tag:blogger.com,1999:blog-98130272024-03-23T18:48:15.972+01:00The Black EvolutionCultura afroamericana desde Córdoba, EspañaMiguel Gómez Losadahttp://www.blogger.com/profile/15195981795257141423noreply@blogger.comBlogger85125tag:blogger.com,1999:blog-9813027.post-20031853657365089282012-03-27T21:11:00.004+02:002012-03-27T21:14:58.578+02:001971, OSCURO Y FRÍO<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: x-small;"></span></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<strong>1971, OSCURO Y FRÍO</strong></div>
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<br /></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-size: x-small;">Publicado originalmente en la edición en papel de EnlaceFunk Nº39</span></div>
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</div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-size: large;"><span style="font-size: small;">Por Miguel Gómez Losada</span>
</span><br />
<span style="color: black; font-size: large;">.</span><br />
<span style="color: black; font-size: large;">.</span></div>
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<span style="font-size: large;"></span></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-size: large;">Queriendo escribir sobre
Jazz se me ha cruzado en el camino el pianista canadiense de música
clásica, Glenn Gould (1932 - 1982), conocido por interpretar de
forma maestra las <i>Variaciones Goldberg </i>de Bach un año antes
de morir. Falleció en otoño, un 4 de octubre, con la llegada del
frío, diciendo amar cualquier territorio cercano al círculo polar,
por contener lo que él llamaba "El espíritu del Norte".
</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-size: large;"><br /></span></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-size: large;">Es comprensible citarle.
Quería escribir del frío porque también amo el frío, y
precisamente 1971 es para mí el año del frío, el más frío de
toda la cultura afroamericana. Siento1971 como un tiempo
introspectivo de espiritualidad y recogimiento. Pienso en 1971 con
ensimismamiento invernal, ese estado de clarividencia que sólo se
nos revela los días de quietud, abrigo, y paisaje. 1972 fue sin
embargo un año de sol, con <i>Superfly, Papa was a rolling stone</i>,
y <i>You are the sunshine of my life</i>. El emblema, o la imagen de
imágenes que ilustra 1971 podría ser la gabardina mojada de Marvin
Gaye en <i>What´s goin´on</i>, su frente lluviosa y la mirada
clavada en el destino. En la canción del álbum <i>Save the children</i>
hay una frase cruda que dice: "Cuando miro la tierra me lleno de
tristeza, los niños pequeños de hoy van a sufrir mañana".
1971 es un año serio, y los discos de este año suenan a
desesperanza, pero a la vez a fuerza contenida, y a vida para
adentro.</span></div>
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<span style="font-size: large;"></span></div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgcdSUeMJnM4cV24Zcwrj8L7hre0GTlHY9nsTIViTrSR3yiLOxjQmb_NU-nsTZJ0FbkUhcWbLW3nkPZPn9K4mmWIq2zlk6KqGcG9EaDBEX3rwa8YTdk0qvdO1XFi6GVXhidKeXa-A/s1600/Stevie+Wonder,+Where+I%C2%B4m+coming+from+(1971).jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgcdSUeMJnM4cV24Zcwrj8L7hre0GTlHY9nsTIViTrSR3yiLOxjQmb_NU-nsTZJ0FbkUhcWbLW3nkPZPn9K4mmWIq2zlk6KqGcG9EaDBEX3rwa8YTdk0qvdO1XFi6GVXhidKeXa-A/s640/Stevie+Wonder,+Where+I%C2%B4m+coming+from+(1971).jpg" width="640" /></a></div>
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</div>
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<br /></div>
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<span style="font-size: large;">Este frío denominador
común en la música negra podría tener su explicación en los
acontecimientos de este año, no olvidemos que en 1971 e<span style="font-family: Arial, sans-serif;">l
</span>sistema monetario entra en crisis al caer el dólar de manera
pronunciada durante 1970-71, por registrar la economía
norteamericana un déficit cercano a los diez mil millones de
dólares. A esta contracción severa habría que sumarle el desastre
de Vietnam, donde en 1971, los americanos tenían abiertos los
frentes de Vietnam del Sur, Camboya y Laos, llegando a enviar antes
de la progresiva retirada, la escalofriante cifra de 541.000
soldados. Este caos tiene su reflejo en la portada de <i>Where I´m
coming from</i>, (1971) el álbum más preocupado y sombrío de
Stevie Wonder, donde aparece vestido de soldado ofreciendo una
galleta de chocolate, como ilustración a modo de ayuda que evidencia
el clima de desesperación. El álbum dice <i>Where I´m coming from</i>
"De donde vengo", con el mismo tono existencial que cuando
Marvin Gaye afirma <i>What´s goin´on</i>, "Lo qué está
pasando", disco influenciado por los tres años que su hermano
pasó en Vietnam, por la droga, por el odio, y por la pobreza. La
canción <i>What´s goin´on </i>comienza así: "Madre, madre,
sois demasiadas las que estáis llorando. Hermano, hermano, hermano,
sois demasiados los que estáis muriendo", y en <i>Mercy, mercy
me</i>, pregunta "¿Dónde se fueron todos esos cielos azules?"
