyenda que un monje ciego era capaz de despiezar un buey entero, anticipándose a cada hueso sin rozar ninguno, girando el sable –de forma musical- por entre la musculatura del animal. Es lo que llamamos seguridad, clarividencia: tenerlo claro. Creo que debe haber algo cósmico en todo esto. No es fácil de razonar.

Blues & Soul Nº 428

Esta mismidad –secreto del arte-, me llevó enseguida a pensar en la música, como el recorrido de Loose Ends entre 1983 y 1986: tres años de Loosendeidad. Fueron el mejor grupo de Soul británico de los 80. Me explico. Entiendo por grupo una formación que no subordina la banda a la voz principal, como sí haría Sade, el otro gran nombre propio esos años en el Reino Unido. Un grupo transfiere su personalidad a la base rítmica, al lenguaje instrumental. Loose Ends es electrosoul vocal de inspiración jazzística.

Además significaron una coyuntura en la escena británica. Nacieron en el declive de formaciones como Linx, o Light of the World, desarrollando su carrera antes de Soul ll Soul, y antes del nacimiento de Acid Jazz Records y Talkin´ Loud, sellos que revitalizaron el SoulFunk inglés con nombres propios como Omar o Galliano. Loose Ends fue el último grupo de Soul británico anterior a las revisiones funkies y a los samplers. Hay que recordar que la explosión de Soul ll Soul en la escena de baile se debió a la contundencia de su base rítmica, más que a la riqueza de sus melodías o personalidad vocal de Jazzie B o Careen Wheeler. La chispa de éxitos como Back To Life, Keep on Movin´, Jazzie´s Groove, o Get a Life –casi todo el andamiaje rítmico del grupo- se encendía desde el poderoso break inicial de batería en Dancing Room Only [1979], de Harvey Scales, que es una derivación a su vez del break que contiene Ashley´s Roachclip [1974] de Soul Searchers, en el minuto 3:30”. Por otro lado, grupos británicos como Simple Red, Swing Out Sister, o Curiosity Killed The Cat -de nacimiento posterior a Loose Ends -, eligieron un camino más cercano al Pop, dejando así a Loose Ends como grupo SoulFunk del Reino Unido por excelencia.

A little spice [1983]

La formación Loose End lanzó en 1981-82 dos singles, su primer material: In the sky, y We´ve arrived, producidos por Chris & Eddie Amoo, los líderes de la banda británica The Real Thing. En 1983 cambiaron el nombre de la banda añadiéndole una –s- Loose Ends, publicando el single Don't hold back your love, que incluía en la Cara B No stranger to darkness, escritas y producidas ya por el grupo, y aunque tenían un sonido con buena factura discosoul, el trío aún no conduce su mismidad. El grupo comienza realmente con A little spice, su álbum debut en 1984, con Virgin Records [Loose Ends fue la primera banda con todos sus componentes negros que fichó el sello]. Temas rápidos como Tell me what you want o Dial 999 dan fe del potencial de la banda -Funk siendo Soul-, que en estas dos piezas enseñan ya la facilidad para las melodías múltiples -jugosas en acordes paisajísticos-, sostenidas por una actitud rítmica que les definen como gran banda de Soul de los ochenta.

Parte de la responsabilidad de este sonido se le debe a Nick Martinelli, productor americano formado bajo el amparo de Motown, que catapultó su prestigio produciendo y participando en el sonido de los primeros cuatro álbumes de Loose Ends. Sólo hay que comparar el sonido de Loose Ends con el otro grupo británico I Level, su contemporáneo, también de Virgin, para darnos cuenta de la Loosendeidad. Feel so right es el tema que más me gusta del disco, música para soñar. Es un medio tiempo sensual con la batería marcada, estribillos al oído y pellizcos dulces de guitarra, que imagino como canción de cabecera para nuestros Presuntos Implicados, trío español con voz femenina principal, como Loose Ends. Music takes my higher y Choose me, van en la misma línea. Coros de condición amable, en el sentido positivo de la palabra, que te arropan como una madre a su pequeño, al deshacer la cama por un mal sueño. A little Spice titula y cierra el álbum, a modo de BossaFunk casi instrumental, para sonorizar escenas nocturnas de paseo marítimo: -umbral entre la ciudad y el océano, con poética visual de hotel y playa-.

Todas las melodías del álbum y de los dos siguientes son pegadizas –o mejor, recordables-, a la vez que complejas, cosa difícil y meritosa. El álbum no tiene un tema claro para pinchar a hora punta, aunque sabemos que este detalle no determina la calidad de un trabajo musical. En la portada aparecen los tres, Jane Eugene, Carl “Macca” McIntosh, y Steve Nichol, -fundador del grupo-, vestidos de rojo y ocre, con una pirámide como única escenografía, primera evocación desértica de la banda. El álbum tiene un encantador afán demostrativo, característica de los artistas que empiezan, que en algunos pasajes roza el virtuosismo instrumental. Para un primer álbum quizá tenga que ser así: los artistas jóvenes ponen en un mismo trabajo todos sus recursos, que en la madurez quitan. El disco es mi vinilo Nº3, comprado en los Electrodomésticos Sánchez de Granada, en 1988, que guardo como fetiche de estudiante.

So where are you [1985]

En So where are you [1985] el grupo sosiega su ímpetu inicial y alcanza la primera cota de su mismidad. El álbum tiene serenidad, como la del arquero cuando apunta, seguro de poder hacer diana. Contiene uno de los tres hits de la banda: Hangin´on a string [contemplating] equidistante entre S.O.S Band y Mtume. No exagero. El tema fue elegido para inaugurar el SoulTrain de la televisión británica; tiene la contundencia de Juicy fruit de Mtume, y Just he way you like it, de S.O.S Band, con un paisaje semejante al desarrollo instrumental de She´s Strange, de Cameo; con lo cual estoy afirmando que Loose Ends –grupo inglés de los ochenta- es una estrella en primer plano de la constelación negra. En la entrevista que concedió el grupo en marzo de 1985 a la revista británica Blues & Soul [Nº428], se reconocían entusiastas de Mtume, Kashif, Phyllis Hyman o Eugene Wilde, a quien veían tocar en el Club The Library, de Philadelphia, ciudad donde residía su productor Nick Martinelli. Tal era la amistad y afinidad profesional, que Steve Nichol se refería a él como el cuarto miembro de Loose Ends.

El resto del álbum navega entre melodías sentimentales, por ejemplo You can´t stop the rain [que recuerda de nuevo la base rítmica de la posterior Alma de Blues, de Presuntos Implicados]. Medios tiempos sinuosos, muy bellos, como The sweetets pain, compuesta por el maestro Dexter Wansel, conductor de los teclados atmosféricos de todo el disco; razón extra para comprarlo-. Y So where are you, preciosa, sin más adjetivos. El disco tiene un misterio para mí, contiene una versión de Golden years, original de David Bowie, y confieso que aunque Loose Ends la trae a su terreno, y al oído resulta correcta, me molesta. Al margen de esta espina, el concepto de la imagen del grupo comienza a mirar a África. Hasta la disgregación de la banda en1989, todos sus álbumes y casi todos los maxis tienen como escenografía natural el desierto, rincones selváticos o playas salvajes, quizá para explicitar una genealogía directa Londres – Afroamérica - África. A Jane Eugene es frecuente verla con un pañuelo en el pelo, como evocación musulmana, y a Carl McIntosh con camisa estampada de indudable inspiración africana. En la portada de So where are you descansan en un interior, que aunque a color, recuerda el Café de Rick de la película Casablanca, que recrea la ciudad marroquí. En este álbum inauguran logotipo geométrico, estilo Malevich.

Zagora [1986]

Y llegamos a Zagora, su mejor disco, grabado en 1986. Contiene los otros dos éxitos del grupo. Stay a little while, child, y Slow down, delicia de raperos y pinchadiscos de medios tiempos apaisados. Descubrí a Loose Ends en una cinta que me grabó Pepe, nunca supe su apellido, discjockey de la Discoteca Pomelo en Fuengirola, en el verano del 86, que el año anterior lo fue de la Discoteca Picapiedra, en Carvajal. Mientras mis conocidos modernos iban a Pink a bailar U2, mi amigo Ángel Ventura y yo íbamos a Pomelo a por alimento Funk. Esa cinta viajó con nosotros de Fuengirola a Jerez, donde la escuchamos una y otra vez en una habitación con literas de un campo de trabajo arqueológico. Stay a little while, child será para siempre la música de aquel verano.

La semana pasada cogí un tren a Fuengirola, fui a ver qué quedaba de la Discoteca Pomelo. Necesitaba revivir, comprobar si había restos en la pared del luminoso, algún rastro de la entrada situada en la planta baja de la urbanización Perla 3, algo que me reactivara sentimientos dormidos. Encontré en su lugar un chino [Todo a 100, para entendernos]. No quedaba nada de la discoteca salvo un ornamento azul en la puerta, -que me atizó la emoción como un latigazo, de los que gustan- sepultado por un batiburrillo de colchonetas multicolor y barcas de goma colgadas de la pared. Le hice foto por supuesto.

Stay a little while, child comienza con una intro arabeizante, como esa música de película que anticipa la llegada del sultán; y luego una base perfecta, -para qué más calificativos en cuanto a la programación rítmica, si es así-, que en el maxi se multiplica. Como siempre, la canción es rica en lejanías, sintetizadores alargados y punteos con eco, para sugerir el crepúsculo desde lo alto de una duna. El disco vuelve a estar sembrado de vegetación jazzística, momentos de electrofunk seductor, y la voz personalísima de Jane Eugene.

Zagora es su mejor disco, la cumbre de Loose Ends y su mismidad. Night of pleasure es un medio tiempo sensual, en la línea de Slow Down, que evoca sin querer Bagdag: jardines oscuros, noche rasa, princesas descalzas, y estrellas. Se cierra el álbum con un tema que son dos, Rainbow, -Bossa-, y Take a train, Jazz, propio de un musical, de nuevo como demostración del vituosismo instrumental. El dossier de prensa del álbum explicaba el significado de Zagora: “The car breaks down, they are out of water, lost and in the distance they can hear the faint crack of gun shots. The gun shots comes from a tribe of nomads, who give the water and send them in the direction of a nearby village, called "Zagora"...a real paradise in the middle of nowhere.” Un paraíso real en medio de la nada.

Stay a little way, child [12"]

Y antes de Real Chuckeeboo, su siguiente elepé, insisto en esta relación: Mtume, S.O.S Band, Loose Ends. De hecho, Nick Martinelli produjo también para Five Star o 52nd Street, pero con Loose Ends formó un sintagma; la pareja ideal, ejemplo de amor, ejemplo de ElectroSoul.

Real Chuckeeboo es el principio del declive. Un álbum más duro, más Funk, pero de 1988, cosecha que a mi gusto no ha resistido bien el tiempo por la endeblez del sonido de la batería, que pocos grupos supieron mantener con vigor. Me quedo con los discos anteriores. El álbum se acerca -por fecha- al fin de la coyuntura de la música negra británica, -en este año cambia el ciclo y las maneras, abriéndose paso el AcidJazz-.

La trayectoria de Loose Ends me recuerda esa imagen del ciclista que inicia la escapada en solitario, siendo alcanzado por el pelotón justo antes de llegar a la meta. El grupo británico Brand New Heavies es deudor del concepto melódico de Loose Ends –ese talante simpático-. Pero ya sabemos que los eslabones de la cadena cultural se engarzan así. En el arte va implícita la transferencia del conocimiento. En Real Chuckeboo se nota además la influencia de Cameo, en temas como Life, y sobretodo Remote Control, donde Carl McInstosh nasaliza la voz como Larry Blackmon –ver Informe Cameo, Enlacefunk Nº28-. Contaron con otro de los grandes, Leon Ware, que produjo Easier said that done [es más fácil decir que hacer, ahí queda esa verdad], con un sonido alejado ya de las producciones para Minnie Riperton o Marvin Gaye, que no consiguió hacer brillar al disco. Tampoco los tres temas unidos de la Cara A que confluyen en el título del álbum: a) Tomorrow b) Mr. Bachelor c) You´ve just got to have it all que aun siendo de baile no funcionan. Sin embargo, lo mejor de esta hornada son los temas del maxi Mr. Bachelor [vex mix], donde la remezcla rotundiza la canción acercándola a las mejor época de Nick Martinelli; también Johnny Broadhead [part 2 remix]; y el tema inédito Too much.

Algo se quebró después de este álbum, y la banda sufrió una ruptura. Todo apunta a diferencias creativas y conflictos en los ensayos entre Steve Nichol y Carl McIntosh. A su vez Jane Eugene tenía claro que la dirección del grupo debía alcanzar el horizonte americano de L.A. Babyface o Jimmy Jam & Terry Lewis. En 1990 aparece el nuevo álbum de Loose Ends, Look How Long. En la portada se ve solo la cara de Carl McIntosh, en grande, y por detrás tres cantantes, dando prioridad visual a Linda Carriére, la nueva voz femenina principal. Estaba claro en la creatividad visual que ya no era un grupo. En la portada sólo un miembro, en la contraportada tres caras de mujer de distintos tamaños, que más recuerda a un collage en la carpeta de una colegial. Efectivamente, Carl McIntosh escribe, compone, arregla y produce todas las canciones. Jane Eugene y Steve Nichol habían quedado fuera de Loose Ends.

El disco es mucho mejor que el anterior, a pesar del acercamiento a la moda: contiene samplers al uso como Funky drummer de James Brown, tan usado entonces, y multitud de guiños rítmicos New Jack Swing. Se echa mucho de menos la formación original. La voz de Jane Eugene, así como la de Tawata de Mtume, o Mary Davis de S.O.S Band, no se olvida, tiene demasiada mismidad. El disco contiene una maravilla: Don´t you ever [try to change me], acogedora como el escote de La Gioconda, y azul como las montañas que hay detrás. Don´t be a fool es el hit, cantada por Linda Carriére, que se acerca en el concepto melódico simple a las producciones exitosas de Jazzie B. Recuerdo una cinta-cassette que trajo de Londres mi novia de entonces, y escuchar la canción, seguida de Lies de Envogue, y Guetto Heaven, de The Family Stand. Pues eso, el disco transcurre animado y certero, con alguna concesión imperdonable: Love controversy, que no sólo recuerda, sino que parece robada del repertorio de Soul ll Soul. Supongo que resultaría muy difícil sobrellevar el triunfo mundial el año anterior de su vecino Jazzie B.

En 1992 sacaron un doble vinilo recopilatorio de sus canciones más notables, remezcladas por los mejores productores y músicos de la época, como Frankie Knuckles [Hangin´on a string], o Gang Starr [A little Spice]. Ésta última es la mejor del disco, que pudiera haber sido incluida en el primer recopilatorio de Jazzmatazz. El trabajo se llama Loose Ends, Tighteen up Vol. 1, con un guiño más al arrasador álbum debut de Soul ll Soul, Club Classic Vol. 1.

En los años posteriores, las apariciones de Loose Ends han sido fugaces. El rapero Pete Rock reunió en 1998 a Jane Eugene y a Carl McIntosh para grabar Take your time, y en el videoclip aparece además Steve Nichol, donde pudo verse de nuevo reunido al trío original Loose Ends. Sin embargo, era el único que faltaba en el concierto que dio el grupo en la sala Indingo de Londres, el pasado día 22 de mayo de 2010.

Pero no quiero dedicar una sóla línea más a la decadencia del grupo tras la separación de la formación original. Para hacer justicia hay que subrayar otra vez la mismidad del grupo. En sólo dos años alcanzaron su personalidad, y un espacio propio dentro del Soul mundial. Loose Ends, en sus tres primeros álbumes, no se parece a nadie. Es el antecedente inmediato –el hermano mayor- del Acid Jazz y Soul ll Soul, así como uno de los grupo propiciadores del New Jack Swing y el R&B. Así debería reconocer la historia su contribución a la cultura Afroamericana. Desde aquí pido que vuelvan a unirse, Carl McIntosh, Steve Nichol, Jane Eugene, y Nick Martinelli. Por favor.

Discografía obligatoria en vinilo:

So where are you – Lp, 1985
Zagora – Lp, 1986
Hangin´on a string [contemplating] - Single 12”, 1985
Stay a little while, child - Single 12”, 1986

Quisiera dedicar este informe a Pepe, nunca supe su apellido, el pinchadiscos de la Discoteca Pomelo de Fuengirola, en el verano de 1986, que el año anterior pinchó en Picapiedra, Carvajal. Mi primer maestro de Funk. Allá donde estés, gracias.

2011-04-03T10:38:00.009+02:00

Sesión The Black Evolution [Salah, Losada, DavidDJ] en el 1er aniversario de la tienda ENNEGRO. Viernes 1 de abril: Afrodisia, Granada. Sábado 2 de abril 2011: Soul, Córdoba.

Stevie Wonder

2011-03-14T10:54:00.026+01:00

La vida secreta de las plantas.

Publicado originalmente en la sección DISCOS HERMANADOS de la revista en papel Enlace Funk Nº32

Por Miguel Gómez Losada

Hacía tiempo que tenía ganas de escribir sobre el disco The Secrets Life of Plants -La vida secreta de las plantas (1979) de Stevie Wonder-, y reconozco mis limitaciones para adaptarlo a esta sección, porque no he sabido hermanarlo con ningún otro. Pido disculpas por incluírlo aquí como hijo único. No conozco un disco de souljazzfunk que gire alrededor de la vida vegetal como éste. Haciendo un esfuerzo podría considerarse disco hermano Visions of a New World (1974) de Lonnie Liston Smith, -que es es el jazzfunker que mejor evoca el horizonte-, proponiéndonos un mundo natural ensoñado en la portada del disco, con una pintura donde hombre-cielo-selva-océano son un solo ser. También podría ser hermano Sextant (1969), el disco más enigmático de Herbie Hancock, donde se atrevió a musicar la danza de la lluvia.

Era normal que en muchos discos de jazz con mirada a África, lo silvestre fuese el guión, pero el disco que nos ocupa es el máximo exponente soul del panteísmo, donde el Universo, la Naturaleza vegetal y Dios representan el amor infinito.

Journey Throught The Secrets Life of Plants fue la banda sonora compuesta por Stevie Wonder para una película documental de Wallon Green, basada en un libro del mismo nombre. El subtítulo del libro podría definir el disco y también la película: “Un testimonio fascinante de las relaciones físicas, emocionales y espirituales entre las plantas y el hombre”.

El largometraje de más de hora y media fue muy avanzado en su tiempo, argumentaba que las plantas sienten, se alegran y padecen como los demás seres vivos, a pesar de que la comunidad científica diga que esto no es posible por no tener sistema nervioso. Stevie Wonder estuvo acertado como siempre: las instrumentales atmosféricas del disco creaban junto a las imágenes a cámara rápida una sensación mágica, una botánica misteriosa donde las plantas aparecían humanizadas como en una fábula vegetal.

El disco que nos ocupa salío en 1979 y fue comercialmente difícil. Era una banda sonora de un artista negro, pero no tenía nada que ver con el cine Blaxplotaition; tampoco con el sonido 1979 de otros compañeros de Motown como Rick James. Se distanciaba demasiado de su disco anterior –entre los años 1976 y 1979, al Funk le había dado tiempo de hastiarse de la música disco y volver a recuperar su esencia con el Rap-.

Guardaba poca relación con la moda de ese año, no hay mas que comparar esta banda sonora con las que se llevaban a final de los 70: Saturday Night Fever (1977) y Thank God it´s Friday (1978), paradigmas de la música disco. Los seguidores de Stevie aún escuchaban uno de los mejores discos de la música universal, el supremo doble lp Songs in the Key of Life (1976), y cuando salió Secrets Life of Plants quedaron perplejos: el disco también era doble, pero sólo tenía una canción de amor a la manera de Knocks Me off my Feet, y ninguna musculatura Funk como As o I wish. La vida secreta de las plantas había que escucharlo de otra manera.

El disco comienza como la película Fantasía (1940) de Walt Disney, quien adapta los dibujos animados a La consagración de la primavera de Stravinsky para el episodio de La creación del mundo., El doble disco contiene folclore japonés, indio, música africana, jazz, melodías infantiles, baladas soulfunk, desarrollos discofunk, ambientaciones orquestales y música clásica, pareciendo a veces el primer disco de New Age. Aun así, el álbum tiene unidad: las arriesgadas y diversas instrumentaciones parecían árboles traidos de todas las partes del mundo, reunidos en la maravillosa voz de Stevie Wonder a modo de jardín.

Quién sabe cómo siente Stevie Wonder las plantas, desde su ceguera puede que perciba en ellas la obra más íntima de la creación, o quizá las asocie a un recuerdo de caricia materna: la yema de un dedo siguiendo por su frente el nacimiento del pelo, o algún beso sin avisar en la memoria de la piel. El disco repetía una misma melodía en varios de sus cortes, comenzando en First Garden para cruzar por The Secrets Life of Plants y desembocar en Finale, como si fuera el río de la vida nutriendo la vegetación de sus orillas; o la vía láctea hilvanando con luz la oscuridad del universo. Este disco es un himno a la ternura, y cuando suena la armónica emociona por su sencillez.

Invito a quien esté buscando a Dios que lo haga de la mano del gran sacerdote del Soul: Stevie Wonder. Cuando pongo sus elepés en mi tocadiscos siento como si pudiera escuchar una frecuencia del universo donde Stevie Wonder y Dios se aman, así como se amaban Juan el Bautista y Jesucristo. Ya no hay duda que Stevie vino al mundo para iluminar, es lo que le sitúa en mi opinión como el mejor compositor, músico y cantante del siglo XX, por encima de Los Beatles o los Rolling. Stevie Wonder no hacía de su vida un exceso para seducir a adolescentes ávidos de medir sus fuerzas con el mundo; él hacía algo mucho más importante y valiente, regalar amor y sonreir, quizá por eso los periodistas blancos cazatitulares no sabían qué hacer con él, y los adolecescentes rebeldes menos. Stevie Wonder tiene algo más que buenas canciones. Su fé y la manera de mostrar fascinación cuando un sonido es feliz le convierte en un enviado, un ángel.

(Es habitual aunque no deseable, que las personas mayores repriman su fascinación cuando están en público para no parecer ignorantes -"si me fascino por algo nuevo demuestro que no lo conozco, y a determinada edad hay que aparentar saber de todo un poco"-, de ahí que por reprimir siempre la sorpresa, el mundo de los adultos sea tan aburrido... Así, la fascinación es más común en niños, ciegos y librepensadores, que no les importa el “qué dirán o verán”.)

Para comprender a Stevie Wonder hay que admirar su elevada espiritualidad. Él habla con Dios (Escuchad por favor Have a Talk with God, del Lp Songs in the Key of Life). Dios le otorga el don de la gran música para que el resto de los humanos escojamos sin complejo el camino del amor, que es el más alto ejercicio de inteligencia.