para sentenciar seguido: "El veneno es el viento que sopla desde
el norte". Además, en 1971 el color de la piel todavía
importaba demasiado.</span></div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhGe8hV6zyCb8o_YT2H1VBsG3dAa8pWJ__xr6EeNCMGmO7HgW3RlboPqlpjrVyuIrcyy59F1iT8HJiV0KMlaKiqnsCnvWZd7UVrGIxbVOfSd4afsJcSvCy_z9cJBktK1d2yuA70IQ/s1600/Herbie+Hancock+en+1971.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhGe8hV6zyCb8o_YT2H1VBsG3dAa8pWJ__xr6EeNCMGmO7HgW3RlboPqlpjrVyuIrcyy59F1iT8HJiV0KMlaKiqnsCnvWZd7UVrGIxbVOfSd4afsJcSvCy_z9cJBktK1d2yuA70IQ/s640/Herbie+Hancock+en+1971.jpg" width="638" /></a></div>
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</div>
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<br /></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-size: large;">Quizá el arte sea la
manifestación que moldea la identidad del espíritu, el charco
donde mirarse, y el ingrediente necesario para sublimar y comprender
nuestra personalidad. Es en la música o en la pintura donde me
comprendo, donde sé quién soy. El arte no es sólo un asunto de
placer o de evasión, es donde tomo conciencia de mi naturaleza.
Basta un disco lluvioso para activar los síntomas lluviosos del
ánimo, o viceversa, basta ser propenso a "ese Espíritu del
Norte" para necesitar encontrar esta emoción en todas las
músicas, en todos los cuadros.</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-size: large;">En 1971, Herbie Hancock
graba el oscuro, húmedo y subterráneo <i>Mwandishi</i>, un álbum
de Jazz abstracto que pone los pelos de punta. Es música de la
caverna. Este disco va más allá de la instrospección y del
recogimiento. El tema <i>Wandering spirit song, </i><span style="font-style: normal;">que
dura más de 21 minutos,</span> es directamente siniestro. Es música
para el purgatorio, es el sonido de la oscuridad. Escucharlo con la
luz apagada da miedo, y en sus pasajes atmosféricos provoca una
experiencia sobrenatural.
</span></div>
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</div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhTRuLzqZR1KwZjh3d1soK2mGovrrfD9P2WTgq7K2lklpe7reJN6EsA8QSgD1Wbr553jmStzBmUXREEdgSHgLryuEcQf13XsmIA-3HpgYNmz8YnPE_uY5DV37loFFcTTi8Dvgg9Rw/s1600/Harold+Alexander,+Sunshine+man+(1971).jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhTRuLzqZR1KwZjh3d1soK2mGovrrfD9P2WTgq7K2lklpe7reJN6EsA8QSgD1Wbr553jmStzBmUXREEdgSHgLryuEcQf13XsmIA-3HpgYNmz8YnPE_uY5DV37loFFcTTi8Dvgg9Rw/s640/Harold+Alexander,+Sunshine+man+(1971).jpg" width="640" /></a></div>
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</div>
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<br /></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-size: large;">Algo de luz al fondo
supone el impresionante <i>Aquilla</i>, dentro del álbum <i>Sunshine
Man</i> (1971) del flautista Harold Alexander, donde el instrumento
hace honor al viento, con evocación a montañas cambiantes por las
nieblas y las lluvias que se suceden. Este invierno vital continúa
en el año más frío de Kool & The Gang, también 1971, con dos
álbumes grabados en directo, de portadas oscuras, sólamente
iluminadas con algún reflejo de focos y metales en la fotografía
del escenario. Tanto en <i>Kool & The Gang, Live at the Sex
Machine</i>, (grabado el 10 de febrero de 1971), como en <i>Live and
the P.J.´S </i>, (grabado el 21 de mayo de 1971), tocan su
repertorio 1969 - 1971, y no sé si estoy influenciado por las
portadas oscuras o por el sonido robusto que caracteriza esta etapa
del grupo, ese Funk de cabaña, pero escucho estos directos
imaginando un bosque nocturno, con el temor que nace donde la hoguera
no llega con su luz y comienza la sombra, la noche cerrada y las
presencias ocultas.</span></div>
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</div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjLs13RcgnSLT_iK82T7-clfpUDsARBvjjVSEnwNdrmdC69VIdjhwGLDHB2Si-W4mK4zMr-tuPs14noCskTBmWkCQFGO6LOiiEVtG-H4K2V7CQ6eqWCqjih8aRHhyK3zjNHequ2QQ/s1600/Kool+an+the+Gang,+Live+at+the+Sex+Machine+(1971).jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjLs13RcgnSLT_iK82T7-clfpUDsARBvjjVSEnwNdrmdC69VIdjhwGLDHB2Si-W4mK4zMr-tuPs14noCskTBmWkCQFGO6LOiiEVtG-H4K2V7CQ6eqWCqjih8aRHhyK3zjNHequ2QQ/s640/Kool+an+the+Gang,+Live+at+the+Sex+Machine+(1971).jpg" width="640" /></a></div>
<br />
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-size: large;">Para seguir disfrutando
de este último invierno afroamericano hay que escuchar también los
discos de Black Jazz Records, sello que nace en 1971, quizá
recuperando el underground perdido de Blue Note, grabando a Doug
Carn, Gene Rusell, o Walter Bishop Jr. entre otros. Las portadas en
blanco y negro se corresponden con el sonido que contienen. No hay
color, no hay alegría, es nuevamente El espíritu del Norte.</span>
</div>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiH8jOL7f8hr7yNXXysoEHt7DQ6YJsGnD_zYDjP-fPTlbrKenATVvEK_2kcvHdXnxlYl1Okfaaf5utHJfIe1FVSxDVWtLtDEqnU0Y47H_P1rvvSiGU6qqHDD9PdG__wIh0UXEemHw/s1600/Kool+and+the+Gang,+Live+at+P.J.%C2%B4S+(1971).jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="627" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiH8jOL7f8hr7yNXXysoEHt7DQ6YJsGnD_zYDjP-fPTlbrKenATVvEK_2kcvHdXnxlYl1Okfaaf5utHJfIe1FVSxDVWtLtDEqnU0Y47H_P1rvvSiGU6qqHDD9PdG__wIh0UXEemHw/s640/Kool+and+the+Gang,+Live+at+P.J.%C2%B4S+(1971).jpg" width="640" /></a></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<br />
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-size: large;">Pero no hay oscuridad
para siempre, la vida es alternancia. Entiendo <i>There´s a riot
goin´on</i> como el comienzo del deshielo, donde podría decirse que
la voz de Sly es el cante jondo del Soul; y por supuesto los JB´s,
con su nueva definición del ritmo, donde los vientos, estilo "el
elefante que se revela contra su domador", hacen desaparecer
cualquier signo invernal. Curiosamente un año después Kool &
The Gang graban <i>Music is the message</i>, con la portada azul
cielo, donde las letras esculpidas en hielo empiezan a derretirse.