Secrets Life of Plants es el último disco de la gran época de Stevie, aunque el siguiente Hotter Than July (1980) también podría incluírse, así como la optimista Do I Do y la crepuscular Ribbon in the Sky, canciones escritas en 1982. Lo dejo a debate. Nuestro disco tiene varios momentos estelares, elegiría el single del álbum, Send One Your Love: música para quedarse con la vista perdida y compartir aquella ilusión de André Breton: “Espero a la dama del lago, sé que vendrá”; Come Back As a Flower, que escucho como un canto a la esperanza interpretado por Syreeta, pidiendo al universo que aquel amor irrecuperable, al menos vuelva como una flor; Power Flower, por su base rítmica, con la batería más notoria del disco: lenta y funk como la trompa de un elefante cuando ramillea; y la hondísima Eclesiastés: una coral religiosa que suena a Bach, música para el trance a la otra vida. Por supuesto Secrets Life of Plants, que sugiero se escuche en el vídeo original que hay en internet, donde se ve un plano de Stevie Wonder a tientas por un paisaje volcánico, deteniéndose ante el presentimiento de un árbol, o guiándose por la luz como los girasoles. Se eriza la piel al verlo…

El disco no es perfecto –pero sí es arte porque se compuso dando prioridad a la necesidad creativa antes que a lo que esperaba el público-. El tema Race Babbling no pega en un álbum tan espiritual, y aunque tiene un magnífico vocoder (leer sobre Stevie Wonder en Zapp & Roger, Discos hermanados/ Enlacefunk Nº31), el tema suena muy rápido, discotequero y sin flow. Es porque la canción ilustraba la velocidad en la autopista en una secuencia a cámara rápida de la película, y como no se proyectó en los cines, la canción en el disco suena desligada. Además es la única pieza claramente alejada del mundo onírico vegetal. Dura más de ocho minutos, tiempo que hubiera servido por ejemplo para incluir la maravillosa Overjoyed, compuesta para La Vida Secreta de las Plantas pero no publicada hasta 1985. Me encantaría poder oírla con los arreglos de 1979, qué lujo. Excepto este detalle, el doble álbum hizo historia y se convirtió inmediatamente en un disco de culto.

Tengo la gran suerte de cumplir años el mismo día que Stevie Wonder, el 13 de mayo, día que he elegido para escribir este artículo. Quisiera pedir permiso para mencionar aquí una exposición de pintura que estoy preparando sobre el álbum La Vida Secreta de las Plantas. Este paisaje -a modo de boceto en palabras- es para Stevie Wonder; sirva como regalo de cumpleaños y agradecimiento, porque él alimenta mi inspiración:

Querido Stevie Wonder, sé que existe algo inmenso, puro y bueno. Me atrevo a llamarlo ternura del universo, o la tierra prometida. Es una geografía soñada donde los ríos no olvidan sus primeras montañas, con árboles custodios que guardan los secretos del horizonte: (qué tierras ilumina el sol cuando se esconde, o el lugar donde nacen las estrellas...)
Otras se nos revela como una oscuridad en el pantano, donde las plantas en la orilla, el viento y los pájaros animan una escena de amor supremo. Es un ideal, una fábula que no distingue entre bondad y belleza, y que al pintarse, deja de ser imaginación para convertirse en realidad.

Córdoba. 13 de mayo de 2009

2011-02-05T23:08:00.014+01:00

SOS Band, Even when you sleep, maxisingle 12" - 1986

CASHFLOW, Cashflow – LEVERT, Bloodline – SOS BAND, Sands of time

Publicado en la sección Discos hermanados, de la Revista Enlacefunk Nº34 Edición en papel.

Por Miguel Gómez Losada [marzo 2009]

Todos vamos a morir, y peor aún, es probable que antes entremos en un hospital con conciencia suficiente para comprender que ya nunca volveremos a casa, que nunca volveremos a pasear por nuestro barrio, ni a sentir el sol en la cara, o el cielo con la primera llovizna del otoño; y que de esa habitación de hospital no vamos a salir jamás. Antes de ese momento deberíamos haber dado ya lo mejor de nosotros mismos, por eso hay que empezar hoy, ahora. Mañana puedes morir, puedo morir. Lo hacen los otros seres vivos: la luciérnaga ilumina para ser encontrada y amada antes de envejecer; y las flores, que destacan entre la hierba para hacer señales a los insectos volantes y lograr la polinización antes de marchitarse.

El humano, a pesar de estar dotado de inteligencia más allá de la supervivencia, suele equivocarse en su función de ser. Al humano se le suele olvidar iluminar por estar distraído con la supervivencia, como si no se pudiesen hacer las dos cosas a la vez.

Entiendo el arte como la facultad de iluminar, esa capacidad consciente que nos distingue de otros seres vivos, y defino el arte como -todo acto de amor público-. Y si una luciérnaga superdotada es la que más ilumina para ser amada, y una flor superdotada la que más destaca del suelo por su colorido para ser amada, así, un humano superdotado no es el que más sabe o el que es más importante en su sector profesional, sino el que mejor ama. Lo tengo claro. Los artistas son grandes amadores, grandes luciérnagas que iluminan con su cuadro, canción, danza, o cualquier cosa hecha con esmero que se pueda compartir.

También se puede ser artista de la amabilidad, de la generosidad y del agradecimiento, por ejemplo. Aquí no se libra nadie: todos podemos ser artistas. Todos podemos ser grandes amadores y así humanos superdotados. Porque estar vivo es algo más que sobrevivir. Vivir debería ser -existir amando todo el rato-. El arte –cualquier acto de amor público- es lo que nos mejora y define como especie más allá de aspirar a rozar nuestros cuerpos con intención de cópula o fecundación.

SOS Band, Sands of time, 1986

Hoy traigo tres ejercicios de amor, tres ejercicios de gran arte, tres ejercicios de FUNK. Tres grandes álbumes trillizos, quizá los mejores de 1986, ese año difícil para la música negra por haber quedado lejos el Funk de los 70 y ser la última cosecha afroamericana antes de la era de los samplers y las recuperaciones. Considero que ya es hora de hacer justicia al sonido de 1986.

Bloodline de LEVERT coincide con CASHFLOW en que los dos son herederos directos; Levert lo es de O´jays, y Cashflow de Cameo. SOS BAND por el contrario es iniciador de una saga, de un sonido. Aunque su primer álbum es de 1980, no sería hasta 1983 con su disco On the Rise cuando alcanzaran madurez como grupo, sonando incomparables a ninguna otra banda, y anticipando lo que sería todo el Soul de los 90 posterior al New Jack Swing. Sands of time, el álbum que nos ocupa, suena amable pero rotundo. Está lleno de bajos hondos sintetizados, esos que suenan a mugido gutural, como el aviso de una bestia de cuadra cuando intuye que va a ser molestada. Es un disco de Funk con ascendente Soul, tiene melodías y ambientes crepusculares, así como la escena desértica de la portada, con poética visual de espejismos, caravanas o de las mil y una noches. Esa masculinidad de los bajos, muy graves, se complementa perfectamente con la voz simpática de Mary Davis y los cowbells.

Esto sucede también con Mtume, donde la vocalista Tawatha Agee endulza y afemina oportunamente el tonelaje Funk de la programación rítmica. En sus dos álbumes anteriores quedaba un rastro, un eco de THE TIME, como si SOS Band fuesen The Time pero en la playa, o con el sosiego propio de las vacaciones. Es por Jimmy Jam y Terry Lewis, pilares de la banda de Minneapolis y productores gurús luego de SOS Band. Sí, todo SOS Band 1983-1986 suena a Soul siendo Funk, y es por la templanza de los teclados, las melodías sin complejos y los bajos que mugen, pero sobretodo por la vocación de medio tiempo para hacernos sentir bien. Sands of Time es el primer disco y último de SOS Band totalmente emancipado de influencias; un disco para escuchar a oscuras, gozando con el sonido atmosférico que amplía la habitación hasta lograr paisajes soñados, envolturas musicales y ternuras imaginadas. Este álbum es su canto del cisne, luego vendrían recopilatorios y un par de discos con otra vocalista, aunque sin Mary Davis nada volvió a ser igual. Do You Still (Want To) se podría pinchar para abrir una sesión, y Nothing but the best para comprobar que los graves están ecualizados ese punto aconsejable más de lo permitido. Es fácil encontrarlo en las cubetas, y es barato, cómpralo. (Recuerda, para escuchar a oscuras y “ver”)

Cashflow, álbum debut, 1986

Para describir a CASHFLOW, y en concreto al empujón Funk del tema que abre el disco -Party Freak- sólo se puede parafrasear a Lorca en Bodas de sangre, cuando dice “me arrastró como un golpe de mar, como la cabezada de un mulo”. Party Freak es una entrega de Heavy Funk. Larry Blackmon de CAMEO produce el debut de Cashflow, rapea, arregla y participa en la creatividad de la portada, como si Word up (1986) fuera una extensión de este disco, o al revés. Los músicos de Cashflow coinciden con Cameo hasta en los cortes de pelo. Party freak sigue siendo actual, suena gordo, macho, y nadie creería que es de 1986 si no fuese por los repiques de palmas de la caja de ritmos, tan novedosos entonces. Mine all mine es como Back and Forth (1986) de Cameo, y también se parece a I Found Lovin´ (1983) de Fatback. Es la cancion soleada y optimista del álbum. En esta línea también suena I need your love, aunque algo más impetuosa, quizá por la sinceridad del título. Spending Money me gusta mucho, es un medio tiempo Soul, rotundo, y tiene un bajo vibrante –motor de tractor- que hace temblar hasta los cristales del salón. Podría mezclarse con Juicy Fruit (1983) de Mtume, o con Don´t be Lonely (1986) de Cameo, para entendernos; y al contrario que SOS Band, este bajo no es un colchón subordinado al resto de instrumentos, sencillamente es el protagonista. Reach Out es el baladón del disco, Monster Ballad, como dicen en las revistas de Funk americanas, y a pesar de su tiempo lento y sentimentalidad no es azucarado. Recuerda a las mejores canciones de amor de Cameo, como Why Have I Lost You (1977), para proyectar recuerdos en todas las nubes anaranjadas.

Levert, Bloodline, 1986

En el número 469 (21 oct– 3 nov,1986) de la revista británica Blues & Soul, y en el apartado Single of the week, descubrí (Pop, pop, pop, pop) Goes my mind, del trío LEVERT, aunque no pude reconocerla hasta que sonara su estribillo en Radio Popular de Córdoba, una sobremesa cualquiera del verano cordobés. Es una canción a 80 bpm, heredera de anteriores tríos de Soul, sobretodo por la voz de Sean Levert –hijo de Eddie Levert, líder de O´jays-, que cuesta distinguirla de la de su padre; pero también por la cremosidad de la guitarra, estilo George Benson; los palillos –castañuelas con los dedos- en el sitio de la claqueta; y hasta las coreografías en los directos, dibujando ellos tres a la vez con los pies la misma línea en el suelo del escenario. Este tema es el corazón del disco, sí, pero contiene varias joyas más. MTUME produce dos de las ocho canciones del álbum, Fascination, en la línea de C.O.D. (I'll Deliver) (Mtume 1984) y I Start you up, You Turn Me on, continuando You, me and he (Mtume 1984). Si eres seguidor de Mtume debes comprar este segundo elepé de Levert. Después de 1986 Mtume grabaría la prescindible banda sonora Native Son, cerrando así tres años de liderazgo electrosoul. Por si fuera poco, Grip, Looking For Love y Pose tienen influencia del Funk severo que Cameo regaló al mundo. Sean Levert murió en 2006, aún era un chaval. Se le complicaron las drogas, la tensión alta y la diabetes (estaba muy gordo), menos mal que le dio tiempo de iluminar antes. Ya puede descansar en paz.

Marc Gordon, Gerald Levert, Eddie Levert, Sean Levert. Foto de contraportada de Bloodline

Dedico este artículo a Ennegro, la nueva tienda de discos en Internet de mis hermanos de The Black Evolution, DavidDJ y Salah: luciérnagas superdotadas del bosque FUNK

2010-12-25T04:23:00.025+01:00

Portada de Josef Albers [1960]

JOSEF ALBERS: artista plástico +
ENOCH LIGHT: Músico, director de orquesta, ingeniero de sonido y empresario.

Por Miguel Gómez Losada
Originalmente publicado en la sección Discos hermanados, de la edición en papel de la revista Enlacefunk Nº35

Mi Josef Albers favorito no está en los libros de arte sino en las magníficas portadas de discos del sello Command Records. Corría el año 1959, Marilyn enamoraba Con faldas y a lo loco, se popularizaba nuestro Seat 600, y el sonido estereofónico. Rafael de la Hoz modernizaba Córdoba con su arquitectura internacional, y Óscar Niemeyer proyectaba Brasilia, coincidiendo en el tiempo con el auge de la Bossa Nova. Eran años de prosperidad, la Segunda Guerra Mundial quedaba atrás y aún faltaba tiempo para el desencanto del postmodernismo.

Y en 1959 también:

-Franco inaugura el Valle de los Caídos.
-Triunfo de la Revolución cubana, Fidel Castro toma el poder.
-Marthin Luther King viaja a la India y afirma: “Ghandi es la luz-guía en nuestra técnica del cambio social no violento.”
-Picasso tiene 78, Duchamp, 72, Borges 60, Cary Grant 55 años.
-Miles Davis 33, y publica Kind of Blues.
-Nace Astérix, en la revista Pilote
-Josef Albers tiene 71, y su mujer Annelise 60 años.

Portada de Josef Albers [1961]

Josef Albers (1888 – 1976) es conocido sobretodo por sus Homenajes al Cuadrado, pintura abstracta geométrica, hija del constructivismo ruso y la Bauhaus. Fue en esta escuela, La Bauhaus, donde conoció a Anni Albers (Annelise Fleischmann,1899-1994), con quien se casó en 1925. Una historia de amor idílico alrededor de la pintura, los diseños textiles y los viajes exóticos; y en mi imaginación invento en su nombre mil ejercicios de vida, mezclados con otras tantas conversaciones sobre la geometría y el color.

Josef Albers - Estudio para homenaje al cuadrado - óleo / masonite 51 x 51 cm. 1954

Cuando Hitler decidió desmantelar la Bauhaus en 1933 no pudo con su amor. Los Albers emigraron a Estados Unidos, al igual que otros muchos artistas europeos. Enseguida volaron a Méjico por deseo de Anni, apasionada de las culturas prehispánicas y la ornamentación geométrica textil. Los Albers tenían una concepción global del arte, interesándose igualmente por la arquitectura, el diseño, los muebles, la tipografía, la literatura y la docencia; es decir, el arte como punto de vista, como ámbito integrador de la vida. Fruto del amor y la convivencia, sus obras se fueron complementando con el tiempo, alcanzando fuerza y plenitud en su conjunto. Josef Albers, predicador ante todo del arte como evocación y revelación, comenzó su programa artístico en la Facultad Black Mountain College (Carolina del Norte), compartiendo con los estudiantes sus Homenajes al Cuadrado, pintura seriada con ligeras variantes de un cuadro a otro. Albers establecía una comparación con la cocina: “A veces echo más sal, otras menos. Ahí reside la diferencia entre una pintura y la siguiente”. Y es cierto, no salen dos platos iguales aunque se cocine todos los días. Es normal distinguir un rioja de un vino de mesa, y reconocemos un alimento bien cocinado, sabiendo cuál es el punto óptimo de sal. Determinadas especias pueden evocarnos el océano, la montaña, el bosque, o una brisa templada como anticipo del verano. Albers tenía esta sensibilidad para aplicar el color. Pintaba cuadrados concéntricos, repitiendo esta estructura y variando las relaciones tonales. Una ligera mutación de rojo repercutía en la óptica y en la posterior emoción del cuadro. Cuando uno mira el trabajo de Josef Albers sabe que cada color tiene una dosis y un lugar exacto. Quizá esta meticulosidad, refinamiento cromático y actitud musical para pintar, es lo que sedujo a Enoch Light, cuando su hija Julie, y alumna de Albers, les puso en contacto.

Portadas de Josef Albers [1959 / 1960]

Enoch Light era otro perfeccionista. Violinista de sesión, director de orquesta, ingeniero de sonido y hombre de negocios; creo en 1959 la discográfica Command Records. Del encuentro Enoch Light – Josef Albers nacieron entre 1959 y 1961 las siete magníficas obras que nos ocupan. Fue una gran aportación a la Historia del Arte del siglo XX. Estos discos significaron una excepción en Albers, especializado en la poética del cuadrado; y aunque ya en los años 30 hiciera unos christmas para su uso personal con motivos redondos, fue en Commands Records donde se lanzó a explorar las posibilidades emocionales del círculo como unidad de repetición. A menudo sucede que lo más interesante en la trayectoria de un artista viene dado por un encargo, o digamos por algún agente externo que a modo de colaboración inocule una variante en su producción habitual.

Esta casa de discos popularizó en el mundo entero el sonido estereofónico, concibiendo sus álbumes con una actitud lúdica y didáctica (como si los instrumentos hablasen con muy buena dicción; con efecto ping pong en la percusión, y diálogo respetuoso entre la sección de cuerdas y la de vientos, de un canal a otro, con el fin de fascinar al oyente). Los discos de este sello se podrían etiquetar de jazz ligero -o de ascensor- como se suele decir, Easy listening y también Lounge. La presentación es impecable, como la innovadora doble carátula y libreto, con instrucciones detalladas para la escucha, que incluye colocación óptima de los altavoces, así como una ficha técnica completa de micrófonos, amplificadores y maquinaria sonora empleada en la grabación. Fue pionero en usar 4 canales y el sistema de grabación estéreo en cinta magnética de 35 mm –como en el cine-, que anulaba ruídos y el efecto “wow”. Esta alta tecnología sumada a las portadas de Josef Albers y los sugerentes títulos “Percusión persuasiva”, “Percusión provocativa”, hacen de estos discos una serie de colección, no sólo de buena música, sino de arte del Siglo XX. Tener una edición original de estos siete discos es como tener un grabado de uno de los artistas más influyentes del arte moderno. Quiero llamar la atención especialmente sobre este diseño precursor, que pertenece ya al imaginario global, del que han pasado cuarenta años y sigue de rabiosa actualidad. Commands Records y su director de arte Charles E. Murphy continuaron esta línea gráfica con otros diseñadores, discos que tengo en casa gracias a mi padre, que previamente trajera de Barcelona en los años 60.

Portadas de Josef Albers [1961]

Aunque dos de estas siete obras son música clásica, merece la pena poner aquí la lista completa de Josef Albers para Command Records:

Provocative Percussion (Volume 1), 1959

Provocative Percussion (Volume 2), 1960

Provocative Percussion (Volume 3), 1961

Persuasive Percussion (Volume 1), 1959

Persuasive Percussion (Volume 3), 1960

Pictures at an Exhibition, Mussorgsky – Ravel, 1961

Leonid Hambro and Jascha Zayde, Magnificent Two-Piano Performances, Mozart, Mendelssohn, Schubert, 1961

Cuando dejo correr estos elepés en casa me asaltan a la memoria escenas en Cinemascope: Cary Grant sentado en el hall del hotel, disimulando tras un periódico; o preguntando a la recepcionista -con timidez calculada- por su día libre. Es un sonido optimista, jazz suave sin complicaciones melódicas. Son canciones de siempre: Caravana, Brasil, Cuando tu amor se ha ido, La Rumba de Miami, La Cucaracha, Mambo Jambo, Querida mía …, Enoch Light tiene pocas composiciones propias, pero sus versiones de clásicos universales son de lujo, tan buenas que alcanzan identidad propia. Es música de la American way of life; Jazz en un Chevrolet, o un Lincoln, camino del aeropuerto con destino Hawai. Y lo que falta de autoría en este tipo de Jazz lo pone Albers en las portadas, haciendo de estos siete álbumes –insisto-, una cumbre de la abstracción.

Y en lo más íntimo, cuando suena Enoch Light y la Brigada Ligera, escapo del tiempo hasta un sábado por la mañana después de terminar las tareas: y ahí está el tocadiscos Dual Bettor, mis padres jóvenes, y una infancia feliz.

Anni y Josef Albers

DR XIV, de Anni Albers 1974. Tinta y lápiz sobre papel (Influencia mejicana)

Obra de Anni Albers (1938), publicada en la revista del Black Mountain College

Nota: Se celebró una exposición sobre las portadas de Josef Albers para Command Records en Minus Space reductive arts, Brooklyn, Nueva York, del 12 de diciembre de 2009 al 30 de enero de 2010

2010-09-12T05:04:00.022+02:00

Roger Troutman en 1981
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DISCOS HERMANADOS, por Miguel Gómez Losada

Originalmente publicado en la edición en papel Nº31 de Enlacefunk

ZAPP - Zapp l (1980) Warner Bros +
ROGER - Many face of Roger (1981) Warner Bros

Tengo el gusto de inaugurar esta sección con dos discos obligatorios de Funk, Zapp l y Many Face of Roger, hijos del mismo padre: Roger Troutman.

Zapp l contiene More bounce to the ounce, que después de casi treinta años es el tema más importante en la historia del electrofunk. Los raperos de los noventa dieron fe de ello, poniendo a Roger en voga y retomando su legado: EPMD, Domino, Snoop, Ice Cube, Heavy D, o Digital Underground, así como ocurriera con el P-Funk y James Brown. El fraseo de talbox -More-Bounce, to-the ounce- cosido al categórico bassline de la canción, cambiaron la forma de entender las tecnologías aplicadas a la música. Este hallazgo no fue casual, el grupo Zapp estaba coproducido por Bootsy Collins. A su vez, Roger tenía ya un buen álbum grabado en 1976, Roger and the Human Body, con aroma a Ohio Players pero con el talkbox como instrumento protagonista en los temas más rotundos, que desde este momento definiría su personalidad.

Se puede decir que Zapp fue la última estrella del firmamento P-Funk, incluso la portada es de Ronald P. Edwars, el artista que pintó la de Fred Wesley & The Horny Horns: A blow for me a toot to you, álbum producido por George Clinton y Bootsy. Para que no hubiese dudas de cuál era la nodriza se encomendó la contraportada al artista Overton Loyd, que trabajaba con aerógrafo –tan de moda en aquellos años- autor de Gloryhallastoopid y Trombipulation, los discos tardíos de Parliament. El primer nombre en los agradecimientos de la contraportada es George Clinton. Esto es una actitud modélica, Afroamérica tiene ese respeto por los artistas mayores, al igual que la cultura gitana, y la oriental.

En el Japón imperial, un pintor empezaba a ser tomado en cuenta cuando reconocía públicamente a su maestro, y adquiría el compromiso de transferir su enseñanza artística a un nuevo alumno. Esto sólo ocurre cuando la cultura viene en línea desde atrás, y los artistas se saben transmisores de una de fuerza cósmica que se pierde en la noche de los tiempos.

Funky Bounce me recuerda al Funk descarado que sonaba cuando Starsky y Hutch se introducían en los barrios negros, buscando a Huggy Bear para sonsacarle información. El tema suena sobrado, y los handclaps parecen marcar el paso alegre y confiado de un sospechoso justo antes de que aparezca el coche de la policía.

Zapp l

More bounce to the ounce es oficialmente el hit del disco, sin embargo mi favorita es Be alright. Es un medio tiempo contundente a la vez que amoroso, precursor de casi todo el R´n´B de los 90. Grupos como H-Town, SWV o EnVogue le deben mucho. Su base rítmica es insuperable, algo así como el tiburón a la acuodinámica animal; o los árboles, exponentes máximos del reino vegetal. En el desarrollo instrumental, los coros recuperan la melancolía del blues, y la guitarra suena desconsolada como el maullido de un gato abandonado. Freedom, y Brand new player tienen la redondez, el jugo, el color y la alegría de una naranja, con ese sonido de 1976: cuando los grupos de Funk todavía estaban formados por más de diez miembros. De hecho Freedom se grabó originalmente para el álbum Roger and Human Body, cuatro años antes que Zapp l. Coming home es un blues rápido que cierra el álbum, y recuerda que aunque la criatura electrofunk esté recien nacida, el abuelo sigue mereciendo atención.

La historia del talkbox –escrita casi siempre por críticos musicales de influencia rockera- atribuyen a Peter Framton haberlo usado como instrumento por primera vez, sin embargo, éste se animó a hacerlo cuando escuchó en 1972 el tema Love having you around, incluido en el elepé Music on my mind de Stevie Wonder. El talkbox es negro, así lo demuestran Stevie Wonder, Graham Central Station en el tema Now do-u-wanta dance (1978); o Sly & The Family Stone, en The same thing, makes you laugh, makes you cry (1979); y el mismísimo Roger Troutman, con su banda Human Body y posteriormente con Zapp.

The many face of Roger

En 1981, Roger Troutman bifurcó su trayectoria en Zapp y Roger. En el álbum The many face of Roger, el electrofunk alcanzó su madurez. El secreto estaba en amalgamar el carácter robótico del talkbox, su forma de tocar la guitarra sin vanidad de solista, el ritmo metálico y electrizante, con la corpulencia de las grandes bandas de Funk. Lo consiguió. Zapp & Roger es sobretodo Funk del espacio exterior, los sintetizadores y el talkbox le dotan de ambientes cósmicos, evocando el Sputnik y a los primeros cosmonautas, fascinados con el azul del océano a través del cristal de la nave. I Heard it through the grapevine es una versión del clásico de Norman Whitfield, popularizado por Marvin Gaye en 1968, que cuesta reconocerla sin la ayuda del título. Dura más de diez minutos.

En A chunk of sugar deja ver su conocimiento de la guitarra, tocando como un discípulo aventajado de Wes Montgomery, sobre una base rítmica subordinada, de las que están ahí detrás.

Maxx Axe es el tema feliz del disco. Puro gozo, puro viaje, música para olvidar preocupaciones y situarse en el lado soleado del mundo. Escucharla te arranca una sonrisa pulmonar con calor en la nuca. Música para llamar a tus amigos y celebrar la vida en el restaurante de la esquina.

Do it Roger es una fiesta, con una intro sin batería que es verdadera elegancia. El tema transcurre sobre un entramado de guitarras rítmicas, bajos sintetizados que mugen, palmotadas y coros testiculados, que jalean a Roger en su travesía por el tema, diciéndole todo el rato: “Hazlo Roger, hazlo”; animándole como a un saltador de trampolín. El disco vuelve a cerrar como Zapp l, con Blue (A tribute to the Blues).

Este álbum contiene el aplastante So ruff, so tuff, sampleado en 1991 por Ice Cube en H
ow to survive in South Central, con un groove infeccioso en la línea de More bounce to the ounce. Es Funk ejemplar. El bajo acomete con la vehemencia del oso cuando empuja el árbol para que caigan los frutos, y antes de acabar el tema, la instrumentación se detiene, dejando a solas un pegadizo riff de guitarra rítmica, que influiría años más tarde en Prince.

Zapp & Roger

Sirva este artículo para reconocer la calidad como guitarrista de Roger, y aunque su guitarra quedase a veces eclipsada por la presencia del talkbox, hay que nombrar de una vez por todas a Roger Troutman maestro de Prince en su periodo 1986-1988. Es frecuente que al descubrir a Zapp recuerde a Prince, y en realidad es al revés. El mejor Prince está en los álbumes Parade y Sign ´o´ the times, justo los dos discos posteriores al esplendor de Zapp.

La antorcha de la esperanza negra pasó de James Brown a George Clinton & Bootsy, Zapp & Roger, luego a Prince, y ahora a Roy Hargrove. Ésa es la línea sucesoria. Cada nuevo eslabón se une siempre con uno más, en una interminable cadena cultural.

Esto sucede cuando el artista se siente en comunidad.
Esto sucede cuando el artista necesita formar parte.

Y ser encontrado.

Aun en medio de la nada, resplandece.

2010-07-17T11:24:00.006+02:00

FUNK BELGA de primerísimo nivel. No es AcidJazz. Atención a la hondura gospel, la filosofía lúdica de los teclados, el juego, el rebote y la gozada. El bajo muge como una bestia de cuadra cuando avisa que no quiere ser molestada. Luego la sección de vientos -disparos-, y las guitarras alargadas que dan velocidad. El tema empieza como una caricia suave, y cuando acuerdas te atrapa -entre el dolor y el placer- como un agarrón testicular. Wizard of Ozee - Hifi [1996]

2010-07-14T18:34:00.020+02:00

Ohio Players, Jass-Ay-Lay-Dee [foto de contraportada]

DISCOS HERMANADOS
por Miguel Gómez Losada

BAR-KAYS, FLYING HIGH ON YOUR LOVE (1977)
OHIO PLAYERS, JASS-AY-LAY-DEE (1978)

Aparecido originalmente en la edición en papel de la Revista ENLACEFUNK Nº33

Quiero hablar de FUNK ESPAÑOL. Este verano [2009] he tenido el placer de asistir a Imágina Funk y a Enclave de Agua, que son los dos festivales de música negra de España. En el primero, el subtítulo es Festival Funk del Sur de España, y del segundo, Festival de Música Afroamericana. España está de enhorabuena por ello, y al igual que está asumido el sintagma Pop español, ya se puede hablar de Funk español.

Tenemos festivales. Complacido me dio la impresión de que la dominante de los grupos programados –excepto P-Theory y The Black Evolution Experiencia, de tradición y aspiración P-Funk respectivamente- seguía el rastro de los Rare Groves de Blue Note. En concreto de las formaciones tan populares en 1969 con el Hammond como protagonista sobre el conocido “beat” de James Brown: las de Richard Groove Holmes, Lonnie Smith o Reuben Wilson, hibridando este concepto rítmico con la vertiente instrumental, progresiva e hipnótica del Afrobeat.

Me pareció que la música negra que gusta a los directores artísticos de estos festivales sobrevuela el año1969. Y aunque este ejercicio de -raíz- es un comienzo inmejorable, no puedo disimular mi deseo de que esto sea sólo un punto de partida, y que las bandas españolas y quienes programan, incorporen a este bagaje la herencia de los grandes grupos que maduraron después, cogiendo así su relevo: Sly (1971-1975), Earth, Wind & Fire, Ohio Players, Kool & The Gang (1969-1976), la nación P-Funk, Pleasure; y luego Maze, Cameo, Gap Band, Zapp, y Prince, seguidos de D´angelo o Roy Hargrove por ejemplo, y que gracias a ellos, el Funk -con el Jazz dentro- alcanzó el cénit.

Incentivar hoy desde cualquier programación esta línea de gran Funk, es garantizar para mañana la diversidad en las propuestas (además de alinear históricamente al HipHop español con su raíz afroamericana), y esto no solo es bueno para el FUNK ESPAÑOL, sino para la cultura en general.

Después de sufrir durante años oír que Jamiroquai, Lenny Kravitz y Red Hot Chili Peppers hacían Funk, sin que nadie mencionara a Stevie Wonder, Betty Davis o Funkadelic; padecer en los bares de diseño del 92 “estilo cafetería del AVE” esa música previsible llamada Acidjazz; y que el órgano Hammond recordara a los pasajes instrumentales de The Doors antes que a Jimmy Smith, estos dos festivales españoles me han dado un júbilo inmenso que me propulsa a seguir predicando el FUNK y a sostener que España (digo “España” sin complejo, y sin eufemismos ya superados como “este país”), es una potencia cultural.

Pero hay un asunto que me preocupa: en España, la modernidad siempre ha sido muy británica, de apariencia Mod, Punk, Pop, Rock, etc; y ahora que el Funk ya no es algo desfasado sino que empieza a estar bien visto por la progresía, corremos el riesgo de que se rockerice en sus modos escénicos siguiendo nuestra propia inercia de indolencia en el discurso artístico, que es cosa habitual tanto en los directos como en los videoclips: Teatralizar la convalecencia o la salud débil elevándola a categoría estética; quejarse porque somos víctimas del sistema; y renunciar a todo porque ya no importa nada. Y esta actitud no tiene por qué restar calidad a las canciones (personalmente detesto esa postura nihilista que apologiza la desgana), pero sí que estas maneras pudieran dejar fuera lo que objetivamente es la esencia del Funk.

Es buen momento para recordar que el Funk nació como una respuesta social, cuando los negros, básicamente, se cansaron de estar sometidos por ser negros. Se podría decir que el Funk fue la consecuencia cultural de una necesidad imperiosa por cambiar las cosas. De esa lucha por LA LIBERTAD, al Funk le salieron músculos, y al irla logrando le dio alegría; por eso escuchar Funk da ganas de vivir. Esto derivó en unos modos extrovertidos, un derroche de confianza donde la fantasía era la protagonista; la alegría explícita, lo normal; vivir encarnecidamente, un derecho; y optimizar el dolor, un homenaje a los que dieron su vida en la conquista de la dignidad.

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Bar - Kays, Flying high on your love
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Funk también significa creer en Dios como máxima de agradecimiento, pudiendo hacer a veces un binomio natural con el hedonismo y la sexualidad divertida (creer en Dios es sobretodo amar la vida). Desde entonces el Funk es la música del amor explícito, de la esperanza, y de la felicidad como aspiración. Si miramos las portadas de los grandes discos de Funk encontraremos mucho sentido del humor, risa sin reservas, lentejuelas, trajes espaciales, sombreros tejanos (Gap Band); también sombrero cordobés (Lenny White); pañales de bebé (Gary Shider); atuendos a la manera de Robin Hood, piratas, cowboys (Lakeside), taparrabos (Blowfly); Indios, faraones egipcios, etc; que no era sino una reafirmación de la libertad de la cultura afroamericana mediante la alegría y la imaginación.

Y ahora quiero hacer una pregunta a la progresía -aludiendo a la permisividad que la caracteriza hacia otras formas de ser-.

¿Caeremos en España en la tentación de descalificar esta actitud intrínseca al sonido Funk y desplazarla por hortera? Ya no por favor, otra vez más, no, por favor. Vale que el FUNK tenga una apariencia britanizante en España, de acuerdo, pero si es normal el flequillo a ras de la mirada, las gafas de pasta, la barba comunista de la transición española, los nikis “Fred Perry”, el gesto desmotivado y la delgadez extrema; entonces, las cazadoras con mangas de flecos “Daniel Boone”, las camisas de leopardo, las cadenas de oro rebotando en los pectorales, los zapatos abrillantados con Canford, la cara bien afeitada y la sonrisa solar, también.

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Y para ilustrar esta defensa del FUNK, propongo dos discos hermanados calientes, jugosos y crujientes como los jabalíes asados que devoraba Obélix en los banquetes finales de todas sus aventuras: BAR-KAYS, FLYING HIGH ON YOUR LOVE (1977) y OHIO PLAYERS, JASS-AY-LAY-DEE (1978); los dos del sello Mercury. .

Muchos conocen a Bar-Kays por haber sido la banda de Otis Redding y por su éxito de 1967 Soul Finger. Diez años después grabaron este alegato sin complejos del amor.

Bar-Kays, Flying high on your love [foto de contraportada]

En la contraportada aparecen ellos fascinados mirando una hada negra que cruza el cielo -metáfora visual del título-. Sus rostros tienen actitud de creer lo que están viendo, convencidos de que el amor rige el mundo y da sentido a la existencia, y justo por ello es inútil cualquier disimulo en la expresión afectiva. En la portada escenifican con los brazos una bandada de pájaros, aludiendo de nuevo al álbum pero riendo en clave Let´s have some fun, uno de los cinco temas bailables y pinchables del disco. El sonido Bar-Kays de final de los 70 está a medio camino entre Commodores y Ohio Players, que junto con Cameo formarían ese funk vocal cuyos fraseos acaban en “aow”, “ueaw”, y weau”, a modo de rugido de felino cuando marca territorio o se aparea. Shut the funk up y Whatever it is te harán bailar sin remedio, Attitudes recordar un antiguo amor: un abrazo de noche, en el banco de un parque iluminado por farolas salteadas, con el sonido lejano y adormecedor de los coches por la avenida. You can´t run away te saca de la nostalgia emplazándote al porvenir, con la mirada esperanzada de aquellos navegantes que soñaban Ítacas siguiendo el vuelo de los albatros (esta imagen es para ti, mi querido Pedro García). La canción que da título al álbum cierra la cara B, y tiene un recuerdo de aroma a Devotion de Earth, Wind & Fire. Es una composición templada que evoca el fin del verano, donde la sección de vientos parece el idioma cálido del sol, apoyando el estribillo I´m flying high on your love, in the sky, repitiéndose hasta la emoción.

Ohio Players, Jass-Ay-Lay-Dee

Después de este disco –primer bocado de Obélix-, viene el segundo bocado, más sabroso si cabe, jugoso, y con múltiples registros en el mapa gustativo: JASS-AY-LAY-DEE de Ohio Players. Mi favorito del grupo sin duda. Parece que los pinchadiscos de Funk sólo ponen Funky Worm (1972) porque contiene el fraseo de teclado casi arabeizante que hizo eco en Ice Cube y Dr. Dre, convirtiéndose en el ingrediente mágico para lograr la atmósfera misteriosa de sus discos. Ohio Players es un grupo que se puede pinchar, y se debería pinchar antes que US3 por ejemplo, sobretodo cuando el subtítulo de un festival sea la palabra FUNK, porque Ohio Players, junto a Parliament/Funkadelic y Earth, Wind & Fire, son las bandas gordas, gordas, gordas, de FUNK; y si queremos propagar esta forma de vida en España, y compartir esta música con la gente que no ha tenido oportunidad de llegar hasta el Funk, Ohio Players y las bandas mencionadas en este artículo, no se nos pueden olvidar. Propongo dos tajadas de carne musculada, sin hueso, para masticar con enjundia: Funk –o-nots, y Shoot yer shot. Esta última es un medio tiempo con handclaps, y tiene tanta, tanta, tanta potencia, que si fuera carne de cerdo, no sería de cerdo rosa, sino de cerdo negro, un cerdo gordo y negro, casi jabalí.

Agradecimiento público para César Merino -Imágina Funk-; a Alfredo y Pitu -En clave de Agua-; a la gente de Maderfaker, por su amabilidad Funk en el stand de los dos festivales; y a Julián Maeso y su Hammond, por las intros emocionantes previas a los grupos. Y una sonrisa escrita para Miguel A. Sutil, por ser a la vez viento a favor y faro de Alejandría para el Funk español.

2010-06-16T11:30:00.003+02:00

DAVIDDJ [THE BLACK EVOLUTION / ENNEGRO]

SESIONES EN VINILO

JUNIO 2010

SÁBADO 19 AFRODISIA CLUB [GRANADA]
MIÉRCOLES 23 INAUGURACIÓN DE LOS JARDINES DE SANSUEÑA [CÓRDOBA] SÁBADO 26 KATHMANDÚ [MADRID] CON MIGUEL A. SUTIL [ENLACEFUNK]

JULIO 2010

VIERNES 16 Y
SÁBADO 17 CLUB TXOLA [LA LAGUNA, TENERIFE] CON SR. LOBEZNO [AFRODISIA CLUB] VIERNES 23 AFRODISIA CLUB [GRANADA] SÁBADO 24 BOOGACLUB [GRANADA]
Y TODOS LOS JUEVES EN AFRODISIA CLUB [GRANADA]

Imagen_ Ninfas y sátiro de William-Adolphe Bouguereau (1873)

2009-04-16T13:38:00.018+02:00

Trouble Funk en 1983

TROUBLE FUNK
La expansión del Go-Go

Por Miguel Gómez Losada

Originalmente publicado en la edición en papel de la revista Enlacefunk Nº30

En 1989 solíamos ir a Rota a bailar Funk. Desde Córdoba suponía cruzar toda Andalucía, pero no nos importaba. Mi novia de entonces y yo cogíamos un autobús a las 22h que tardaba cuatro horas en llegar; ocupábamos nuestros asientos y suspendíamos la mirada a la vez en el paisaje. En mi fantasía: los pueblos encendían su alumbrado como estrellas que se desvelan en el horizonte, esperando a que oscureciese del todo para ascender y brillar una vez más.

Llegamos a la discoteca, había cola para entrar. La expectación era increíble, el medio tiempo Funk filtrado por la puerta del local sonaba en toda la calle como el corazón de King Kong. Nada más entrar vi algo que no olvidaré en mi vida: una marea humana moviéndose ralentizada, y delante mía una pareja refregándose: el chico –negro- rebotaba su miembro contra el culo en pompa de la chica –rubia-, a la vez que aquietaba el aire con los brazos simulando una especie de danza nupcial o cópula a ritmo de Funk. Todo el mundo bailaba igual y la discoteca entera parecía un solo cuerpo buscándose el orgasmo. Sonaba Da Butt, de Experienced Unlimited, más conocidos como E.U.
Cuando regresamos el domingo a Córdoba –donde sólo sonaban The Smith, The Cure etc,- parecío que el sábado en Rota fue un sueño, un sueño Go-Go Beat. Investigué sobre aquel sonido cargado de percusiones y supe que el tema que escuché en la discoteca estaba incluido en la banda sonora de School Daze, la película de Spike Lee. Seguí tirando del hilo y descubrí enseguida a Trouble Funk, la gran banda de Go-Go después de Chuck Brown and The Soul Searchers. Pinché los rototom y timbales del tema I´m Chillin´de Kurtis Blow (1986), le di la vuelta a la portada del disco y lei que toda aquella percusión se debía a Trouble Funk; de ahí a Pump me up (1985) de Grandmaster Melle Mel & The Furious Five, versión casi idéntica de la original de Trouble Funk. Revisé mis discos buscando rastros Go-Go, encontré otra muestra de Pump me up en el break inicial de If I ruled the world (1985) de Kurtis Blow, y del mismo rapero Party Time (1983), con una colaboración magistral de la banda Experienced Unlimited, E.U. Escuchando la voz de su líder Sugar Bear –parecida a la del líder de Cameo, Larry Blackmon- recordé el hit de Salt-N-Pepa feat. E.U: Shake your thang (1988), preñadísimo también de Go-Go swing; y para mi sorpresa había Go-Go hasta en un recopilatorio del sello de rap, Def Jam, que incluía un grupo nacido en los barrios negros de Washington D.C. The Junkyard Band, que comenzaron siendo niños, tocando la percusión con bidones encontrados en la calle.

Estaba claro, el sonido de la capital de los Estados Unidos llamado Go-Go, quedaba en medio de un triángulo: el rap, los tambores llamada/respuesta africanos y las jam de la Mothership. El resultado es funk testiculado donde no caben sentimentalismos. El Go-Go excita, embriaga la mente y dilata los genitales: es el sonido de la lujuria.

T-Bone, percusionista de Trouble Funk, en 1986

Drop the bomb fue el primer álbum de Trouble Funk, grabado en 1982 para el sello Sugarhill, sin embargo el grupo ya contaba desde 1978 con una numerosa lista de singles, a cual más rotundo. Quiero destacar entre ellos el pepinazo funk Get down with your get down, que suena a So ruff, so tuff, de Roger Troutman pero más lento y socarrón, con un bajo gomoso en primer plano que hace variaciones del rebote durante más de ocho minutos. El teclado futurista parece sonar bajo agua imprimiéndole ese misterio Nautilus, y los coros impulsivos acentúan el carácter machote del tema. La producción no puede considerarse todavía ElectroGo-Go, la caja de la batería suena orgánica y en la sección rítmica se aprecia una reminiscencia del funk de los 70 al escuchar el diálogo entre el clavinet y la guitarra. En esta línea ProtoGo-Go están Supergrit, Roll with it, Holly Rock y el segundo pepino de esta primera etapa, el megafunk E Flat Boogie (1980), que en el 12 pulgadas original regala una versión instrumental que supera los ocho minutos, llena de testosterona a la par que elegancia. Casi acabando el tema callan las voces, los vientos y el bajo para dejar a solas un break de batería, congas y rototom digno de enciclopedia.

Registro a la entrada de un concierto de Chuck Brown

DROP THE BOMB (Sugarhill Records – 1982) Álbum imprescindible de Go-Go, un clásico del funk, contiene seis temas y tres de ellos fueron hits. Hey Fellas, Drop the bomb y Pump me up, sin dejar atrás en contundencia a Get on up y Let´s get hot. Contiene una balada que no guarda relación con el album: el líder y vocalista principal Tony Fisher (Big Tony) es como el Camarón del funk, su voz truena, tiene pellizco, es como un Isaac Hayes ronco o un Barry White enfadado, y en la balada parece no saber qué hacer. Aún así, Don´t try me use me es una lenta que se deja escuchar muy bien, sólo los coros en la tradición soul de Main Ingredients ya validan el tema. Este disco podría colindar con Greatest Messages (Sugarhill Records - 1983) de Grandmaster Flash & The Furious Five, el otro gran acierto de la hechicera Sylvia Robinson.

Trouble Funk - In time of Trouble - Lp 1983

En 1983 grabaron en el sello de la casa D.E.T.T. -iniciales de Dyke, Edwards, Taylor y Tony, miembros de Trouble Funk- su segundo álbum, un doble elepé que contiene temas grabados en estudio como Spin time, lleno de vocoder y sintetizadores oscilantes y Say what, con apoyo en los vientos de otra gran banda Go-Go: Hot, Cold Sweat; y una jam en directo –alucinante- en el otro disco: Trouble Funk Saturday Night Live From Washington D.C. Part l y ll, con 15 narcóticos minutos de Go-Go Beat por cada cara, llenos de riff de vientos a lo Mothership y pitidos sintetizados que se desinflan. La jam incluye dos de sus grandes himnos: Drop the bomb y Let´s get small. La portada es idea del productor Maxx Kidd, en ella aparecen cinco de sus miembros vestidos de soldados con uniformes de distintas épocas: indígena enmascarado con piel de leopardo, gladiador romano, soldado africano postcolonial, napoleónico y de la segunda guerra mundial, dando a entender que el ser humano lleva creándose problemas desde la prehistoria. En el interior del disco una foto imponente donde aparecen los nueve miembros de Trouble Funk vestidos de smoking, en la tradición del disco Mr.Mean (1978) de Ohio Players. Mirándoles, uno siente cultura del barrio y elegancia a la vez.

GOOD TO GO (B.S.O. –Island Records1986)
http://www.dailymotion.com/video/x4lnr2_trouble-funkgood-to-go_music
Trailer que incluye actuación de Trouble Funk.