Incluso <i>Shaft </i><span style="font-style: normal;">(1971)</span>,
a oscuras y con la tipografía cuadrada y de color morado, da paso a
Superfly (1972), con el logo sensual, rojo y amarillo. Detrás
aparece Curtis Mayfield con la expresión anaranjada. En su frente no
hay lluvia, ha salido el sol.</span></div>
</div>Miguel Gómez Losadahttp://www.blogger.com/profile/15195981795257141423noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-9813027.post-68936874472146223322011-12-23T11:13:00.003+01:002013-06-15T17:39:06.119+02:00PYRAMID – The Cannonball Adderley Quintet<br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://2.bp.blogspot.com/-esEJa0FOPbE/TvRT6uCXVAI/AAAAAAAAIT0/ZQGRj8lTVvk/s1600/P1160030a.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; cssfloat: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="640" rea="true" src="http://2.bp.blogspot.com/-esEJa0FOPbE/TvRT6uCXVAI/AAAAAAAAIT0/ZQGRj8lTVvk/s640/P1160030a.jpg" width="640" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><div align="justify">
<br /></div>
<div align="justify">
<br /></div>
<div align="justify">
<br /></div>
<div align="justify">
<span style="font-size: small;"><strong>PYRAMID</strong> (Fantasy 1974) – <strong>The Cannonball Adderley Quintet</strong></span></div>
<span style="font-size: small;"></span><br />
<div align="justify">
<span style="background-color: black; color: #666666; font-size: small;">Por Miguel Gómez Losada</span></div>
<span style="color: #cccccc; font-size: small;"></span><br />
<div align="justify">
<span style="color: #cccccc; font-size: small;">Publicado originalmente en la edición en papel de la revista <a href="http://www.enlacefunk.com/" target="_blank">EnlaceFunk </a>nº38</span></div>
<span style="font-size: small;"></span><br />
<div align="justify">
<span style="font-size: large;">Según el diccionario de símbolos de Juan Eduardo Cirlot, la pirámide está asociada a la Gran Madre, en tanto que es montaña hueca que alberga, es morada de los antepasados y monumento de tierra. Enseguida pensé en la complexión generosa de Cannonball Adderley, que aun siendo hombre, tiene ese aire de madre protectora que todo lo puede. Así se le ve por ejemplo en el capítulo Battle Hymn de la serie Kung Fu (</span><a href="http://youtu.be/XfTgQYon-RA"><span style="font-size: large;">http://youtu.be/XfTgQYon-RA</span></a><span style="font-size: large;">), emitido por primera vez el 2. 2. 1975, donde aparece tocando el saxo en la puerta de una choza junto a David Carradine y José Feliciano. Cannonball es grande y gordo, y así es su música, grande y gorda. Es una efigie donde resguardarse de las inclemencias sentimentales. </span><br />
<span style="font-size: large;"><br /></span><br />
<span style="font-size: large;">Pyramid es un magnífico álbum de JazzFunk. Si te sabes de memoria Headhunters de Herbie Hancock, te cuesta asimilar el derroche de improvisación en la etapa 1969 – 1975 de Miles Davis, y consideras que las melodías vocales de George Duke tienen demasiada azúcar, Pyramid de Cannonball es tu disco. Destacaría el tema que da título al álbum, que es pisada de elefante, o pisada de Cannonball, que es lo mismo; también la Suite Cannon en tres partes, como un vuelo por encima del Jazz, el Blues y la nostalgia de África; y Phases, con velocidad instrumental. Pyramid es un disco sobrio con empaque, rico en matices y fácil de oir. Es el sonido del sello Fantasy. Cannonball Adderley Quintet son: Julian Cannonball Adderley - Saxo alto y soprano, Nat Adderley – Corneta, Hal Galper – Piano eléctrico, Walter Booker – Bajo, Roy McCurdy – Batería; y George Duke como invitado, aportando sus inconfundibles atmósferas con el sintetizador.</span></div>
</td></tr>
<span style="font-size: large;">
</span></tbody></table>
<span style="font-size: large;"><br /></span>Miguel Gómez Losadahttp://www.blogger.com/profile/15195981795257141423noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-9813027.post-81700133978405851322011-12-23T10:25:00.000+01:002014-11-12T13:32:24.949+01:00<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" src="http://www.youtube.com/embed/ZQxkovxDsOU" width="560"></iframe><br />