En 1986 apareció Good to go, una película cinematográficamente prescindible y heredera del Blaxploitation, con Art Garfunkel y Harris Yulin como actores principales, que tenía una banda sonora de culto: el disco reúne un puñado de diamantes negros Go-Go con lucimiento de Trouble Funk y el nido discográfico D.E.T.T.

Cara A

Trouble Funk – Good to go
Hot, Cold Sweat – Meet me at the Go-Go
Trouble Funk – Still smoking
Sly Dunbar & Robbie Shakespeare – Make em´ move
E.U. – E.U. Freeze
Wally Badarou – Keys

Cara B

Chuck Brown & The Soul Searchers – We need money
Donald Banks – Status Quo
Trouble Funk – Drop the bomb
Ini Kamoze – Riot zone (call the police)
Trouble Funk – I like it
Redd and the Boys – Movin´ and grovin´
Trouble Funk – Good to go (reprise)

Además del trallazo We need money del padrino Go-Go y los indiscutibles pepinazos de Trouble Funk, hay que destacar algunos momentos brillantes de las otras bandas, cuando por ejemplo ilumina Hot, Cold Sweat con su sección de vientos prodigiosa, a la altura de los Brecker Brothers para Parliament; o cuando E.U. juega al final de E.U. Freeze –grabada previamente en 1980 con el sello Vermarck Records de Washington- con los acordes del clásico Before I let you go, de Maze. Especial atención a Donald Banks en Status Quo, que en el maxisingle tiene una remezcla gordísima, con un bajo sintetizado que excita algo más que el oído. Good to go fue decisiva para la difusión mundial del Go-Go, por su banda sonora y porque incluía actuaciones en directo de Trouble Funk, pudiéndose escuchar en radios, ver en cines y televisiones de todo el mundo. Desde 1986 el Go-Go traspasó los límites de Washinton DC* para convertirse en una música universal.

*En 1986 Trouble Funk tocaron en el Palacio de los Deportes de Madrid.

12" Trouble Funk - Trouble

Después de Good to go, Trouble Funk graba un último elepé en 1987, Trouble Over Here, Trouble Over There destacando únicamente por el hit Trouble, en el que produce y canta Bootsy Collins. El álbum también incluye Woman of principle, sonando en las discotecas aquel año –recuerdo con nostalgia escucharlo en Granada, en el cine transformado en discoteca Granada 10 -, pero el tema se alejaba de la raíz Go-Go para acercarse al funk aburguesado de 1987. Kurtis Blow les devuelve la visita en los temas Break it up y Hey Tee Bone, pero el tema Trouble sigue siendo la cima del álbum. El grupo no volvería a grabar nada que no hubiesen dicho ya; queda eso sí, la fuerza arrolladora de sus directos, capitaneados por Tony Fisher “Big Tony”, bajista y voz principal de Trouble Funk. Le acompañan:

Robert “Dyke” Reed – Teclados, guitarra, voz principal y coros (fallecido el pasado 13 de abril por un cáncer de páncreas, tenía sólo 50 años)
James Avery – Teclados, voz principal y coros
Taylor Reed – Trompeta, voz principal y coros
Timothy “T Bone” David – Percusión y coros
MacCarey – Batería y percusión
Alonzo Robinson – Percusión y coros
Dave Rudd – Saxo alto y tenor, coros
Dean Harris – Trompeta y coros
Chester Davis – Guitarra

Quisiera permitirme sugerir mis diez temas Go-Go favoritos de todos los tiempos, así como un vídeo grabado en 2005 que ilustra de manera rotunda en qué consiste el Go-Go Beat; Smoke From North East Groovers Band Smackin the Skinz @ Their Reunion in 2005 , en el que aparece un percusionista, un prodigio llamado “Smoke” http://es.youtube.com/watch?v=kMA0UIg2Oi0

Y los 10 pepinos Go-Go

- Chuck Brown & The Soul Searchers – Back it on up -12”- (1982) Featherbed Records
- Trouble Funk - Get Down With Your Get Down – Live & Early singles - (1981) 2.13.61Records
- Trouble Funk – E Flat Boogie – Live & Early singles - (1980) 2.13.61Records
- E.U. – E.U. Freeze – Good to Go B.S.O. – (1986) Island Records
- Shady Groove – On The Move (Live – 1985) London Records Limited
- Donald Banks – Status Quo -12” remix 6:36” – (1985) 4th&Brodway Records
- Hot, Cold Sweat – Meet me at the Go-Go - Good to Go B.S.O. – (1986) Island Records
- Kurtis Blow feat. E.U. – Party Time 12” Club Mix (1983) – Mercury Records
- Redd and the Boys – Movin´ and Groovin´ - Good to Go B.S.O. – (1986) Island Records
- Petwork – Special Dedication (Live – 1985) London Records Limited

En la calle, Washington D.C.

Se puede decir que el funk de los 70 sufrió un declive desde 1982 por la llegada de las nuevas tecnologías (ver Informe Cameo, EnlaceFunk Nº28), que los grupos míticos redujeron sus formaciones sustituyendo sección de vientos y cuerdas por los sintetizadores, volviéndose la cultura afroamericana muy sofisticada, llena de producciones impecables y cristalinas, y que sólo el rap mantuvo vivo el espíritu del guetto. Es justo decir que también el Go-Go cogió el relevo del Funk de los 70, conservando intacta la raíz negroamericana durante los 80. Rap y Go-Go crecieron juntos, enlazándose y conformando a la vez el HipHop. El alma del Go-Go Beat estaba en sus directos, -naciendo como el rap en las block-parties, aunque las percusiones perdían veracidad al intentar usarlas como loops en vinilo para rapear encima; había que tocarlas-. El Go-Go es sobretodo una vivencia a tiempo real: aquellas perfomances de música significaban el delirio, la experiencia sin límite de los conciertos, con bandas de diez miembros derramando hormonas y sudor sobre el público. Sirva como dato que en la corta discografía de Trouble Funk publicaron tres directos: Trouble Funk – Live, Doble LP - TF Records (1981), y el segundo disco del doble álbum In time of trouble (1983) mencionado antes, también publicado con el nombre Saturday Night Live From Washington D.C – Doble LP - Island Records (1983).

Petwork en 1985

El funk hecho a mano por bandas recién nacidas estaba vivo, el volcán negro eyaculaba desde Washington expulsando lava -entre 1980 y 1986-, con seísmos rítmicos hasta nuestros días, evidenciando la buena salud de la cultura afroamericana, esa gran nación, hoy sin color ni mapa, porque sólo existe en el corazón.

Dedico este artículo a PPGU (Falconetti) e Isidro (Sr. Lobezno) del Club Afrodisia en Granada.

MTUME

2009-01-22T00:15:00.009+01:00

MTUME (em-too-may)
De Miles Davis al electrosoul

por Miguel Gómez Losada
Originalmente publicado en la edición en papel de la revista Enlacefunk Nº29

En el álbum Get Up With It (1974) de Miles Davis aparece una composición que se llama Mtume, se refiere al nombre de su percusionista. Miles Davis innova constantemente y los puristas del jazz sufren su pérdida. A su vez, Miles es demasiado complejo para el mundo del rock. Ningún estilo musical le acoge pero todo el mundo le respeta. Desde su lp Bitches Brew (1969) la fusión jazz/rock incendió a Chick Corea, John McLaughlin o Joe Zawinul; la mescolanza de estilos fue imparable, el jazz se preñó de funk, rock, africanismos e hinduismos, sonando progresivo e hipnótico, con temas que superaban con facilidad los veinte minutos de duración. En sus conciertos le acompañan entre otros Michael Henderson, Al Foster, Dave Liebman, Gary Bartz, Keith Jarret, Reggie Lucas y Mtume. Miles Davis aparece en el escenario, se desliza entre los amplificadores y sortea cables hasta situarse en el núcleo de su universo. Balbucea la sordina, frasea corto y calla. Su cabeza gira bruscamente alertado por alguna señal del cielo, o bien toca encorvado indicando con la trompeta el epicentro de la tierra. Mtume está a su izquierda, es el músico de personalidad más africana. En la grabación del tema Ife del álbum Big Fun se le ve tocar las congas poseído, y la escena recuerda un ritual vudú. Está rodeado de instrumentos de percusión ancestrales, rompe el silencio sin avisar como un santero convulso; su estilo propicia la lluvia, huele a baobab y a cementerio de elefantes. Mtume tiene ojeras de nacimiento y abre los ojos del todo sin parpadear. En el fondo tiene la mirada sola. Detrás de ese gesto ausente se intuye tristeza, quizá por una nostalgia innata de África.

James Foreman "Mtume" nació en Philadelphia, Pennsylvania. Su padre fue el saxofonista Jimmy Heath, que junto a sus hermanos formaron los Heath Brothers. Mtume estudió percusión y guitarra, apareciendo fugazmente en los créditos de Freddie Hubbard, Herbie Hancock o Sonny Rollins, hasta recalar como percusionista de Miles Davis entre 1971 y 1975. Hay controversia sobre su primer álbum en solitario. Unas fuentes aseguran que es Kawaida, grabado en 1969 y publicado en 1974; otras plantean que este disco pertenece a su tío Albert Heath, y también se le atribuye a Herbie Hancock. En cualquier caso, el primer disco acreditado de Mtume es con su grupo Mtume Umoja Ensemble: Alkebu-Lan - Land of the Blacks, (Strata East) doble álbum grabado en directo el 29 de agosto de 1971, en The East, New York. El arte de la portada es un dibujo en blanco y negro con simbología egipcia y subsahariana. Es jazz espiritual con momentos estelares de afro/jazz/funk, que van del misterio y la hipnosis rítmica hasta el delirio. Es un disco con raíz y evoca el paraíso africano antes de la esclavitud.

A final de los años 60 y principios de los 70 hubo una tendencia muy acusada en la comunidad afroamericana a reivindicar lo étnico, como se puede ver en la proclama africanista del álbum Bitches Brew de Miles Davis y en las portadas de Santana y Osibisa, realizadas por el pintor Abdul Mati Klarwein. La necesidad del jardín negro se extiende por las -cover art- de jazz, como en el disco Sextant de Herbie Hancock -recreando la danza de la lluvia-, o el que nos ocupa de Mtume -con un árbol en la solapa interior del álbum-.

Entre los músicos de Mtume Umoja Ensemble está el baterista Leon "Ndugu" Chancler (músico fetiche de George Duke), Buster Williams al bajo, Gary Bartz al saxo, y en las voces Andy Bey. Es un álbum que podría situarse entre Thembi (1970) de Pharoah Sanders; Harlem Bush Music - Taifa (1970) de Gary Bartz y su proyecto Ntu Troop; y Asante (1970) de McCoy Tyner. Curiosamente en este último álbum participan Mtume a las congas y Gary Bartz con los saxos alto y soprano, garantizando sin querer el intercambio de influencias. La comunidad negroamericana busca su identidad, y lo hace lógicamente mirando a África: Black Unity. Recuerdo esta misma actitud en los pintores prerrafaelitas, Rosseti o Millais por ejemplo, que regresaban a la pintura anterior a Rafael para encontrar la verdad pictórica; o en el romántico Friedrich, que con nostalgia de un paraíso perdido incluía arquitectura gótica en sus cuadros.

En febrero de 1974 Mtume graba su segundo álbum: Rebirth Cycle, publicándose en 1977. Es un disco que suena también afrojazz y psychedelic spacey funk, incluyendo un pasaje primitivo (Body Sounds) en el que los músicos tocan la percusión golpeando su propio cuerpo. El álbum es la continuación lógica del anterior. En los créditos aparecen personajes de la escena jazz independiente, como Buster Williams y Al Foster; y por primera vez sus leales Reggie Lucas -guitarrista de Miles Davis- y Tawata Agee -la más emocionante vocalista de los 80 junto a Alisa Peoples, de Yarbrough & Peoples-. La portada del disco es de nuevo en blanco y negro: las pirámides de Giza aparecen diluidas por la lejanía bajo un cielo que augura un nuevo esplendor faraónico. Con estos dos discos acaba Mtume su etapa jazz, regalando magníficas colaboraciones a otros artistas; sirva como ejemplo el álbum Horn Culture (1973) de Sony Rollins.

A partir de este momento Mtume inicia su singladura funk, que comenzará con el álbum Kiss This World Goodbye (1978). La portada ya es en color y los dibujos guardan un eco aborigen, pero el misterio de sus álbumes anteriores ya no está. Él sonríe e incluso bromea sacando la lengua. El disco recuerda al Parliament/Funkadelic anterior a Flashlight en sus temas más funkrock, y cobra personalidad en las canciones de amor, como la pasional The Closer I Get To You, que popularizaría Roberta Flack & Donny Hathaway; el rare groove contemplativo Love Lock y las románticas This Is Your World y Closer To The End, donde Tawata Agee parece izar con su voz una bandera de esperanza sobre un skyline nublado. James Mtume y Reggie Lucas se han unido en este disco formando Mtume/Lucas Productions; haciendo para Stephanie Mills su elepé Sweet Sensation (1980), con el hit Never Knew Love Like This Before; y publicando a la vez el siguiente disco de Mtume: In Search Of The Rainbow Seekers (1980), un disco demasiado amable que gana firmeza en los temas Spirit Of The Dance, Anticipatin´ y en la sentimental Everything Good To Me.

Desde 1977 a 1982 la trayectoria de Mtume pierde la pureza de sus dos primeros álbumes, haciendo concesiones a la comercialidad, o simplemente desvaneciéndose en el panorama negroamericano. Mtume parece más preocupado por agradar que por intentar compartir su propia mirada del mundo. Éste es el cáncer del arte, muchos artistas no resisten la soledad ni la incomprensión, evitando el riesgo en sus planteamientos y limando las aristas de singularidad para gustar a un público amplio. En 1982 todo parecía perdido, Mtume/Lucas Productions disparan todavía alguna canción, como It´s The Real Thing, para el grupo de Liverpool The Real Thing, sonando funk acuoso y sin gancho. Desconozco qué le ocurrío a Mtume y a su productora en la antesala de 1983, quizá sólo fue el reajuste lógico de la música negra al acabar la década prodigiosa 1972-1982, cuando surgieron las nuevas tecnologías y el hijo pequeño del funk -llamado rap- se hizo fuerte (ver Informe Cameo, Enlace Funk Nº28). El caso es que tras ese desmayo, Reggie Lucas resurgió en 1983 de sus cenizas como un ave fénix, produciendo el primer álbum de Madonna, y aun habiendo sido suavizado por su novio y productor John "Jellybean" Benitez, el disco sonaba muy negro, tanto que al escucharlo por la radio la gente pensó que Madonna era negra. Ese mismo año, Mtume lanza al mundo el álbum Juicy Fruit. Un pepino de disco. Después de escurrirse en sus dos álbumes anteriores, Mtume depura su condición percusiva para este elepé convirtiéndolo en una escultura: tiene la fortaleza pétrea de una cariátide. El tema Juicy Fruit es un break de congas convertido en electrosoul. La batería hace un dibujo escalonado desde el bombo a la caja, propio de un percusionista como Mtume. La voz fecunda de Tawata, el susurro masculino "Juicee" a modo de coro, los sintetizadores ambientales, las sílabas de guitarra -que hablan y callan justo después- y el rebote limpio del bajo, elevan esta canción a categoría de arte. Los grandes músicos saben gestionar los silencios, igual que los grandes pintores saben gestionar las zonas vacías del cuadro en beneficio de la emoción. Esto es sabiduría poética. La canción fue Nº1 en las listas Billboard's Black de singles, y escuchada hoy conserva toda su actualidad. El disco es de los mejores de su año. Suena austero, y esa economía compositiva lo convierte en un álbum maduro. Me gusta pensar que esta eliminación de lo superfluo es influencia de Miles Davis, que fraseaba corto con la trompeta sabiendo callar. Juicy Fruit se ajusta a la sentencia "menos es más". Tiene actitud y militancia: palabras frecuentes de Mario El Sr. Rojo, que traduce Miguel A. Sutil golpeándose el pecho con el puño a modo de mímica del corazón.

Si Mtume puso el listón alto con Juicy Fruit, todavía lo elevaría aún más con su siguiente album, la obra de arte You, Me And He (Epic 1984). Es el canto del cisne de Mtume, emitiendo la voz más dulce y melodiosa como premonición de su propio declive. Es el mejor disco de soulfunk de 1984 y mi favorito del grupo. Es un álbum completo; como Juicy Fruit pero con mejores melodías y planteamientos funkies; igual de cincelado pero mucho más jugoso y sentimental en su instrumentación. C.O.D. (I´ll Deliver) abre la cara A del disco con una batería idéntica a The Message, de Grandmaster Flash, pero en vez de rap social hace el amor. Es una canción-nido hecha para que Tawata agite sus alas y levante el vuelo hacia You Are My Sunshine, haciendo bellísimos dibujos con la voz por el firmamento You, Me and He. En la cara B hay una variación del tema: Sweet For You And Me, que en el 12" se apellida Polgamy Mix, ofreciéndonos con el saxo un paisaje de evocación africanista -ahora de asfalto- que convierte este tema, junto a Hangin´ Downtown de Cameo, en la mejor canción soulfunk de los 80. Prime Time es elegante y atmosférica, para escucharla de viaje con las ventanillas bajadas mientras el horizonte se sucede a sí mismo hasta anochecer. La quiero compartir con mi cómplice Pedro García -a modo de brindis-, para que encontremos algún día dos copias de Third Rail, Reachin´ For It (1982) y podamos hacerlas sonar en todas las fiestas como si fuésemos portadores de sueños. Volviendo a Mtume, en el lp que nos ocupa aún quedan dos diamantes: I Simply Like (para ti DJ Uve), que es el tema funk de medio tiempo que faltaría en Purple Rain de Prince; y Tie Me Up, otra socarronería funk con intro -unas llaves de coche, pasos, diálogo, una puerta de discoteca, el bombo clap sordo y filtrado por las cortinas de la entrada, jaleo, volumen, baile, roce de cuerpos, sudor y voluptuosidad-. Atraido por la líbido de este tema hizo Bootsy una versión muy buena: Wind Me Up, en su lp Fresh Outta 'P' University (1998). La portada de You, Me And He tiene pretensiones aristocráticas: una estancia palaciega acoge a Tawata -sentada al piano mirando a Mtume- mientras él posa con actitud inexpresiva. Esta escena recuerda el esplendor zarista justo antes de la revolución rusa: algo está a punto de perderse para siempre.
Mtume -el percusionista de Miles- ha dejado su testamento creativo, no sin antes haber compuesto dos magníficos temas para el álbum debut de Levert, Bloodline (1986): Fascination y I Start You Up, You Turn Me On. A la vez sacó su siguiente disco Theater Of My Mind (1986), del que se salva el megafunk New Face Deli. Luego vino la banda sonora Native Son también en 1986, totalmente prescindible como álbum; la emancipación de Tawatha con su disco en solitario -quizá demasiado tarde-; y ya en 1989 produjo para Bar-Kays su elepé Animal. En los 90 compuso más música para series policiacas de televisión: Cop Drama y New York Undercover, y desde 1994 hasta hoy se le puede escuchar como presentador estrella en la WRKS Radio de Nueva York.

Dedico este artículo a mis padres, que me enseñaron el lenguaje de los árboles; a mis incombustibles Salah y DavidDJ de The Black Evolution; a Rafa Sillero; y a todos los artistas y soñadores -necesarios como Mtume-; que aunque tengan la mirada sola porque delante de los pioneros no hay nadie, continúan iluminando el mundo como si vivieran en el jardín de la inocencia.

CAMEO

2008-07-20T19:46:00.003+02:00

Larry Blackmon en 1985

Informe CAMEO
Voltaje FUNK
por Miguel Gómez Losada

Originalmente publicado en la edición en papel de la revista Enlacefunk Nº28

A comienzos de los 70 mi padre iba mucho a Barcelona. Según me cuenta, "antes de volver para Córdoba siempre me escapaba a El Corte Inglés para comprar algunos discos de Soul". Ya en casa, mi madre los ponía en nuestro tocadiscos Dual Bettor: King Curtis, Billy Preston, recopilatorios de Stax como Memphis Soul Story; pero también jazz orquestal de Enoch Light; y quiero pensar que determinadas frecuencias en el oído de un niño son capaces de determinar su destino musical para siempre. Años después mi hermano Marcial compró una pletina, grabando de la radio el Funk de la época. Cuando él estaba en el trabajo yo pedía permiso a mi madre para entrar en su cuarto y poner sus cintas. Me sentaba en la mecedora y le daba a play. Aquellas cintas -Basf de cromo-, sonarían después en el coche de mi padre. Recuerdo en vacaciones la entrada a Torremolinos: curvas suaves alineadas con la playa, el sol, All I Do de Stevie Wonder y Star de Earth, Wind & Fire. Hoy sé que el mar por la ventanilla del coche de mi padre y aquella música agradecida, era la felicidad.
Años después tuve una novia moderna con amigos modernos muy leídos, que escuchaban La Mode y Tino Casal. La movida madrileña era necesaria, pero surgió unidireccional. A Córdoba llegó un eco de todo aquello: en 1984 sólo había una forma de expresar cualquier vocación artística: ser maldito y vestir como The Cure. Aquel culto a la languidez no contemplaba, por ejemplo, la comedia de Cary Grant, y mucho menos la sonrisa incondicional de Stevie Wonder, al que disculpaban por ser ciego; pero no había ninguna excusa para la coreografía multicolor de Earth, Wind & Fire. Ante aquel ambiente de tiranía lúdica generalizada era mejor ir en solitario. En mi Instituto tenía otros amigos, sin vestimenta definida, gamberrillos y bromistas que daban culto a la risotada. Gente sana. Veraneaban en Rota, donde vivía su amigo Eusebio, un negro americanoandaluz que les grababa cintas de funk de 120 minutos. Ese invierno, el instituto organizó una excursión en autobús a Navacerrada, e hicimos un trato: ellos se llevaban las cintas y yo mi Contec Stereo. El funk me guiaba de nuevo: a través de la ventanilla el cielo nublado, montañas azuladas por la lejanía, Kurtis Blow/Mtume/Cherrelle/Alexander O´Neal/ y Cameo.