<div style="margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<span style="font-size: large;"></span><br />
<blockquote class="tr_bq">
<div align="left" style="margin-bottom: 0cm; text-align: left;">
<span style="font-size: large;">Desde Operación Triunfo hay mil motivos para lamentarse del panorama musical en las radios y televisiones españolas, aun así hemos ganado amplitud de escuchas, y madurado. Recuerdo que en 1983 era difícil compartir a Grandmaster Flash & The Furious Five en un entorno pop rock y en una movida madrileña casi unidireccional. Pero esto es pasado. Parece que el FUNK y el RAP ya no será música mal oída por la modernidad, logrando el respeto que se merece y sonando para quedarse. Así lo propone Lacoste.</span></div>
</blockquote>
Miguel Gómez Losadahttp://www.blogger.com/profile/15195981795257141423noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-9813027.post-11009767352379284112011-04-26T20:19:00.017+02:002011-04-27T08:07:30.317+02:00Loose Ends<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiY7nsfCujTsDK0CuK-2V3OybseZIDyz3iPqbZsBqBBKPD-tbW_ZjFSEIB2KNEvSUSXWpx69cAzupV4X4394L3KC_8fFwLvZB0ZnRzVLgNFo0FK6Qs-ZmF7-BAI8NimhGBq3LHX1g/s1600/Zagora%252C+en+medio+de+ninguna+parte.jpg"><img style="WIDTH: 400px; HEIGHT: 340px; CURSOR: hand" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5599979605826881938" border="0" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiY7nsfCujTsDK0CuK-2V3OybseZIDyz3iPqbZsBqBBKPD-tbW_ZjFSEIB2KNEvSUSXWpx69cAzupV4X4394L3KC_8fFwLvZB0ZnRzVLgNFo0FK6Qs-ZmF7-BAI8NimhGBq3LHX1g/s400/Zagora%252C+en+medio+de+ninguna+parte.jpg" /></a><br /><br /><div align="justify"><span style="font-family:arial;font-size:85%;">Loose Ends: Carl McIntosh, Jane Eugene, y Steve Nichol, en 1986</span><br /><br /><span style="font-size:130%;"><span style="font-family:arial;"><strong>INFORME LOOSE ENDS <span style="font-size:100%;">- </span></strong><span style="font-size:100%;">Pioneros del Soul inglés.</span><br /><br /><span style="font-size:100%;">Por </span><a href="http://gomezlosada.blogspot.com/"><span style="font-size:100%;">Miguel Gómez Losada</span></a><span style="font-size:100%;">. </span></span></span></div><br /><br /><div align="justify"><span style="font-family:arial;">Publicado originalmente en la edición en papel de la Revista EnlaceFunk Nº36</span><span style="font-family:arial;font-size:130%;"><span style="font-size:100%;"><br /><br /></span>He llegado a esta conclusión: Para hacer algo sobresaliente hay que tener tres cosas fundamentales: 1- <em>Mismidad</em> [conocimiento de nuestro valor propio]. 2- <em>Confianza</em> [serenidad, uno lo va a hacer bien]. 3- <em>Obstinación</em> [tener principios de donde partir, e ideales donde llegar; imaginar el mejor resultado, seguido de afán por conseguirlo y esfuerzo mantenido en el tiempo, sabiendo incorporar novedades sin pervertir la idea primera].<br /><br />Este pensamiento nació delante del cuadro Juana la Loca, de Fernando Pradilla, que está en El Prado. Es una pintura soberbia, -óleo sobre lienzo, 340 x 500 cm-, y representa el traslado del ataúd de Felipe el Hermoso, guiado por su esposa Juana I de Castilla, La Loca, atravesando un paisaje invernal. Han parado a descansar pero ella sigue de pie. Está embarazada. Tiene la mirada ida. El séquito aguarda detrás de la hoguera, y el humo racheado se une al cielo. Hace frío, quizá diciembre, el campo pelado, barro, sólo tres árboles secos. A lo lejos el convento en medio de la nada. </span></div><br /><div align="justify"><span style="font-family:Arial;font-size:130%;"></span><br /><span style="font-family:arial;font-size:130%;">El cuadro es de una ejecución impecable, y la relación dibujo/ línea/ pintura/ carnalidad, obedece a un pintor maestro -con determinación y sentimiento-, que supo recrear para la vista el hecho histórico, escenificarlo en una tela, y hacer