Cameo en 1982

1982, la desembocadura del FUNK

1972 - 1982 fue la década prodigiosa del funk. Temas como Superfly (1972) de Curtis Mayfield y Do I Do (1982) de Stevie Wonder podrían enmarcar tan fructífero periodo. En 1982 las grandes bandas expiraban, no sin haber incluido en su testamento funk un puñado de canciones tardías, por ejemplo: James Brown: Don´t Tell It (1976); Funkadelic: (Not Just) Knee Deep (1979); Sly & The Family Stone: It Takes All Kinds (1979); Bootsy Collins: So Nice You Name Him Twice (1982); Earth, Wind & Fire: You Are A Winner (1982); Kool & The Gang: Dancin´ Shoes (1978) -para agonizar después como banda bajo la producción de Deodato-; Commodores: Been Loving You (1981) -justo antes de que se emancipara Lionel Richie de sus filas-; y ocasos similares en las míticas bandas Pleasure, War, Graham Central Station, Ohio Players o Mandrill. Quincy Jones superaba sus impecables producciones para Brothers Johnson o Rufus & Chaka Khan con el lp Thriller de Michael Jackson, y Norman Whitfield firmaba dos grandes álbumes: Rainbow Connection (1979) y Golden Touch (1980) para Rose Royce, culminando una brillante carrera que comenzó en The Temptations, cruzando por Undisputed Truth, la BSO Car Wash o la propia banda Rose Royce. Jazzfunkers como Roy Ayers, George Duke o Herbie Hancock sobrevivían incluyendo en sus álbumes seductoras entregas de discofunk; y las grandes voces como Donny Hathaway -se tiró por la ventana desde el piso 15 del Hotel Essex House, NYC, en 1979-, Smokey Robinson, Marvin Gaye, Aretha Franklin, Bobby Womack o Stevie Wonder, habían perdido su grandeza. Las películas Saturday Night Fever (1977) y Thank´s God It´s Friday (1978) popularizaron a los Bee Gees y a Donna Summer en todo el mundo, y muchos grupos de funk -influenciados por la discofever- incluyeron entre 1977 y 1979 temas disco en sus álbumes para ganar audiencia. El funk tenía una extensión más comercial llamada disco, y aquella chulería rítmica resultado de tantos años de opresión -heredera del blues, el soul y el jazz- quedaba eclipsada por el glamour de las discotecas.

En el tramo de 1979 a 1982, el panorama funk era el siguiente: Por un lado estaban las bandas de largo recorrido como Isley Brothers y Bar-Kays, adaptando sus fórmulas rítmicas a los nuevos tiempos; veteranos soulmen y jazzfunkers refugiados bajo la fuerza del uno; los grupos nacidos en la segunda mitad de los 70, como Chic, Rufus & Chaka Khan, Brass Construction, Bootsy´s Rubber Band, Lakeside, Heatwave, Mass Production, General Caine o Rose Royce, por citar algunos -cuyo esplendor no rebasó 1982-; y Fatback, Slave, Rick James, Gap Band, Mtume, Maze, Prince o Cameo, que aunque aparecieron en los 70 crecieron con inmejorable salud en los 80. A su vez, los grupos de la nueva década: S.O.S Band, Zapp, The Time o Midnight Star, y de esta hornada, aquellos que con un solo disco entraron por la puerta grande en la historia del funk: Bernard Wright - Nard´ (1981), y Don Blackman - Don Blackman (1982). De forma paralela, el sello Sugarhill popularizó Rapper´s Delight (1979) -con percusión de Tito Puente introduciendo una revisión instrumental de Good Times de Chic- para Sugarhill Gang, que era la prueba de que en los barrios negros, el rap le había ganado la partida a la discofever. El relevo había llegado. Con dos copias del tema God Make Me Funky (Headhunters, 1975), o de Seven Minutes of Funk (Tyrone Thomas & Whole Darn Family, 1974) el DJ multiplicaba la entrada instrumental, que serviría de base para que los MC´s acoplaran sus rimas. Eran gente como Kool Herc, Grandmaster Flash, o Afrika Bambaataa: los hijos del funk. En 1980, una oleada de maxisingles propagó el nuevo pálpito de la calle, y el funk ya no volvió a ser el mismo. Entre 1980 y 1982, la música negra perdió su vertiente ornamental y ganó en contundencia, quizá por rechazo a los arreglos orquestales de la música disco, e influido a su vez por el groove extendido del bajo y la batería en los 12 pulgadas de rap. En esta línea de funk contundente apareció por ejemplo Funkin´ For Jamaica (Tom Browne, 1980), More Bounce to the Ounce (Zapp, 1980), Roller Skate ( Vaughan Mason and Crew, 1980) o Keep It Hot (Cameo, 1980). No sólo era normal que éxitos funk sirvieran de base a los rappers: Before I Let You Go (Maze, 1981) para When You're Standing On The Top (Super3, 1982), sino que músicos de siempre incluían ahora rimas en sus discos: Rapp Dirty (Blowfly, 1980), Lover´s Rap (Leon Haywood, 1980), The Dude (Quincy Jones, 1981) o Do I Do (Stevie Wonder, 1982). Definitivamente, el funk y el rap formalizaban una vieja relación, cerrando con esplendor una década irrepetible.

Dicen que Ronald Reagan no le sentó bien al funk, tampoco los nuevos sintetizadores Yamaha DX7 y Roland TR-808, y aunque estos factores influyeran en la decadencia del funk, también sirvieron de decantación para renovar la cultura afroamericana. En 1983 había comenzado otra etapa. En España conocíamos The Message de Grandmaster Flash - fue incluso revisitado para un anuncio de Licor del Polo-, los radiocassettes estéreo, el breakdance, el graffiti, y el barrio como epicentro cultural; pero este volcán no iluminó la movida madrileña, y la modernidad siguió la estela del punk rock británico. En 1984 el panorama negro en España era desolador, When Doves Cry de Prince perdía la batalla frente a Radio Futura o Kaka de Luxe, y el sonido de las grandes bandas de funk había quedado relegado a sintonía de radio para programas de sobremesa. Los que habíamos entrado en la adolescencia de la mano de Earth, Wind & Fire o Stevie Wonder, sentíamos una tremenda soledad. Por suerte, aquellas cintas con las novedades americanas que grababa Eusebio -el negro americanoandaluz- me abrieron una puerta: recuerdo tres canciones que me marcaron profundamente, AJ Scratch (Kurtis Blow, 1984), Sweet For You And Me (Mtume, 1984) y la que se convertiría en el himno de mi vida: She´s Strange (Cameo, 1984). Desde ese momento mi objetivo fue conseguir toda su discografía, fotos, artículos, y cualquier información sobre el grupo, en una época sin internet ni revistas españolas especializadas. Sólo la revista británica de funk Blues&Soul distribuyó aquí unos pocos números en 1986, extinguiéndose en nuestros kioskos por no venderse.

CAMEO - Sonido C-FUNK

Cameo en 1978

Se podría decir que Cameo fueron los herederos musicales de Parliament/Funkadelic, Ohio Players, Commodores y Earth, Wind & Fire. Cuando estas bandas cruzaban ya el ecuador de sus trayectorias, Cameo publicaría su primer álbum Cardiac Arrest (1977), demostrando un talante severo y una contundencia rítmica que definirían su instrumentación hasta el final. El P-Funk abanderaba el groove de la mano de Bootsy y Bernie Worrell, siendo su discografía una lección de funk hipnótico -aunque la genealogía rockera del grupo y la fantasía extraterrestre de George Clinton no diesen a penas cabida a las canciones de amor-. Ohio Players eran más ornamentales y melódicos, fusionando el streetfunk y las armonías vocales de tradición soul como ninguna otra banda. Commodores, muy rudos, eran la chulería funk de Motown, pero la figura de Lionel Richie comenzaría a eclipsar la banda, ahogándola por completo con sus baladas azucaradas.Y Earth, Wind & Fire, que significaban el funk policromado, la alegría rítmica y las melodías más soleadas. Cameo fueron el relevo. Tenían personalidad y recursos musicales para ser la nueva y más impetuosa banda de funk. Se posicionaron por su vehemencia y descaro instrumental, acompañado de la carismática voz -arrogante y nasal- de Larry Blackmon, en perfecto maridaje con los falsetes del background vocal. Pero así como Earth, Wind & Fire o Pleasure, Cameo demostraron ser una banda poliédrica, con capacidad para expresarse en distintos estados de ánimo: funk vehemente, P-Funk, latinfunk, funkrock, medio tiempo contemplativo, baladas de convalecencia amorosa, reggae, rock, disco, electrofunk y rap. En 1980 fueron precursores junto a Zapp del electrofunk, tomándole el relevo en 1984, convirtiéndose en la banda de funk más influyente hasta entrados los años 90. Los nuevos sintetizadores -referidos antes- de la era tecnológica de los 80, soplaron a favor de las bandas que sonaban ya con un carácter más percusivo, como Cameo, Fatback o Slave, no ayudando tanto a otras de condición más ornamental, como Earth, Wind & Fire, Ohio Players o Pleasure, que nutrían su árbol funk con una savia más jazzística.

Logotipo 1985 - 1987

CAMEO - Biografía

Larry Blackmon (24 Mayo 1956, Harlem, New York), batería, voz, compositor principal, productor y líder de Cameo. Había tocado la batería en Don't Turn Around (1970), el primer single de Black Yvory, aunque su primer grupo fue East Coast, iniciado junto a la prometedora Gwen Guthrie y el teclista Gregory Johnson, grabando en 1973 un álbum con el mismo nombre para el sello Encounter. El grupo evolucionó en 1974 hacia la siguiente formación, New York City Players, con estudiantes y amigos del Juilliard School -prestigioso conservatorio de música, danza e interpretación de Nueva York-. Justo antes de grabar su primer disco para el sello Chocolate City -división de Casablanca dedicada a artistas R&B-, cambiaron el nombre por guardar demasiada similitud con Ohio Players, llamándose desde entonces Cameo. En 1975 grabaron su primer single, el optimista Find my Way, escrito por Johnny Melfi, una entrega disco que incluirían en su álbum debut Cardiac Arrest (Agosto 1977) y en la banda sonora Thank´s God It´s Friday (1978), alcanzando por primera vez popularidad internacional. En el invierno de 1978 hicieron gira por Estados Unidos con Parliament, y ni la tentación discofever ni la cercanía del P-Funk variaron su timón funk. Hasta 1982 vendrían otros siete magníficos álbumes, indiscutibles, que consolidarían la identidad heavyfunk del grupo. En 1981, Larry Blackmon y Antony Lockett produjeron el único y rotundo disco de Mantra, banda protegida de Cameo, con un sonido similar al álbum Knights Of The Sound Table (1981), que incluía uno de los mejores temas compuestos jamás por Larry Blackmon, Boogie Just To Boogie, un medio tiempo -pisada de elefante- en la línea de Funk Funk, demoledor. Mantra se disolvió, aunque algunos de sus componentes florecieron: David Webber tocaría la trompeta en Knight Of The Sound Table, de Cameo; el batería Bobby Lovelace recaló desde 1982 en la banda Midnight Star, colaborando también en 1984 para The Whispers; y el vocalista principal Roger Harris sería el nexo con la siguiente banda apadrinada por Larry Blackmon, que ya aparecía como apoyo en los créditos del lp Alligator Woman: L.A. Connection (1982). Su álbum debut, con el mismo nombre, sonaba al lp Alligator Woman de Cameo, quizá más bailable que aquél pero sin perder un ápice de calidad, con una producción electrofunk -parecida a Atomic Dog (1982) de George Clinton- que anticiparía el estilo Cameo en sus siguientes álbumes. Larry Blackmon todavía guardaba energía ese año para enderezar a Charles Earland, muy conocido en los 60 como teclista y saxofonista de souljazz, produciéndole dos magníficos latigazos funk para su álbum Earland´s Jam (1982): The Only One y Earland´s Jam, abriendo cara A y cara B del disco, que vertebrarían un álbum imprescindible para cualquier coleccionista de Cameo. Así, el año 1982 significó el primer cénit para Larry Blackmon, -el segundo sería 1986-. Para su álbum Alligator Woman (Mayo 1982), Cameo redujo la banda de diez a cinco miembros, rentabilizando así shows y conciertos, tomando además la decisión de trasladar la banda de Nueva York a Atlanta, fundando su propio sello discográfico: Atlanta Artist, filial de Polygram Records. El sello estuvo activo entre 1983 y 1991, produciendo los álbumes de Cameo entre 1983 y 1988, los dos álbumes de Cashflow, 1986 y 1988, y el producido para Barbara Mitchell en 1986. Desde 1983, Cameo ascendería progresivamente, tensando el arco con el álbum Style (1983) y dando en la diana con She´s Strange (1984) y Single Life (1985), alcanzando como reyes del electrofunk su segundo esplendor y reconocimiento mundial en 1986, con el álbum Word Up.

Así, en la época dorada de Cameo 1977-1988, el grupo regaló a la humanidad trece álbumes soberbios:

1 - Cardiac Arrest (1977 - Chocolate City) sería el primero, abriendo el disco con el funk esculpido a cincel del tema Still Feel Good, donde las guitarras rítmicas acompañan con determinación todo el progreso instrumental de la canción, reforzando la caja con la handclap section en los tramos más bailables, sincopando fraseos cortos -casi disparos- con la sección de viento de los hermanos Leftenant, y el vocerío jaleoso y callejero del background vocal -por un momento aflamencado- que escolta la fonética testiculada de Tomi Jenkins y Larry Blackmon. Este sonido C-FUNK, con un bajo percusivo a la vez que melódico sobre el colchón de teclados ambientales de Gregory Johnson, sería una constante en los temas más funkies hasta 1982. Así suenan también en este álbum Post Mortem; y el medio tiempo con más flow del disco e himno C-FUNK: Funk Funk, que empieza con un teclado intermitente que evoca una nave espacial en espera, progresando con un bajo gutural que asusta. Rigor Mortis, escrita en 1976, es el otro himno Cameo Sound del disco, inevitable en cualquier sesión funk. Find My Way, de 1975, es la entrega más discofever de toda la trayectoria de la banda, con una felicidad Vacaciones en el Mar verdaderamente entrañable. El disco enseguida cobra seriedad al escuchar Good Times, otra vehemencia de funk embravecido, con un teclado serpenteante que imprime al disco una agradable locura. Cardiac Arrest contiene dos baladas que ofrecen amor a esta obra imprescindible: Stay By My Side, de 1976, y la vitalista Smile. La magnífica portada, con un escote en primer plano en el gusto brown skin de la época y a la manera de Action Speaks Louder Than Words (Chocolate Milk, 1975), confiere al disco en su calidad de objeto fetiche, una erótica del sudor realmente estimulante.

2 - We All Know Who We Are (1977 - Chocolate City) es la continuidad lógica del anterior, ganando madurez por tener una musicalidad más conseguida (más canciones, en la acepción melódica de la palabra). Quizá el título del disco subraya la identidad C-FUNK. Así, la balada de convalecencia amorosa Why Have I Lost You, sería la primera canción de amor importante del grupo, volviéndola incluso a grabar tres años más tarde. El disco incluye Stand Up, una entrega de funk áspero y chulo, donde el bombo y la caja con handclaps van cosiéndose a un tejido de voces exclamativas, teclados y bajos roncos. Stand Up es el momento más callejero del disco. La cara B abre con We All Know Who We Are, el tema más elegante, un medio tiempo contemplativo en la tradición de That's The Way Of The World (1974) de Earth, Wind & Fire, que años más tarde iluminaría a Lenny Kravitz en It Ain't Over 'Til It's Over (1991). La novedad del álbum podría ser It´s Serious, un desarrollo discofunk instrumental de 8 minutos que pudiera coger el relevo de Who Is He And What Is He To You (1974) de Creative Source. Para cerrar, otra composición a modo de sol que se esconde, It´s Over, con la mejor bassline del álbum, complementada con el maravilloso falsete afeminado de Wayne Cooper. En mi opinión, el falsete de Wayne Cooper y la melancolía que regala tiene tanta belleza como el de Philip Bailey, de Earth, Wind & Fire, pero como suele suceder en la Historia del Arte, si brilla una estrella, ya no hay cielo para las demás.

3 - Ugly Ego (1978 - Chocolate City) es su disco más funkrock, abriendo con I´ll Be With You en la línea de Funk Funk, continuando con el impetuoso Insane, que es el hit del álbum, y I Want You, el tema del lp con más plomaje testicular. Este triángulo de temas funkrock se agiliza con Ugly Ego, más bailable y soleado, templado con Anything You Wanna Do, un tema de funk geométrico dinamizado por un repiqueteo de percusiones que recuerdan una juerga flamenca. La intimidad viene con los temas Friend To Me y Give Love a Chance, cerrando el disco con la convalecencia amorosa Two Of Us, tres canciones de amor para quedarse con la vista perdida, siempre cortas de azúcar, como todas las de Cameo. Este disco no levanta la más mínima sospecha de intención comercial. Su portada negra le imprime misterio, despejado por el nuevo logotipo del grupo, brillante y orlado.

4 - Secret Omen (1979 - Chocolate City) suena más fluído. La fuerza contenida de sus álbumes anteriores, aquí es más ágil. El disco tiene tres temas discofunk de impecable factura, pero tan correctos que pierden el empuje C-Funk, son Macho, New York y Energy. La prueba es que cuando suena I Just Want To Be, otro tema rápido pero con la virulencia Cameo Sound, los anteriores resultan algo inocuos. Esto no quita mérito a los arreglos de viento, voces, bajo y batería, guitarras, teclados y percusión; que obligan sin duda a recomendar el disco. En este álbum revisitaron Find My Way, una versión progresiva sin sorpresas. Más de nueve minutos de puro sonido disco para la pista de baile. Es inevitable pensar que lo hicieron para exprimir el éxito que tuvo la canción cuando fue incluída en la B.S.O. Thank´s God It´s Friday, un año antes. Lo que hace que Secret Omen sea un álbum elogiable es The Rock y Sparkle. The Rock es un medio tiempo que podría servir para explicar en qué se diferencia el grupo de las demás bandas de funk. Solo con el dibujo que hace la sección de vientos, el Cameo Sound queda claro, y si a esto le sumamos la tormenta de timbales (anticipando los que sonarían un año más tarde en The Breaks, de Kurtis Blow) y la voz nasal de Larry Blackmon, el tema se convierte en uno de los mástiles del buque Cameo. El álbum aún nos tiene reservada la mejor sorpresa: Sparkle, una gran canción amorosa mellow mood capaz de dibujar con los teclados atmosféricos un horizonte lleno de promesas. La sombra alargada de Sparkle alcanza hasta las venideras: You´re A Winner (1983), Hangin´ Downtown (1984) y Don´t Be Lonely (1986).

5 - Cameosis (1980 - Chocolate City). Es su primera gran obra consumada, de los mejores discos de la escena negra aquel año. Es como si sus cuatro álbumes anteriores hubieran sido un entrenamiento. El disco comienza como la erupción de un volcán con el himno Cameosis. Lo primero que se oye es el dibujo electrizante y perfectamente sincronizado del bajo, la caja de la batería y los vientos a modo de metralleta, así como hicieran The Brides os Funkestein en Disco To Go; para explotar seguidamente con el primer bombo/bajo/sintetizador, que parece el resoplido post-orgásmico de un búfalo. El tema evoluciona lleno de flow: Por el canal izquierdo los timbales -ese sonido Tito Puente-, y por el derecho un cencerrillo lejano, evocando el Spanish Harlem. El background vocal pronuncia Cameosis, alargando la palabra por encima de la instrumentación, acentuada con los vientos y el chuleo de Larry Blackmon cuando dice: "beibi baba bebe!". El disco contiene dos de las mejores piezas funk de toda su discografía: One The One y Shake Your Pants, enriquecidas por los sonidos Moog, preparando el terreno para Feel Me, su siguiente álbum. Cameosis significa la despedida de los 70, incluso en la portada aparecen por última vez uniformados, en Cardiac Arrest iban de blanco y negro, ahora de blanco y celeste, pareciendo nueve san pedros en una escenografía celestial. El disco se torna amoroso con las estupendas Please You, I Care For You y la nueva versión -no sé cuál suena mejor de las dos- de Why Have I Lost You, grabada antes en su segundo elepé. La amable We´re Goin´ Out Tonight es el testamento de Wayne Cooper, voz principal del tema, y cuando en el estribillo canta "I´m in heaven" -estoy en el cielo (en la gloria)-, uno se llena de ternura, sabiendo que moriría de sida en 1984.

2008-07-20T19:00:00.005+02:00

6 - Feel Me (1980 - Chocolate City). No queda del todo claro por qué Wayne Cooper fue sustituído por Stephen Moore justo después de la promoción de Cameosis, si fue decisión propia por el debilitamiento físico o por algún tipo de antipatía hacia su homosexualidad. El caso es que fue el músico que con su ternura enriqueció al grupo con una nueva forma de masculinidad, y ya no estaba en sus filas. Su ausencia en los discos venideros provoca tristeza, aunque lo justo es escuchar su legado con el mismo amor que él cantaba. La locomotora Cameo no hacía paradas. Feel me es el primer disco del grupo realmente ochentero. Tiene un funk de medio tiempo contenido lleno de bounce, sin prisas, con un rebote groove que iguala en contundencia Your Loves Take Me Out y Keep it Hot con More Bounce To The Ounce (1980) de Zapp. En el argumento electro de Zapp&Roger destaca el vocoder y la batería, que estalla en matices con cada golpe de caja, y aunque este uso de la batería también definiese a Cameo, éste tiene un concepto geométrico de la música más profundo, quizá por la vocación percusiva de Larry Blackmon como baterista, enfatizando el electrofunk con una batería sin adornos, recortada, sin miedo al vacío, para llenar esos silencios con el jugo de las guitarras eléctricas, los vibrantes Prophet y las ondulaciones marcianas del Moog, teclados de la misma naturaleza que la voz gutural -casi robótica- de Mister L.B.. Sirva como anécdota que en Keep It Hot se escucha por primera vez la onomatopeya nasal de Larry Blackmon AAOW!, como un tarzán afro, que más tarde sería el eslogan sonoro del grupo. Si Feel Me hubiera estado amparado por George Clinton y Bootsy -al igual que el primero de Zapp-, su repercusión mediática hubiese sido mayor. Roller Skates es un delicioso fanfarroneo, invitando a bailar break con el rebote sincopado de los handclaps y la caja. Es el tema más orgulloso y presumido del disco, con un fraseo hablado/cantado que podría considerarse el primer rap de su discografía. Throw Is Down es la evolución del tema Cameosis. Is This The Way el más social, escrita como todas las del disco por Larry Blackmon y Anthony Lockett, a modo de carta, más cercana que cualquier discurso político, y su melodía optimista invita a la esperanza. Better Days es un canto de añoranza. Me gusta pensar que por Wayne Cooper. La letra dice "Tell me why to say goodbay" aludiendo todo el rato a los viejos tiempos, con la triste certeza de que las cosas no volverán a ser igual. Feel Me, maravillosa, es la continuación de We All Know Who We Are. Aunque grabados el mismo año, Cameosis suena a 70 y Feel Me a 80. Los dos discos son muy distintos entre sí, pero igual de buenos. La sección de vientos ha tocado techo, ya es la sección de vientos propia de Cameo, con personalidad, tanto como la de Tower of Power, Kool & The Gang (1969-1976) o JB´s; y sobretodo, Feel Me es un disco pionero de electrofunk. Feel Me y Zapp I serían el Braque y Picasso del funk.

7 - Knights Of The Sound Table (1981 - Chocolate City) es el disco para iniciarse con Cameo. Es como un lago donde confluyen los ríos Cameosis y Feel Me, con un carácter conservador de todos los hallazgos musicales desde su nacimiento como banda -a modo de remanso-, pero con aguas bravas como The Sound Table, un calambrazo instrumental latinfunk, quizá el momento más jazzístico de la banda, con onomatopeyas vocales paiu, paiu que avisan al solo de trompeta, y ésta al trombón, en sincronía matemática con la guitarra, recalando luego en la elegancia azul del Fendher Rhodes. El tema cierra como empezó, con estructura jazz, tropezando magistralmente batería/ timbales/guitarra rítmica y vientos como una estampida de elefantes asustados. The Sound Table significaría el parto latinfunk gestado en el tema Cameosis. Curiosamente, Larry Blackmon no subraya en este disco el talante electrofunk de Feel Me, como sí haría Roger Troutman después de Zapp I (1980) con Many faces Of Roger (1981), para seguir con Zapp II (1982), Zapp III (1983), y su último tema esplendoroso It Doesn´t Really Matter (1985), convirtiéndose en los emperadores electrofunk hasta que Cameo cogiese de nuevo el relevo. Knights By Knights empieza con un guiño triunfalista y arturesco a Los caballeros de la mesa redonda, para desencadenar seguidamente un funk trepidante, con voces que ladran en cada bombo, excitadas por la sección de vientos huracanados. Freaky Dancin´ sí es electrofunk, anterior a Dance Floor de Zapp, con bajos sintetizados que mugen y claps que son auténticas bofetadas. Es un tema imprescindible, así como Don´t Be So Cool, que también se sucede con ritmos cortados, guitarras fuzzy y verborreas habladas que nos recuerdan el streetfunk del que Cameo es capaz. I Like It es borde, el bajo suena pendenciero y es el tema menos amable. Use It Or Lose It prolonga el optimismo de We´re Goin´ Out Tonight, y el amor suena con I Never Knew y I´ll Always Stay.
Cameo ocupa un lugar de honor en ese cielo afroamericano, no sólo por su personalidad funk, también por sus muchísimas baladas magistrales, que jamás rozaron los estribillos fáciles o ñoños, como le pudiera haber pasado a Slave, o Tower of Power, por ejemplo, no siendo hábiles para unificar el amor y el coraje funk en la identidad de sus bandas. Cameo, en este sentido, fueron los mejores. El recopilatorio de Cameo, The Ballads Collection da muestra de ello.

8 - Alligator Woman (Chocolate City - 1982) arranca rabioso y eléctrico con Be Yourself* ilustrado con un riff de guitarra que tomaría prestado tres años después Prince para su éxito Kiss. Continúa el segundo corte con Soul Army, un magnífico ejercicio Cameo sound lleno de AAOWs, testiculado, militar y machote, con coros de tropa que acata al unísono -¡Sí Señor! las proclamas del sargento Blackmon. Flirt*, descomunal, repleta de sintetizadores Prophets y juegos moogy, con esos pitidos decrecientes que recuerdan el desinflar repentino de un globo. Enjoy Your Life* es una canción redonda, en clave de atardecer pero con ritmo bailable, antepasada de Groove With You (1984), Attack Me With Your Love (1985) o Back And Forth (1986). Alligator Woman* es novedosa en este contexto porque es Rock. La cara B transcurre amable hasta decir adiós al disco con el precioso For You, una balada para rememorar el best of de cualquier trayectoria sentimental. Éste es un disco maduro y soleado, grabado con cinco miembros y la banda de apoyo L.A. Connection, despidiendo la década prodigiosa del funk.

Sin abusar de este espacio quisiera dar gracias a un DJ -olvidé su nombre y no sé de él- residente en el único bar de Granada donde ponían funk en el invierno de 1988, al final de la calle Pedro Antonio de Alarcón, que me cambió su 12" Four From Cameo* por un dibujo a lápiz. Él me reveló el Cameo Sound anterior a She´s Strange. También a mis padres, que recorrieron París buscándome discos de Cameo; y cómo no, a DavidDJ y Salah, mis hermanos de The Black Evolution.

9 - Style (1983 - Atlanta Artist). Este disco es distinto, fue el primero que grabaron en Atlanta -su nueva ciudad de residencia- para el sello que fundó allí Larry Blackmon. Gregory Johnson salió del grupo, quedándose Cameo con cuatro miembros. Suprimen el logotipo que tenían desde 1978, y lo sustituyeron por uno que parece autografiado, insulso como la propia portada, cuyo diseño no aporta nada a la declaración de los créditos: "There are no conventional drums used on this album, all drum are electronic. The new age sound." Cada cierto tiempo sufro una crisis en mi relación con este disco: no me gusta el nuevo sonido de la batería. El problema no es que sea electrónica, sino que es inmadura. El lp Is This The Future? de Fatback, anuciando también la nueva era, tiene mucha más consistencia en la batería electrónica, así como Juicy Fruit, de Mtume, o On The Rise, de S.O.S Band, también de 1983. Todas las canciones del disco están preñadas de buenas ideas, bien ejecutadas, excepto la batería. Pero como pasa a menudo en cualquier disciplina artística, los hallazgos de este disco florecieron en el siguiente. Es impensable el lp She´s Strange (1984) sin la aparición un año antes del disco que nos ocupa. El tema Slow Movin´ prepara el camino a Talkin´ Out The Side Of Your Neck, y Aphrodisiac la atmósfera de She´s Strange. El álbum contiene una gema oculta, una gran canción totalmente infravalorada: You´re A Winner, el tema para reconciliarse con este álbum de transición.

10 - She´s Strange (1984 - Atlanta Artist). Es un disco esencial. Se puede afirmar que con el tema She´s Strange, el grupo Cameo se posicionó como rey indiscutible del electrofunk: el nuevo sonido tecnológico ya estaba maduro. Tenían nueve álbumes a sus espaldas, Zapp&Roger cuatro, y aún así le cogieron el relevo. Slave o Lakeside, grupos de talante viril como Cameo, estaban casi extinguidos, y nuestro querido Larry Blackmon arrasaba con más fuerza que nunca. Cameo, además, destacaba en los arreglos vocales. Los coros y las voces principales eran un ejemplo de maridaje bien avenido. Charlie Singleton hacía verdaderas filigranas anímicas con los teclados, tanto que cuesta echar de menos la sección de vientos de los álbumes anteriores. Al escuchar los sintetizadores atmosféricos de She´s Strange y Hangin´ Downtown, uno siente caer la noche sobre el puente de Brooklyn, con las iridiscencias de Manhattan reflejadas en el East River, obligando al cielo a oscurecer. Esto es gracias a él: Charlie Singleton, otro gran músico infravalorado. Algún día este artista y maestro de los sintetizadores, con esa enorme capacidad de evocación soul, debería tener un lugar en el paraíso al lado de maestros como Óscar Peterson o Thelonious Monk. Los arreglos de este álbum se deben a Charlie Singleton y Larry Blackmon, crecidos y cohesionados para la ocasión. El disco no es perfecto, le queda un mínimo residuo de la batería desafortunada de Style en la entrega: Tribute to Bob Marley, que choca con la naturaleza orgánica del reggae. Pero esto es una insignificancia al lado de la bellísima Love You Anyway, con sección de vientos y handclaps en los momentos de exaltación, y dulce como You´re A Winner. Groove With You es el tema más simpático del disco, y Talkin´Out The Side Of Your Neck el primer rap como tal de la banda -rapeando a tres voces- y gestionando los silencios cuando suena el estribillo y los vientos. El tema es un ejercicio de testosterona, con un medio tiempo excitado por las guitarras eléctricas. Léve Toi! en frances, recoge el relevo rockero de Alligator Woman. El director de arte sigue siendo desde 1981 el colorista Bill Levy, repitiendo en la portada el concepto de Alligator woman para She´s Strange, después de haber pinchado en Style. Continuaría con Cameo hasta Word Up. Lo mejor de estos años es sin duda Room 123 (She´s Strange) Rap Version, demoledora, grabada en 1985. Pieza imprescindible Old School para cualquier discoteca Funk/Rap. Sólo se grabó en formato single 12". Recomendables los cuatro dobles maxis del sello Club*1 -filial londinense de Phonogram-; todos ellos verdaderos objetos de colección, con extraordinarias versiones extendidas, fotografías de portada e interior en la doble carpeta, y el famoso logotipo cubista que es una maravilla de ingeniería visual.

*1 -She´s Strange/ Cameo Megamix/ Room 123 (She´s Strange Rap versión)/ She´s Strange Club Mix - Double Pack 12" CLUB JABX252

-A Goodbye/ I´ve Got Your Image/ On The One/ Just Be Yourself/ It´s Serious/ - Double Pack 12" CLUB JABXD28
-Candy/ Don´t Be Lonely/ Candy (remix)/ Single Life - Double Pack 12" CLUB JABXD43
-Back And Forth (extended remix)/ Back And Forth(dub)/ Word Up(club mix)/ You Can Have The World - Double Pack 12" CLUB JABXD49
-En diciembre de 1985 el sello Club vuelve a lanzar el álbum Single Life, con distinta portada e incluyendo el tema She´s Strange - CLUB JABH14

11 - Single Life (1985 - Atlanta Artist). Este año Charlie Singleton salió de Cameo, quedándose la formación con tres miembros: Larry Blackmon, Tomi Jenkins y Nathan Leftenant: el triángulo más hardcore de la cultura afroamericana junto a RUN D.M.C. Las canciones Attack Me With Your Love y Single Life son indispensables para explicar Cameo. Tienen la virtud de conjugar acogedoras melodías con la agresividad electro, de la que son reyes. Esta mixtura no la consigue otro grupo. El vagaje de sus primeros álbumes de los 70, con aquellas polifonías, el virtuosismo vocal, los ambientes soul y la condición percusiva de la banda, desembocan en estas dos canciones redondas y matrices de Candy y Word Up, respectivamente. El bajo sintetizado de Atack Me With Your Love quema el pecho como una taza de chocolate caliente, y los teclados dan confort y confianza, provocando -con una canción de baile- una paz templada que aquieta el tiempo. Single Life rescata el computer funk de She´s Strange, con la progresión de una batería que evoca el transitar de un androide. Su argumento es una historia de pasión, celos y arrepentimiento matrimonial en dos entregas: Attack Me With Your Love y Single Life, con el nexo To Be Continued entre las dos canciones, tal como se ve en los Videosingles (Polygram Video 1987), ya disponibles en formato digital. I´ve Got Your Image cierra la cara A en la línea de Love You Anyway, insuflando con la sección de vientos jazz a todo el disco. Los vientos ya no son tan percusivos como en sus primeros álbumes; es parte de la evolución artística de la banda: si antes eran disparos al estómago, ahora son masajes en el corazón. A Good Bye suena épica, con guitarras alargadas que se turnan con la voz cantada, consejera y amable de Larry Blackmon. Esta canción es embrionaria de Skin I´m In. I´ll Never Look For Love es amor a dúo con la protegida de Cameo: Barbara Mitchell. Urban Warrior: rap y callejeo nocturno: el auténtico barrio del disco, con intriga en cada esquina y reflejos de solitarias farolas en el asfalto mojado. Recoge a Talkin´Out The Side Of Your Neck y prepara el pelotazo She´s Mine del año siguiente. Junto con Room 123 (She´s Strange Rap Version) son los cuatro temas raperos por excelencia de la banda. Sus excursiones reggae mejoran con Little Boys - Dangerous Toys, cerrando un disco que considero más puro que Word Up. Single Life sería un diamante en la roca, y Word Up ya engarzado en el anillo.

12 - Word Up (1986 - Atlanta Artist). Éxito mundial de Cameo y reconocimiento universal. Muchas personas supieron en España de la cultura afroamericana gracias al trallazo funkrock Word Up, que vendió millones de copias sin ser una canción comercial. Esto sólo lo hacen los grandes. En este álbum está condensado todo el vagaje de la banda, concretado y simplificado, con un nivel de síntesis artística comparable a la depuración estilística que hizo el pintor Mondrian -desde los árboles ramados hasta su geometría ortogonal en rojo, amarillo y azul-. Para componer Word Up hay que grabar antes once álbumes. La trayectoria de un artista es como un río, que sólo después de haber disuelto mil piedras siendo torrente, es capaz de fertilizar en su delta las riberas de los valles. Cameo radicalizó su condición urbana en Word Up y en la rapera She´s Mine, y trasladó esa severidad a las melódicas Candy, Back And Forth y Fast, Fierce & Fine; no se avergonzó de exhibir una sección de vientos -inusual en 1986-; dio amor en Don´t Be Lonely -como lo hiciera con Hangin´ Downtown en 1984- y se permitió el capricho de cerrar el disco con una descarga latinfunk: You Can Have The World en la línea de The Sound Table. Word Up tenía una batería seca con delay en la caja, y unas ganas de camorra en la voz de Larry Blackmon que revolucionaron la escena funk. Aquello era insuperable, tanto que desde entonces no se oiría tanta violencia rítmica mas que en el rap. La fórmula se expandió, y otros compañeros tomaron nota en las canciones Earth, Wind & Fire (System of Survival - 1988), Loose Ends (Remote Control - 1988), o Levert (Take Your Time - 1988) e incluso más allá del funk: Fine Young Cannibals en su hit She Drives Me Crazy (1988). Del tema Word Up se han hecho varias versiones. Tengo localizadas las que hicieran Gun, en 1994; Melanie Brown (ex Spice Girls) en 1999; Korn, en 2004; y The Boss Hoss en 2005. Por otro lado Mariah Carey sampleó Candy en Loverboy (2001), aunque ya lo había hecho antes 2PAC en All About U (1996). Para la promoción de este álbum Jean Paul Gaulthier vistió a Cameo, y a Larry Blackmon con su emblemática huevera roja, que le daba un aspecto híbrido entre Carlos V y un monstruo copulador. La fama estaba servida.

2008-07-19T17:01:00.001+02:00

13 - Machismo (Atlanta Artist - 1988) - Quiero defender este álbum que vapuleó la crítica española. Sólo con mentalidad pop, escasa comprensión o falta de templanza se puede atacar este disco. Es cierto que Honey se parece a Candy, pero es un guiño dulce entre los dos temas. Honey dura sólo 2:04 minutos y es una extensión premeditada, con sentido del humor, de Candy. No sólo se malentendió este guiño, sino que se derribó el álbum por ello. También se alude a que You Make Me Work recuerda demasiado a Word Up, y creo que este argumento revela el desconocimiento de su discografía: Style (1983) es una variación rítmica de Just Be Yourself (1982), y el desarrollo instrumental de Aphrodisiac (1983) es una jam que continúa en She´s Strange (1984), y nadie dijo nada. Word Up había puesto el listón alto, y pasaron casi tres años interminables hasta que apareció Machismo. Las espectativas se desbocaron, y al escuchar el disco vino la decepción. Recuerdo que en aquella larga espera anunciaron a bombo y platillo el lp en solitario de Larry Blackmon, añadiendo más ansiedad a los seducidos por Word Up. Saltó en la prensa que el nuevo disco de Ry Cooder (Get Rhythm - 1987) contenía una colaboración de Larry Blackmon, y era cierto. Corrí a devorarla como el monstruo de las galletas, sin encontrar el alimento cameótico que tanto necesitaba. En ese estado, cualquier disco nuevo de Cameo hubiera provocado desencanto. Invito a los desengañados de entonces que hoy -20 años después- vuelvan a pincharlo. Será una reconciliación. Las manifestaciones artísticas con raíz cultural, como el flamenco o la música negra, no se deberían juzgar con una mirada tan segmentada, porque cada pequeño hallazgo artístico da la mano al siguiente, conformando así una cadena irrompible de eslabones consecutivos . Este cordón umbilical que une el Gospel con el HipHop es el aspecto que hay que tener en cuenta. Además, Machismo está lleno de sorpresas. Skin´ I´m In es un manifiesto de igualdad social: "La piel en la que estoy", refiriéndose a que no elegimos el color de nuestra piel; con una sección de vientos, coros emotivos y seriedad rítmica que subrayan la letra de la canción. En el 12" JABXR77 CLUB usaron la imagen de Martin Luther King con el lema: Skin´ I´m In - The Truth. Nunca se les vio tan coprometidos. Soul Tightened es un medio tiempo mezcla de funk, doo woop y big band con una elegancia sin precedentes en su discografía, e In The Night, que brillaba con la participación de Miles Davis. La belleza del diálogo entre sordina, trompeta y saxofón de esta composición ya merece incondicionalidad hacia el disco, en un año donde la música de baile se hacía sin instrumentistas, y los vientos eran falsificados por los teclados, intentando parecérseles. Pretty Girls es tajante, como carne cruda troceada por un cuchillo bien afilado, y I Like The World recoge a Candy y a Fast, Fierce & Fine, siendo incluída en la BSO de Mi Novia Es Un Extraterrestre (1988). Promiscous; y Dkwig -reggae-, como las demás, están peinadas por los vientos, tocados por los mejores: Miles Davis, Maceo Parker, Fred Wesley, Randy Brecker, Michael Brecker, Kenny Garrett, Alan Rubin, Dave Tofani, los Uptown Horns, y nuestro querido Arnett Leftenant. Por si fuera poco, Keni Burke al bajo y Bernard Wright en los teclados completaron la plantilla de apoyo al disco, haciendo de Machismo un legado. El estilismo sado de Jean Paul Gaultier para este álbum hace inolvidable la portada.

Despues de Machismo vinieron cuatro álbumes y un directo: Nasty (intersound 1996), con dos temas inéditos recomendables para seguidores del grupo. Es verdad que el panorama musical no ha ofrecido otra oportunidad como aquella en 1982, cuando las nuevas tecnologías significaban un reto. Ahora es más difícil sorprender. De todas formas, desde 1988 hasta 1992 Cameo entregó indiscutibles piezas C-FUNK como en su mejor época: Close Quarters y Get Paid del lp Real Men Wear Black (Atlanta Artist - 1990); el lp Emotional Violence (Reprise - 1992), entero muy bueno, que fue como un renacimiento, el último resplandor del sol que fue Cameo, con la bestialidad funk que da título al álbum. Luego vino el desvanecimiento, que aunque no claudicaron a la comercialidad, tampoco destacaron en el panorama black music. Vinieron In The Face Of Funk (Way 2 Funky - 1995) que tiene destacables el tema que titula el disco, una versión de Slide (1977) -de la arrolladora banda de funk Slave- y BSU; pero todo suena enlatado. Y por último Sexy Sweet Thing (BMD/Private I Records - 2000) que aunque las dos primeras canciones se sostienen bien, el disco se disuelve entre el pelotón de artistas R&B.

Es momento de recordar a los principales miembros que formaron Cameo:

LARRY BLACKMON, LEADER, DRUMS, PERCUSSION, LEAD AND BACKGROUND VOCALS
GREGORY JOHNSON, FENDER RHODES, MOOG, BACKGROUND VOCALS
TOMI JENKINS, LEAD AND BACKGROUND VOCALS
NATHAN LEFTENANT, TRUMPET, BACKGROUND VOCALS
ARNETT LEFTENANT, SAX, BACKGROUND VOCALS
ERIC DURHAM, ELECTRIC GUITAR
WILLIAM REVIS, BASS GUITAR
KURT JETTER, VOCALS
CHARLIE SINGLETON, LEAD AND BACKGROUND VOCALS, LEAD GUITAR, KEYBOARDS
ANTHONY LOCKETT, LEAD AND RHYTHM GUITAR, LEAD AND BACKGROUND VOCALS
WAYNE COOPER, LEAD AND BACKGROUND VOCALS
STEPHEN MOORE, LEAD AND BACKGROUND VOCALS
AARON MILLS, BASS GUITAR AND BACKGROUND VOCALS
THOMAS "T.C."CAMBELL, ACCOUSTIC PIANO, FENDER RHODES, MINI-MOOG, PROPHET
JERYL BRIGHT, TROMBONE, BACKGROUND VOCALS

Y los grupos que apadrinó y produjo Larry Blackmon -total o parcialmente-. También discos de otros artistas donde canta o toca : Cameo, East Coast, New York City Players, L.A. Connection, Mantra, Charles Earland, Cashflow, Barbara Mitchell, Bobby Brown, George Howard, Howard Kenney, Geoff McBride, Malemen, Eddie Murphy, Buffalo Soldiers, Tomi Jenkins, Charlie Singleton, Slapbak, Ry Cooder, Wynd Chymes, Reddings.

Desde 1992 hasta nuestros días, Cameo ha continuado su trayectoria sin un tercer esplendor, retroalimentándose, grabando decentes álbumes tardíos, produciendo para otros grupos, dando conciertos y salpicando electrofunk seminal hasta el otro lado de los confines afroamericanos, sin perder la dignidad artística en ningún momento. La pregunta para dejar en el aire es: ¿Se le puede pedir más a un artista como Larry Blackmon? Creo que es momento de darle gracias y concederle una gran hamaca junto a los dioses del olimpo negro. Su talento enriquece la cultura universal, nutre y mejora nuestras vidas.

"May the wind be at your backs and Cameosis in your hearts, we love you"

Acto de inauguración del Parking de la Herradura

2008-07-08T02:27:00.014+02:00

The Black Evolution presenta: Igmar Alderete (compositor / violín) + Bucaneroestilo (HipHop en vinilo) + Javier Castillo ChikoKF (arte visual en la pared) 8.7.2008

Parking de la Herradura, en La Ribera, Córdoba.

Momentos previos al acto de inauguración, con Bucaneroestilo [Sesión HipHop en vinilo]

Bucaneroestilo [HipHop en vinilo] + Igmar alderete [compositor de violín]

Javier Castillo 'ChikoKF', grafismo en la pared de la sala de exposiciones.

Acto organizado por Miguel Gómez Losada para la inauguración del Parking de la Herradura, promovido por Vimcorsa y el Ayuntamiento de Córdoba.

El Sr. Rojo - Madrid Aprieta

2008-04-14T06:25:00.005+02:00

Ayer fui a Fuentes Guerra, Córdoba, a escuchar el nuevo disco de El SR. ROJO, MADRID APRIETA.
Lo que diferencia -a mi entender- este disco de otras producciones de HipHop, es que armoniza el sonido crudo funk y callejero de las bases rítmicas con la elegancia y sofisticación de su musicalidad. Sólo por esto, el álbum regala dignidad al barrio. Así mismo, las letras son realistas y parecen haber sido cocinadas sin aliño, pero a la vez, sus rimas, acentos y fonética nítida de El Sr. Rojo son un masaje para el oído. Los samples jazzfunk del álbum guardan coherencia unos con otros. Si se sumaran todos los loops parecería música de un sólo autor: son ricos en matices e instrumentación jazzera, con estructura funk y ambientación soul. Es la prueba de que El Sr. Rojo (nuestro querido Mario), lo tiene claro. Sabe qué sonido quiere. Detrás de los samples se ve enseguida un trabajo de investigación y búsqueda. En este disco se nota que quien rastrea cubetas en busca de samples ya sabe el sonido que quiere. Algo así como la imagen de la gran esmeralda, ya dibujada en la imaginación del explorador mucho antes de partir a su encuentro por la espesura de la selva amazónica. El arte es así: se tiene dentro; sólo hay que recorrer el mundo hasta encontrar las piezas que den forma al sentimiento. En este sentido, El Sr. Rojo es un cazador poético. Su imaginario musical es totalmente afroamericano -sin duda-, pero Madrid es su dominio. Cuando paseas con Mario por El Rastro o Lavapies te sientes su invitado, te sientes protegido. Madrid Aprieta, pero él te cuida. Esto se siente al ver la portada -diseño de nuestra querida Marta Medel con fotografía de Yolanda de Santos-, que es una angostura entre edificios que oprime, aprieta, pero con la mano abierta de Mario en señal de salvaguardia.

Las letras son valientes, sin miedo a ser incorrectas. Los testimonios de los grafiteros a modo de interludios suenan desde el muro, huelen a aerosol y a indignación hacia la policía. Son de verdad. El tema 8 llama la atención. Se llama UN COÑO MÁS. En estos tiempos de hiperprotección hacia la mujer, la letra podría ser escandalosa, habla sin miedo del aborrecimiento, algo que todo el mundo ha padecido alguna vez pero pocos expresan: el sentimiento de antipatía corporal hacia la chica después de haber follado sin amor. Es algo que también experimentan ellas. Escuchar el tema 8 es recordar el hastío vital que uno siente cuando no encuentra ternura en ninguna cama. Escuchar el tema 8 es imaginarse nómada por un desierto de cuerpos sin alma y sin nombre. Escuchar el tema 8 es sentirse fatal. Pero por eso es una buena letra, porque es la vida sin idealizar. Es algo no deseable, pero es REAL. Este tema parece recoger el relevo de nuestro enorme poeta Gil de Biedma cuendo muy crudo dice:

LOCA

La noche, que es siempre ambigua,
te enfurece -color
de ginebra mala, son
tus ojos unas bichas.

Yo sé que vas a romper
en insultos y en lágrimas
histéricas. En la cama,
luego, te calmaré

con besos que me da pena
dártelos. Y al dormir
te apretarás contra mí
como una perra enferma.

El disco también tiene momentos lúdicos. El matrimonio musical DJuve & El Sr.Rojo hace el amor en el tema 14: YO Y MI DJ, en donde los breaks y scratches practican el kamasutra, con una diversión equiparable a los mejores momentos de Paul´s Boutique, de Beasties Boys. Al escuchar MADRID APRIETA, de EL SR. ROJO, uno sabe que el árbol HipHop en España tiene una fruta madura. Ya nadie puede decir que el RAP hecho en España no tiene nivel. MADRID APRIETA está bien enraizado bajo el asfalto de la Gran Vía. Su calidad sienta precedente y obliga a otros rapers a espabilar. Este disco abre una nueva etapa para el rap en español.

Chinatown - Es Nuestro

2008-04-14T06:17:00.007+02:00

CHINATOWN - Es Nuestro

Otro ejemplo de cómo el espíritu FUNK subyace entre dos canciones separadas en el tiempo 25 años. Por un lado:THIS IS THE FUTURE, de FATBACK (1983), uno de los mejores temas de ese año, electrofunk maduro a punto de ebullición.

Y mezclando perfectamente como si viviésemos en una eterna época dorada, el magnífico ES NUESTRO, de CHINATOWN, que aunque fue concebido en 1985, cobró forma y fue regalado al mundo en 2007 (por nuestro querido Control UVE, Fabuloso Roketer, Fresco P y Salvaje G - original, instrumental y acapella)

Dejo aquí su myspace http://www.myspace.com/chinatownrappers

2008-02-27T02:29:00.010+01:00

Primera sesión de Losada en Madrid - 12.abril.2008

DOWN BEAT RADIO - programa 8

Quizá el mejor ejemplo para explicar que el rap es el hijo del funk: ZAPP - More Bounce To The Ounce, de su primer lp. Es uno de los temas del acta fundacional electrofunk, grabado en 1980 y producido por Bootsy. EPMD - You Gots To Chill, de su lp Strictly Business, grabado en 1988. Es muy posible que estos raperos, siendo niños, vieran bailar a sus padres con Zapp, o que lo oyesen en la radio del coche familiar marcándoles sentimentalmente para siempre. En esto consiste la música con raíz. ZAPP (1980) EPMD (1988)

Enlace Funk Nº28
Cameo, El sonido de Larry Blackmon, por Miguel Gómez Losada
Punto de venta en Córdoba - Discos Fuentes Guerra, desde el 15 de marzo 2008

2008-02-09T19:36:00.002+01:00

Diseños de Salah

2007-12-13T22:25:00.001+01:00

Diseños de Losada

2007-12-11T04:17:00.000+01:00

2007-11-29T01:48:00.003+01:00

Diseño de Salah

2007-11-22T13:29:00.000+01:00

2007-09-28T10:47:00.000+02:00

Mario, El Sr. Rojo, en el Colegio de Arquitectos de Córdoba. Sesión HipHop en vinilo con motivo de la Intervención del artista coreano Bahk Seonghi en El Patio del Colegio. 25.9.2007 Al fondo documental Le Mystére Picasso

2007-08-28T10:37:00.000+02:00

The Black Evolution Dj´s: Salah, DavidDJ, Losada

Sesión en vinilo - Samoa, Playa de la Hierbabuena/ Parque Natural de La Breña, Barbate, Cádiz - 26.8.2009

2007-08-26T10:26:00.000+02:00

Hoy dedico el día a Brass Construction, en concreto al lp 5, que aunque está considerado -menor- en su discografía, para mí tiene medios tiempos a la altura del bombazo P Funk -Shake- de General Caine.
Temas señalados del álbum para pinchar en cualquier sesión old school, junto a Dance floor de Zapp, Mr. Groove de One Way o el mismísimo Shake de General Caine: Watch out - Right Place - Get up to get down

2007-08-05T21:29:00.001+02:00

2007-07-30T01:47:00.000+02:00

2007-07-06T10:42:00.000+02:00

Djuve - sesión HipHop en la inauguración de Las raíces del aire, transformación en El Patio del Colegio de Arquitectos de Córdoba - 21.6.07

2007-04-14T06:39:00.001+02:00

Esta es la banda de mi amigo Manolo http://www.fotolog.com/dreamofmylife/ (el que echa humo por la boca), conocido en fotolog por sus atardeceres bíblicos, sus perros fieles y por saber vivir.

HOT POWER FUNK Hicieron anoche un concierto despedida para uno de sus componentes -que regresa a Londres-, Andy Spiers, el trompeta. Cuando eché la foto tocaban Move On Up, de Curtis Mayfield, y sonaba Funk. Larga vida a tu banda Manolo, y larga vida funk a los amigos que la forman. Ellos son:

Rafa Durillo-----------------------Batería
Juanlu Tobes----------------------Teclado (oculto en la foto tras Rafa y Andy)
Manolo Gutiérrez-----------------Bajo
Curro Rumbao---------------------Guitarra
Rafa Trinidad----------------------Saxo alto
Andy Spiers------------------------Trompeta

14.4.2007

2007-04-06T02:20:00.001+02:00

Diseño de Salah

2007-02-25T06:05:00.000+01:00

2007-01-17T22:49:00.000+01:00

Sesión en vinilo de Miguel A. Sutil - Bar Soul, Córdoba - 27.1.07 - Pudimos escuchar temas de Slave, Earth Wind & Fire, Denice Willians, The Emotions, Brick, Lakeside, Dazz Band, Patrice Rushen ... Y pasó del funk al latin con acierto, pinchando temas puente como Fat City Strut de Mandrill y Flying Machine de War. El documental en dvd de salsa/puertorico/newyork que trajo manolo dreamofmylife/ encajó en la sesión como anillo al dedo. Lo pasamos muy bien.

2007-01-07T05:01:00.000+01:00

Sesión FUNK medio-tiempo (Losada)

BOOTSY´S RUBBER BAND - Hollywood Squares - Warner Bros 1978 + SLY & THE FAMILY STONE - The Same Thing (makes you laugh, makes you cry) - Warner Bros 1979

THE COMMODORES - Young girls are my weakness - Motown 1975 + LARRY GRAHAM and GRAHAM CENTRAL STATION - Boogie witcha, baby - Warner Bros 1978

BETTY DAVIS - F.U.N.K. - MPC 1975 + THE POINTER SISTERS - How long (betcha´got a chick on the slide) ABC Blue Thumb 1975
JAMES BROWN - My Part/ Make it Funky - Polydor 1972 + JAMES BROWN - Mind Power - Polydor 1973
GAP BAND - Talkin´back - Total Experience 1982 + SNOOP DOGGY DOGG - What´s my name (Explicit club mix 8:12) -Death Row Records 1993

ROY AYERS - King George - Polydor 1973 + DR.DRE - Let me ride (extended club mix 10:58) Death Row 1993
L.L. COOL J - I´m bad - Def Jam 1987 + DR. DRE - The Chronic (intro) - Death Row 1992

ROY AYERS UBIQUITY - No question - Polydor 1975 + ERIC B. & RAKIM - Move the crowd (the wild bunch remix) 4th bway 1987

CHAIRMEN OF THE BOARD - Skin I´m in - Invictus 1975 + STEVIE WONDER - Maybe your baby - Motown 1972

EARTH, WIND & FIRE - Fair but so uncool - CBS 1974 + WELDON IRVINE - Pogo Stick - BMG 1975 y en el suelo, revista BLUES & SOUL Nº448 - Dec24, 1985 - Jan13, 1986 con CAMEO en la portada.

RAMSEY LEWIS - Tambura - CBS 1974 + WAR - Slippin´ into darkness - LA - 1972

QUINCY JONES - Hikky-Burr (Bill Cosby - vocal) AM 1971 + GROVER WASHINGTON JR. - Knucklehead - Motown 1975

CAMEO - I´ll be with you - Chocolate City 1978 + KOOL & THE GANG - NT - Delite 1971

EAZY-E - We want eazy - Ruthless Records 1988 + THE TEMPATIONS - Funky music sho nuff turns me on - Motown 1972

PARLIAMENT - Supergroovalistic-prosifunkstication - Casablanca 1975 + BOOTSY´S RUBBER BAND - Ahh... The name is Bootsy, baby - Warner Bross 1977

THE BRIDESS OF FUNKENSTEIN - Disco to go - Atlantic 1978 + GEORGE DUKE - Dukey Stick - Epic 1978

GENERAL CAINE ll - Shake - Groove Time Records 1981 + TROUBLE FUNK - Roll with it - Jam Records - 1981

TROUBLE FUNK - So Early in the Morning - 1982 + B.T. EXPRESS - Do it (´til you´re satisfied) - 1974

Public Enemy - Fight the power - 1989 (Ext versión) + Beastie Boys - Triple trouble - 2004 (instrumental)

2006-12-28T03:26:00.000+01:00

Simon Emanuel - Londres

losada/ david dj/ salah/

2006-11-28T12:52:00.000+01:00

Hola amigo/a, hago una sesión de FUNK en vinilo el 12 de diciembre en el Club Tempo. Empiezo a las 23h, a modo de prólogo del concierto de SHEILAH CUFFY Project. Una hora de FUNK en vinilo (pisada de King Kong), + concierto + sesión de Maykaña.

Un abrazo!

Miguel Gómez Losada
(The Black Evolution)

Club Tempo, c/ Duque de Osuna, 8 (Metro Plaza de España) Madrid

Sheila Cuffy y Miguel Gómez Losada. Madrid 1994

discos 2

2006-11-09T01:30:00.000+01:00

No podría entender mi amor al funk sin los temas: Juicy Fruit, I Simply Like, y Tie me up. Los escuché a tiempo real en las cintas grabadas que traían mis amigos Ricardo y "El negro" de la base de Rota, allá por 1984.
MTUME - In Search Of The Rainbow Seekers - Epic 1980 1) Give It On Up (if You Want To) 2) You Can't Wait For Love 3) She's A Rainbow Dancer 4) We're Gonna Make It This Time 5) Dance Around My Navel (doesn't Have To Make Sense, Just Cents) 6) So You Wanna Be A Star 7) Spirit Of The Dance 8) Everything Good To Me 9) Mrs. Sippi
MTUME - Juicy Fruit - Epic 1983 (en la foto Lp y maxi) 1) Green Light 2) Juicy Fruit 3) Hips 4) Would You Like To (fool Around) 5) Your Love's Too Good (to Spread Around) 6) Hip Dip Skippedabeat 7) Ready For Your Love 8) The After 6 Mix (juicy Fruit Part II)
MTUME - You, Me And He - Epic 1984 1) C. O. D. (i'll Deliver) 2) You Are My Sunshine 3) You, Me And He S 4) I Simply Like 5) Prime Time 6) Tie Me Up 7) Sweet For You And Me (monogamy Mix) 8) To Be Or Not To Bop That Is The Question (whether We Funk Or Not)

TWENNYNINE Featuring LENNY WHITE - Best of Friends - Elektra 1979
Este disco podría pasar desapercibido en el funk de 1979, si no fuera por los magníficos -Peanut Butter- y -Morning Sunrise- de Don Blackman (el de gafas y canutillos, sentado al fondo). A Lenny White se le recuerda sobre todo en escenas jazzísticas, por haber tocado la batería, por ejemplo, para Miles Davis en su Lp Bitches Brew -1969-
-Citi dancin´ -Take me or leave me -Best of my friend -Peanut Butter -Betta -Morning sunrise -Oh Sylvie -Tropical night
PD: los canutillos de colores en el pelo fueron moda en 1979/82 en el ámbito afroamericano. Ver Stevie Wonder (Hotter than july) y Patrice Rushen (Forgets me nots), o el propio Don Blackman en su álbum debut.

Blowfly - Blowfly´s Party - TK 1980
http://www.blowflymusic.com/ -Rapp Dirty -Panty Lines -Prick Ryder -Nobody´s butt but yours, babe -Blowfly´s rapp -Show me a man who don´t like to fuck -Who did I eat last night? -Can I come in your mouth

Clarence Reid, más tarde llamado Blowfly, se caracterizó por parodiar canciones soul en clave porno. Está considerado el primer rapero de letras sucias y políticamente incorrectas (the original dirty rapper). Atención a los títulos y a la foto de portada con el regalito en la lengua, así como el desenfreno de la contraportada. Los temas Blowfly´s rapp y Rapp dirty tienen la misma base, con una de las líneas de bajo más elegantes y sensuales que haya oído jamás.

Hay dos grupos de la misma factura que Cameo, producidos también por Larry Blackmon en 1981 y 1982: Mantra y L.A. Connection. El tema -Boogie Just to boogie- tiene un medio tiempo funk (pisada king kong) que pone los pelos de punta, indispensable en cualquier sesión TBE.
MANTRA - Mantra - Casablanca 1981-Doin' It To The Bone (James Greathouse) 05'56" * -Promise Me (Anthony Lockett / Larry Blackmon) 04'55" -Action (Anthony Lockett / Larry Blackmon) 06'14" * -Boogie Just To Boogie (Larry Blackmon) 04'26" -Here We Come (Anthony Lockett / Larry Blackmon) 06'30" * -Do You Wanna (Anthony Lockett / Larry Blackmon) 05'50" -Let's Stay Together (Anthony Lockett / Larry Blackmon)

Y aquí el otro grupo producido por Larry Blackmon en 1982. Es similar a Mantra, pero con la instrumentación más cercana a Atomic dog de George Clinton y al propio álbum del mismo año de Cameo: Knights on the Sound table.

L.A. CONNECTION - MCA 1982-Shake it-Burn me up-Promise me-Get it up-Jealousy-Come into my heart-I´ll find a way

Lo encontré en la Fira del disco de Barcelona, en el stand Juke Box Shop de Bruselas (9.11.2002). Esta BSO la compuso el gran Norman Whitfield, un totem de la música negra que aún no está lo suficientemente valorado; espina dorsal de grupazos como The Tempations, Rose Royce y The Undisputed Truth. El disco contiene varias muestras del Paul´s Boutique de Beastie Boys.
CAR WASH - Original Motion Picture Soundtrack - Doble álbum - MCA 1976 -Car wash -6 o´clock D.J. (Let´s rock) -I wanna get next to you -Put your money where your mouth is -Zig zag -You´re on my mind -Mid day D.J. theme -Born to love you -Daddy Rich -Richard Pryor dialogue -You gotta believe (vocal Pointer Sisters) -I´m going down -Yo yo -Sunrise -Righteous rhythm -Water -Crying -Doin´ what comes naturally -Keep on keepin´on

Cameo

2006-11-08T11:41:00.000+01:00

Cameo - Cameosis - Chocolate City 1980 -CAMEOSIS- SHAKE YOUR PANTS- PLEASE YOU- WE'RE GOIN' OUT TONIGHT- I CARE FOR YOU- ON THE ONE- WHY HAVE I LOST YOU-
Cameo - Feel me - Casablanca 1980 -THROW IT DOWN- YOUR LOVE TAKES ME OUT- KEEP IT HOT- FEEL ME -IS THIS THE WAY- ROLLER SKATES- BETTER DAYS

CAMEO - We all know who we are - Chocolate City 1978 -INFLATION -C ON THE FUNK -WHY HAVE I LOST YOU -STAND UP -WE ALL KNOW WHO WE ARE -IT'S SERIOUS -IT'S OVER
Cameo, el grupo que llevo coleccionando desde 1984 y del que aún me falta algún disco.
Desde esta pequeña tribuna quiero decir a Patricia Godes que el análisis que hace sobre Cameo en su libro Guía esencial del Soul, no sólo es desacertado sino que es simplista. Les despacha en breves líneas por ser muy parecidos a Ohio Players.
Cameo tiene una filosofía de vientos, un background de falsetes, unas guitarras rítmicas y una actitud en los teclados mucho más percusiva que Ohio Players. Si bien éstos son más melódicos y barrocos, Cameo son más contundentes. Es la firmeza rítmica lo que les abre un hueco entre Ohio Players, el PFunk de Parliament y la rudeza de Commodores. Esta contundencia es una constante en toda su discografía, y en los Lps She´s Strange, Single Life, y Word Up (1984/85/86) es cuando el grupo alcánza el cénit de su personalidad. Curiosamente, Ohio Players se acerca bastante en sus álbumes tardíos de los 80 a Cameo. Como argumento de apoyo, habría que mencionar a otro gran combo de Funk que siguió la estela de la banda -esencial- Cameo, y es Slave. Muchas veces se valora al maestro por su discípulo.
Pero si por algo se caracteriza la música negra es por su raíz, así que esta pelea por el estilo, más propia de individualismos pop, en el Funk pierde sentido.

Cameo - Ugly Ego - Chocolate City 1978
I'LL BE WITH YOU- INSANE- GIVE LOVE A CHANCE- I WANT YOU- UGLY EGO- ANYTHING YOU WANNA DO- FRIEND TO ME- TWO OF US

Blues & Soul

2006-11-01T21:43:00.000+01:00

En 1986 llegó una revista especializada a España: BLUES & SOUL. Recuerdo que la vi un día en el kiosko, aquí en córdoba; para mi sorpresa, con los nombres de los grupos que yo escuchaba y seguía. Tenía pegado en la portada un adhesivo de color verde fluorescente que ponía: "revista importada NUEVA! recomendada DJ´S".

En aquel tiempo de "globalización pop rockera", aquella revista era la única capilla en la que podía leer, mirar y rezar funk. En la página 3 había una fotocopia con un membrete que decía -Industrias del Funk S.A.- ofreciendo productos relacionados y buscando delegaciones y distribuidores para la revista. Firmaba la circular Doctor Disco (no sé qué habrá sido de aquel apóstol). La publicación desapareció de los kioskos en unos pocos números. El sector melómano que podía haberla comprado estaba todavía hipnotizado con la movida madrileña; con Morrisey, Robert Smith, y todos aquellos músicos de "look" sombrío y apesadumbrado; y la revista BLUES & SOUL, con aquellos negros sonrientes en las portadas pasó totalmente desapercibida.

Ahora son buenos tiempos, tenemos desde Madrid la revista EnlaceFunk, y todo un circuito de salas, DJ´S y seguidores por todo el pais. La música negra ya está establecida en España.

discos 1

2006-10-17T22:55:00.001+02:00

Un disco de amor. La trayectoria de Roberta Flack se puede decir que es extensa, y no tanto la de Donny Hathaway (su discografía comprende los años 1970-1979). Éste cayó al vacío el 13 de enero de 1979 desde un rascacielos. Luis Lapuente (Historia-guía del soul"Magia Negra") sostiene que el cantante iba a convertirse en uno de los baluartes del soul de los 80. Yo pienso que no. En 1979 el funk llegaba a la meta, y el soul permanecía vivo en los coros y melodías de las baladas funk, y en la voz crepuscular de algunos pocos cantantes soul. No me imagino a Donny Hathaway enlatando en programaciones rítmicas su voz gospel y lamentosa, compartiendo emisora en 1982 con el tema Sexual healing de Marvin Gaye o el divertido Never too much de Luther Vandross. En 1979-80 explotaba el sonido Sugarhill, el footing, los walkman y el aerobic. Los tiempos habían cambiado para los viejos cantantes de soul. El panorama para Donny Hathaway no era el mejor. Su piano y voz guetto-gospel no se veían reforzados por el bombo y caja de la época, como se puede apreciar en dos colaboraciones del segundo álbum (dueto póstumo) con Roberta Flack: You are my heaven y Back togueter again. Hasta el gran Stevie Wonder sucumbió musicalmente en 1980 después de su Hotter than July. Me gusta pensar entonces que Donny Hathaway murió habiendo dado ya lo mejor.
ROBERTA FLACK & DONNY HATHAWAY - Atlantic 1972 -I (Who have nothing) -You´ve got a friend -Baby, I love you -Be real black for me -You,ve lost that loving feeling -For all we know -Where is the love -When love has grown -Come ye disconsolate -Mood

Mi disco favorito de Ramsey Lewis junto al álbum Sun Goddess de 1975. Es jazzfunk indiscutible, pero con acento afrobrasil. El tema Aufu Oodu es acertadísimo para calentar motores en cualquier sesión HipHop.La portada ilustra perfectamente la cultura afroamericana: pintura afro en el rostro, pero con gafas de pera EEUU.
RAMSEY LEWIS - Salongo - CBS 1976 -Slick -Aufu Oofu -Rubato -Salongo -Brazilica -Nicole -Seventh Fold

Este grupo de Memphis es raro, grabó sólo dos lps que yo sepa, y a penas se le incluye en las antologías funk; quizá porque no tuvo la entidad de The Time, la contundencia de Cameo o el sonido estival de Gap Band. Pero contiene una joya old skool -Anybody wanna dance- con un fraseo tipo -Kim Tim lll- de Fatback. Aunque el disco es funk tardío, forma parte dignamente de la historia del rap. Destacables también -Something about you- y Throw down-

EBONEE WEEB - Capitol 1981
-Keep on steeppin´ -Something about you -Woman -Throw down -Anybody wanna dance -Do me right -Stop teasing me -Gonna get cha´

Estos discos son el brownie de un copioso banquete: el fin de la fiebre negra del periodo 1975 - 1982.
DON BLACKMAN - Arista - 1982
-Yabba dabba doo -Heart´s desire -Holding you, loving you -Deaf hook-up connection -You ain´t hip -Let your conscience be your guide -Since you been away so long -Never miss a thing
BERNARD WRIGHT - ´Nard - Arista 1981
-Habboglabotribin´ -Firebolt hustle -Music is the key -Spinnin´ -Just chillin´ out -Bread sandwiches -Master rocker -We´re just the band -Solar
GENERAL CAINE - ll - Get down attack - Groove time records - 1981
-Heartbeat -Shake -Get down Attack -L.R.J. Pop -We are soldiers -Spectacle -All about you -More than a do wop -Snake and the worm -Jungle music
ROGER - The many facets of - Warner - 1981 -I heard it through the grapevine -So ruff, so tuff -A chunk of sugar -Do it Roger -Maxx Axe -Blue (A tribute to the blues)

GRANDMASTER FLASH & THE FURIOUS FIVE - Greatest Message´s - Zafiro 1984 (Ed Esp)
Cara A -Freedom-Birthday Party-Flash to the beat-It´s Nasty
Cara B -Message-Scorpio-Survival (Mesagge ll)-New York, New York
GRANDMASTER MELLE MEL and the FURIOUS FIVE - Zafiro 1984 (Ed Esp)
Cara A -Hustlers conventions-Yesterday-At the party-White Lines (new re-mix)-We don´t work for free
Cara B -The truth-World war lll-Can´t keep runnin away-The new adventures of grandmaster
GRANDMASTER MELLE MEL & THE FURIOUS FIVE - Sugarhill Cara A - Step Off - Sugarhill 1984 - Cara B - The Message -1982
GRANDMASTER MELLE MEL - Zafiro 1984 (Ed Esp) Cara A - Jesse - Cara B - Jesse (Instrumental)

FUNKADELIC - Uncle Jam Wants You - Warner 1979
Cara A -Freak of the Week - (Not Just) Knee Deep
Cara B -Uncle Jam -Field Maneuvers -Holly Wants to Go to California -Foot Soldiers (Star Spangled Funky)
Incluye la versión íntegra (15:23 minutos) del super hit "(Not Just) Knee Deep" sampleado años más tarde por De La Soul en su ya clásico "Me Myself and I"
Alan´s Records - Londres 14.5.2005

Side Effect - Goin´Bananas - Fantasy 1977, producido por Wayne Henderson

-GOIN´ BANANAS
-Open your heart
-Watching Life
-KEEP ON KEEPIN´ON
-Clordbust
-Private World
-Back in time
-Mr. Monday
-It´s all your mind
-Never be the same

KURTIS BLOW - Party time? - Mercury 1983
Cara A
-Party Time

(Trallazo GoGo, con percusión de Trouble Funk. Contiene la sampleadísima voz "Hey Ladies" por ejemplo en Paul´s Boutique de Beastie Boys)
-Big Time Hood
Cara B
-Nervous
-Got to Dance
-One-Two-Five (Main Street, Harlem, USA)

Soñaba con encontrar este disco desde hace años, porque era el que me faltaba para tener la discografía completa de Kurtis Blow, y porque pertenece al cambio de rumbo del rap hacia la temática social (Party Time ? sobre la foto de una oficina de empleo).

Apareció el día 23.4.2006 en Silly Mellody, una tienda de parís especializada en vinilo HipHop. Cuando vi la portada en el apartado de old skool no sentí alegría, fue júbilo.

2006-08-28T04:03:00.000+02:00

http://www.afrodisiaclub.com/

diseño de gómez losada para Afrodisia

2006-08-02T21:40:00.000+02:00

2006-07-30T14:12:00.000+02:00

Diseño de Gómez Losada para Arena

2006-07-24T12:35:00.000+02:00

Diseño de Gómez Losada para Arena

Sesión en Arena

2006-06-21T13:48:00.000+02:00

Diseño de Gómez Losada para Arena

2006-06-10T11:16:00.000+02:00

The Black Evolution Experiencia. Hot Power Funk + UTO Festival Enclave de Agua 2009, Soria. 1 de agosto 2009

The Black Evolution Experiencia, Hot Power Funk + UTO + TBE Dj´s en la Boca del Lobo, Madrid. 31 de julio 2009

LA REVISTA ENLACE FUNK presenta:
The Black Evolution Experiencia:
HOT POWER FUNK + UTO + The Black Evolution Djs

Presentando su primer Ep de vinilo.
DIA 31 JULIO
22.30h
LUGAR: LA BOCA DEL LOBO. Calle Echegaray 11. Metro Sol

PRECIO:
12 EUROS INCLUYE:
Concierto + Consumición + Vinilo Ep
¡¡¡Un fiesta funkadelica por todo lo alto, una experiencia groovadelia de proporciones galácticas, un concepto nuevo...los exploradores del Groove!!!.

Una noche especial para presentar en directo el primer Ep en vinilo de este colectivo publicado por Vinilos Enlace Funk. En el vinilo se incluye un tema de Hot Power Funk, otro tema de UTO y dos skits firmados por el grupo de Djs.

Estarán presentando su debut discográfico en una fiesta donde se integran Djs y grupos en una experiencia única en este país y en donde el funk se une al hip hop y al jazz para dar un resultado espectacular y altamente divertido. Una fiesta de magnitudes mastodónticas
El elefante funk avanza con pisada decidida y sólida trayendo los ritmos sincopados y cargado de groove infeccioso y poderoso.

The Black Evolution es un colectivo de deejays y bandas residentes en Córdoba, dedicados a propagar los sonidos negros. Su actitud gira en torno a la matriz One Nation Under a Groove.

HOT POWER FUNK nace en Córdoba, hace unos cinco años, como evolución de bandas anteriores que datan desde 1993 como Soul Crack, Summer in the city y Grand MotherFunk, con la intención de aprender como hacer sonar el Funk negroamericano y hacerlo de forma creible buscando el groove y alejándose de sucedáneos. Tomando como influencias a clásicos como Kool & The Gang, Curtis Mayfield, Maceo Parker, Milt Jackson y Fred Wesley entre otros, la banda cambia de rumbo y comienza la producción propia girando hacia otras vertientes del Funk y buceando en el universo del P-Funk sin renunciar a las anteriores. Sonidos colectivos buscando climas como en “City Side”, algún guiño al Hip-Hop en “No Blush”, desarrollos líricos en “Izzy” y la energía golfa del Funk 80's del “Vibrador del Funk”. Músicos de diversas edades y procedencias que quieren disfrutar y hacer disfrutar al público en sus conciertos a través de la senda del elefante del Funk.

U.T.O. son la inciales de Unimos Tus Oidos, joven banda cordobesa cuyo sonido está basado en el funk y suena a hip hop, aprendiendo de grupos como Ohio Players, Pete Rock & CL Smooth, o Strange Fruit Project entre otros muchos. Esta influencia da como fruto unas melodías frescas, arriesgadas y poco convencionales que, junto con el contenido y la especial forma de rimar de ambos MC´s, produce un sonido ácido y rítmico muy característico. Con dos trabajos publicados: “Jornadas del Absurdo” y "Cien por cien producción propia” son una de las apuestas más frescas de territorio nacional y uno de los grupos para tener en cuenta en el futuro más inmediato.

The Black Evolution Djs: Losada, Salah y David Dj

Losada. Es el gran apóstol del funk y el old school de la ciudad cordobesa. En 1984 tomó contacto con el Funk en sus visitas a Rota (Cádiz) donde se podían escuchar las novedades discográficas Funk editadas en U.S.A, importadas por coleccionistas privados y a la vez soldados de la base militar ubicada en la zona. Desde los 80 está especializado en funk y old school, centrando su colección en los años 1975 - 1984, principalmente.

Salah. inició su andadura a principios de los 90, como b-boy, posteriormente como escritor de graffiti, desde 1994 también como productor y mc junto a Máderik en UTO (Unimos Tus Oídos), profundamente hermanado con los precedentes musicales de la cultura afroamericana y en la creación del Black Lab Sound Studio, dedicando desde entonces el 200% de su esfuerzo a promover la cultura musical africana como objetivo principal de acercamiento al camino del espíritu.

David DJ. comenzó sus sesiones musicales a principios de los 90. Desde la mitad de esa década dio cobijo al rap en sus oídos, atraído por la energía de la magia negra que crecía a su alrededor. Dejó sus cédés en el baúl de los recuerdos para entregarse por completo al preciado vinilo, y convertirse en un valioso embajador de la cultura negra.

Más información:
www.myspace.com/hotpowerfunk
www.cordobafunk.blogspot.com
www.myspace.com/unimostusoidos
www.enlacefunk.com

Para entrevistas con los grupos o Djs:
contacten en enlacefunk@gmail.com

Sesión en Freaktown

2006-02-28T10:21:00.000+01:00

Diseño de Gómez Losada para Freaktown

2006-02-26T01:03:00.000+01:00

TBE

2006-01-13T12:59:00.000+01:00

Diseño de Gómez Losada para Metrópolis
The Black Evolution: salah, david dj, losada, simon emanuel

Funkadelic

2006-01-13T12:03:00.000+01:00

FUNKADELIC
Cosmic slop - 1973
One nation under a groove - 1978
Music for your mother - Funkadelic 45s (doble álbum)
Let´s take it to the stage - 1975
Uncle jam want you - 1979
Tales of kidd funkadelic - 1976
America eats its young - 1972
Funkadelic - 1970
Maggot brain - 1971

Ohio Players

2006-01-04T12:39:00.000+01:00

OHIO PLAYERS
Mr. Mean (ost) - 1978
Honey - 1975
Skin Tight - 1974
Angel - 1977
Jass-ay-lay-dee - 1978
Contradiction - 1976

san francisco 72

2005-12-21T13:34:00.000+01:00

Diseño de Gómez Losada para Scenick Space
josé antonio modelo cine + miguel gómez losada DJ
scenick space córdoba - 21 dic 2005

kurtis blow - discos 1980 - 1988

2005-11-19T19:03:00.000+01:00

KURTIS BLOW
de izquierda a derecha y de arriba a abajo:
Kurtis Blow (lp) 1980
Deuce (lp) 1981
Tough (lp) 1982
Ego Trip (lp) 1984
America (lp) 1985
Kingdom Blow (lp) 1986
Back by popular demand (lp) 1988
Only the strongs survive (maxi) 1988
The Breaks (single) 1980
Rappin´(single) 1980

2005-10-18T16:18:00.000+02:00

Diseño de Gómez Losada para Room
sesión en vinilo / bienvenida a ADAM RODRÍGUEZ, enorme músico de funk, recién llegado de francia. en ROOM (antiguo milenium) Córdoba. miércoles 19. 10. 2005 de 22 a 4h.

zapp

2005-09-03T13:31:00.000+02:00

ROGER TROUTMAN
Nació en Hamilton (Ohio, EE UU). Fue componente del grupo Zapp en el que militaba junto a sus hermanos Larry, Lester y Tony. Magnífico guitarrista, y un maestro de los sintetizadores de voz, más conocidos como vocoder. Muchos de los éxitos de Zapp & Roger, banda formada en 1976, fueron sampleados por artistas hip hop como 2 Pac (o Tupac), Dr. Dre, Kris Kross, Blackstreet, Notorius B.I.G., Ice Cube y Snoop 'Doggy' Dogg. La mañana del 25 de abril de 1999 le alcanzó un disparo cuando iba al estudio de grabación. Varios testigos aseguraron haber visto un hombre negro en un coche abandonando la escena del crimen. Roger murió ese mismo día en el Hospital del Buen Samaritano. Su hermano Larry, componente de Zapp, fue encontrado también asesinado a balazos dentro de su coche, estrellado contra la pared del estudio, en el mismo callejón.

ZAPP l 1980
1. Be Alright
2. Brand New Player
3. Coming Home
4. Freedom
5. Funky Bounce
6. More Bounce To The Ounce

sesión en La mode

2005-09-01T11:04:00.000+02:00

Diseño de Gómez Losada para La Mode

2005-07-29T19:02:00.000+02:00

miguel gómez losada > sesiones jazz funk hip hop > vinilo.
verano 2005:

Le Musiqué (córdoba): miércoles 20 julio
La Amapola (córdoba): jueves 4 de agosto
Arena (córdoba): jueves 25 de agosto
La Mode (córdoba): 1 de septiembre

sesión en Le musiqué

2005-07-20T04:11:00.000+02:00

en representación de The Black Evolution, Losada en Le musiqué (la pérgola, córdoba)
sesión en vinilo: jazzfunk + hiphop
HOY MIÉRCOLES 20 de julio 2005, de 22 a 3h.
sesión musical para escuchar y estar, al aire libre, con brisa entre palmeras.
todo el mundo invitado.

3 Lp´s

2005-05-24T02:02:00.000+02:00

George Duke - Follow the rainbow - 1979
General Caine II Get down attack - 1981
Bootsy´s Rubber Band - Stretchin´ out in - 1976

un saludo Salah

the black panther

2005-03-22T19:44:00.000+01:00

revista semanal The Black Panther
Vol III Nº24, 4 de octubre de 1969
http://www.blackpanther.org/

Sly & The Family Stone

2005-02-24T19:48:00.001+01:00

Sly & The Family Stone - There´s A Riot Goin´ On (Epic 1972)
1. Luv N´Haight
2. Just Like a Baby
3. Poet
4. Family Affair
5. Africa Talks To You "The Asphalt Jungle"
6. Brave & Strong
7. (You Caught Me) Smilin´
8. Time
9. Spaced Cowboy
10. Runnin´ Away
11. Thank You For Talkin´ To Me Africa

Cambio de registro para uno de los mejores discos del siglo XX, la fuerza del rock negro más ácido y amargo, el funk más letal y una tormenta de sonidos como no volvería a escucharse hasta los grandes trabajos de Public Enemy en los años 90. De Woodstock a Watts, como sentenciaron con acierto en la revista Rolling Stone: del paraíso hippy a la mísera realidad de los suburbios negros. No hay salida tras los surcos de este álbum, ni si quiera "Spaced Cowboy" parece una melodía vaquera transmutada al funk: es una broma macabra, el anuncio del desmoronamiento del sueño americano. Sly vuelve la mirada hacia las raíces africanas y tan sólo guarda una mirada compasiva para los desheredados:
"Un niño crece para ser alguien de quien te gustaría aprender, y otro niño crece para ser alguien a quien te gustaría destruir. Mamá los quiere a ambos, es algo que lleva en la sangre. Los dos chicos son buenos para mamá. La sangre es más fuerte que el barro. Es un asunto familiar". (Family Affair)

Luis Lapuente

afrodisia club

2005-02-07T02:22:00.000+01:00

Diseño de Gómez Losada para Afrodisia
próxima sesión de The Black Evolution (salah + david dj + losada) en el club Afrodisia. Granada

Donny Hathaway

2005-01-20T03:08:00.000+01:00

Arif Mardin with Donny Hathaway (1973). This photo was taken for an Aretha Franklin session for "Until You Come Back To Me" where he was playing electric piano.

Si Donny Hathaway (1 de octubre de 1945) se convirtió en estrella del soul, lo debe a sus dúos con Roberta Flack, que fue quien le lanzó a la fama. Curtis Mayfield le contrató como productor para su sello Curtom Records, y después, King Curtis le recomienda para que entre en Atlantic en la triple faceta de compositor, productor e intérprete. tras grabar el álbum -Roberta Flack featuring Donny Hathaway-, el 13 de enero de 1979, muere al caer desde la ventana de un hotel de Nueva York.
fuente: José Ramón Pardo: Grandes mitos del pop

el niño perdido

2005-01-17T04:50:00.000+01:00

Diseño de Gómez Losada para El Niño Perdido

the black evolution

2005-01-10T02:18:00.000+01:00

Diseño de Gómez Losada para El Niño Perdido
The Black Evolution: 3 dj´s en una sesión: salah + david dj + losada
funk, soul, hip hop, jazzfunk, reggae, latin beats. sesiones en vinilo
http://www.fotolog.net/tbe/

miles davis 1926 - 1991

2005-01-04T21:06:00.000+01:00

(...) creo que fue a finales de 1988 cuando Miles Davis comenzó a hablarme de su creciente interés por el rap y el hip-hop. me dijo que había comenzado a escucharlos porque algunos de los miembros más jóvenes de su grupo, como ricky wellman, los tocaban en el autocar cuando iban de gira. Miles afirmaba que al principio no había prestado demasiada atención, pero que había comenzado a gustarle el sonido al conocer a personas como freddie brathwaite (más conocido como fab five freddie), quien era a la vez rapero, discjokey y un artista del grafito callejero. lo había reconocido como una forma nueva, como una innovación, y de pronto había empezado a percibir el nuevo sonido con el corazón y con el cuerpo. (max roach me dijo en cierta ocasión que el hip-hop y el rap representaban -la primera innovación que se había producido en la música norteamericana desde el bebop.-)

(...) el caso es que cuando Miles comenzó a hablarme de aquella música, yo ya llevaba nueve años escuchándola. me dijo que quería hacer un disco mezclando rap y música electrónica con ritmos brasileños y caribeños, especialmente con zouk. en cierta ocasión me contó que iba a hablar con Quincy Jones acerca del proyecto, pero ignoro si llegó a hacerlo alguna vez. Aunque Miles no supiera mucho de raperos, ellos sí que le conocían bien a él. a menudo les oía mencionar su nombre y comentar lo -fuerte- y lo creativo que les parecía, y hasta qué punto era -el amo-.

extraido del libro: Miles y yo, de Quincy Troupe - Circe ediciones. 2001

sly

2005-01-02T04:35:00.000+01:00

Diseño de Gómez Losada para DJKaderas. La Tetería, Úbeda - Jaen

cassius clay - black is best

2005-01-01T09:30:00.000+01:00

cassius clay

2005-01-01T09:25:00.000+01:00

the black evolution. flyer para la mode, córdoba

betty davis

2005-01-01T09:16:00.000+01:00

sí, betty davis... hay una anécdota curiosa: cuentan que miles davis (su marido) se avergonzaba de ella por ser demasiado extravagante; a miles le gustaba frecuentar las reuniones "high society" de nueva york, (en los años 70 miles davis ya era dios) y según él, su esposa no hacía mas que dejarle en evidencia delante de todos.
curiosamente, betty davis le puso los cuernos a miles davis con jimmy hendrix, un tipo más afín a ella.
en los discos de betty davis se detecta la influencia de miles davis y jimmy hendrix juntos. esto, sumado a su talento como vocalista, hacen de ella una referencia indudable en el funk de los 70.

surferrosa

2004-12-30T18:22:00.000+01:00

sesión para el recuerdo en la sala surferrosa, córdoba. adam rodríguez y losada 28.9.2001

La Tetería

2004-12-30T18:04:00.000+01:00

15-5-2004 fiesta de cumpleaños en La Tetería: The Black Evolution (salah, david dj, losada), Partyboy, Djkaderas, aitor A2V, jowen A2V, Calagad13 ...

Dadá

2004-12-30T14:21:00.000+01:00

flyer para dadá, córdoba 9.8.2002

marthin luther king

2004-12-29T05:03:00.000+01:00

the black evolution. flyer para soul

Black Panther rally

2004-12-29T04:58:00.000+01:00

Black Panther rally. The Federal Building, San Francisco May 1, 1969

sello People

2004-12-29T04:54:00.000+01:00

Maceo: Drowing in the sea of love -1974-(Gamble&Huff). este single es una joya de People, el sello que grabó a los JB´S, Fred Wesley, Maceo y aquellos magníficos discos producidos por el padrino: James Brown

6 lp´s

2004-12-29T04:38:00.000+01:00

parliament: mothership connection 1975
ohio players: angel 1977
betty davis: nasty gal 1975
cameo: cameosis 1980
bootsy´s rubber band: ahh... the name is bootsy, baby ! 1977
zapp: zapp I 1980

the last poets

2004-12-29T01:59:00.000+01:00

The Last Poets: Abiodun Oyewole, Umar Bin Hassan and Alafia Pudim. Percussionist Linaja. 1969

listado funk 1

2004-12-28T04:03:00.000+01:00

Listado Funk 1:

AFRIKA BAMBAATAA & THE SOULSONIC FORCE - AVERAGE WHITE BAND - - A TRIBE CALLED QEST - BOHANNON - BABY HUEY & THE BABYSITTERS - BRIDES OF FUNKENSTEIN - BERNIE WORRELL - BOOTSY RUBBER BAND - BOBBY BYRD - BAR-KAYS - BARRY WHITE - BRASS CONSTRUCTION - BRICK - B.T. EXPRESS - - BEGINNING OF THE END - BOOKER T & THE MGS - BROTHERS JOHNSON - BLOWFLY - CAMEO - CHUCK BROWN & THE SOUL SEARCHERS - CHAIRMEN OF THE BOARD - CURTIS MAYFIELD -- CHAMBERS BROTHERS - CHARLES WRIGHT & THE WATTS 103RD ST.RHYTHM BAND - - CHIC - CON FUNK SHUN - - CYMANDE - DAZZ BAND - DE LA SOUL - DON BLACKMAN - DR. DRE - - DIGITAL UNDERGROUND - DYKE AND THE BLAZERS - EARTH, WIND, AND FIRE - EDDIE HAZEL - EPMD - EDWIN BIRDSONG - FUZZY HASKINS - - FUNK INC. - FATBACK BAND -- FRED WESLEY - FAZE O -FUNKADELIC - FELA RANSOME KUTI - GUY - - GEORGE CLINTON - GRAHAM CENTRAL STATION - GAP BAND - GRANDMASTER FLASH & THE FURIOUS 5 - GEORGE DUKE -- HERBIE HANCOCK - HEATWAVE - ICE CUBE - - ISAAC HAYES - - ISLEY BROTHERS - IKE & TINA TURNER - JACKSON 5 -- JUNIE- JIMMY CASTOR BUNCH - JUNGLE BROTHERS - JAMES BROWN - KLYMAXX - KOOL AND THE GANG - LTD – LABELL - LYN COLLINS - LAKESIDE -- MAZE - MANDRILL- MIDNIGHT STARR - MARVA WHITNEY - MANU DIBANGO - MACEO PARKER - - NEW BIRTH-- NWA - -NORMAN WHITFIELD - OHIO PLAYERS-- PARLIAMENT - PEOPLES CHOICE -- PARLET - P FUNK ALL STARS - PUBLIC ENEMY - PRINCE -- PLEASURE - ROGER TROUTMAN - RUN DMC - ROSE ROYCE - - RICK JAMES & THE STONE CITY BAND - RUFUS THOMAS - RUFUS & CHAKA KHAN- - SOS BAND - - SLY & ROBBIE - STEVIE WONDER -- SUGAR HILL GANG- - SKULL SNAPS - SKYY - STANLEY CLARKE - SLAVE - SLY AND THE FAMILY STONE - - STAPLES SINGERS - - STARGARD – TEMPTATIONS - - THE JB'S - TROUBLE FUNK -- THE BLACKBYRDS - THE TIME - - THE COMMODORES - THE SYLVERS -THE FIVE STAIRSTEPS - THE 8TH DAY -THE UNDISPUTED TRUTH -THE METERS -T-CONNECTION - TOWER OF POWER- TEENA MARIE - WILD CHERRY – WAR -- X-CLAN - ZAPP

pequeñoclub

2004-06-12T18:44:00.000+02:00

flyer de gómez losada para pequeñoclub 12.6.2004