creíble el drama. </span></div><br /><div align="justify"><span style="font-family:Arial;font-size:130%;"></span><br /><span style="font-family:arial;font-size:130%;">Para hacer esto es necesario mismidad, que la entiendo como la esencia invariable desde el dátil a la palmera, lo que guía al elefante hasta su cementerio, y a la carpa entre las rocas y los juncos, río abajo. La mismidad es la confianza del albatros cuando se lanza desde el acantilado, intuyendo la relación de corrientes de aire cálido sobre el océano. </span><span style="font-family:arial;"><br /></div></span><span style="font-family:arial;"><br /><div align="justify"></span></div><span style="font-family:arial;"><br /><span style="font-size:130%;">Cuando veo un trabajo logrado pienso que el autor sabía su mismidad. Confiaba en ella. Cuenta la leyenda que un monje ciego era capaz de despiezar un buey entero, anticipándose a cada hueso sin rozar ninguno, girando el sable –de forma musical- por entre la musculatura del animal. Es lo que llamamos seguridad, clarividencia: tenerlo claro. Creo que debe haber algo cósmico en todo esto. No es fácil de razonar. </span></span><br /><br /><div><br /><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgXpkt5kPYZ_KwqqHA2Vusniu4r42vViLDyWH5NdtCh56ECj4T1zDUhBXJP1gXC8QNP2htbNcJMYFFd9XAJIKPMasNeaX8sTseO5kz8J6iYbUCNLbjbXensaNHdkiD0a0wBAQ3aeA/s1600/Loose+Ends+en+1985.jpg"></a><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhL2V_2R_RsuiupGHJ2AAGY2zkwncqDMp-zyhyXixpG2RkHCxDrxWeqtbJUiC2pdp9ddDHWSm_Gkq0haloZp9OmyF7i2LHdUSXbADcBEQ64ziLPOCvya1m2Uvw95kYm8olWlmDSBg/s1600/Revista+brit%25C3%25A1nica+Blues+%2526+Soul+428.jpg"><img style="WIDTH: 299px; HEIGHT: 400px; CURSOR: hand" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5599980887763108194" border="0" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhL2V_2R_RsuiupGHJ2AAGY2zkwncqDMp-zyhyXixpG2RkHCxDrxWeqtbJUiC2pdp9ddDHWSm_Gkq0haloZp9OmyF7i2LHdUSXbADcBEQ64ziLPOCvya1m2Uvw95kYm8olWlmDSBg/s400/Revista+brit%25C3%25A1nica+Blues+%2526+Soul+428.jpg" /></a></div><span style="font-family:arial;"><span style="font-size:85%;">Blues & Soul Nº 428</span> </span><br /><br /><div align="justify"><br /><span style="font-family:arial;font-size:130%;">Esta mismidad –secreto del arte-, me llevó enseguida a pensar en la música, como el recorrido de Loose Ends entre 1983 y 1986: tres años de Loosendeidad. Fueron el mejor grupo de Soul británico de los 80. Me explico. Entiendo por grupo una formación que no subordina la banda a la voz principal, como sí haría Sade, el otro gran nombre propio esos años en el Reino Unido. Un grupo transfiere su personalidad a la base rítmica, al lenguaje instrumental. Loose Ends es electrosoul vocal de inspiración jazzística. </span></div><br /><div align="justify"><span style="font-family:Arial;font-size:130%;"></span><br /><span style="font-family:arial;font-size:130%;">Además significaron una coyuntura en la escena británica. Nacieron en el declive de formaciones como Linx, o Light of the World, desarrollando su carrera antes de Soul ll Soul, y antes del nacimiento de Acid Jazz Records y Talkin´ Loud, sellos que revitalizaron el SoulFunk inglés con nombres propios como Omar o Galliano. Loose Ends fue el último grupo de Soul británico anterior a las revisiones funkies y a los samplers. Hay que recordar que la explosión de Soul ll Soul en la escena de baile se debió a la contundencia de su base rítmica, más que a la riqueza de sus melodías o personalidad vocal de Jazzie B o Careen Wheeler. La chispa de éxitos como Back To Life, Keep on Movin´, Jazzie´s Groove, o Get a Life –casi todo el andamiaje rítmico del grupo- se encendía desde el poderoso break inicial de batería en Dancing Room Only [1979], de Harvey Scales, que es una derivación a su vez del break que contiene Ashley´s Roachclip [1974] de Soul Searchers, en el minuto 3:30”. Por otro lado, grupos británicos como Simple Red, Swing Out Sister, o Curiosity Killed The Cat -de nacimiento posterior a Loose Ends -, eligieron un camino más cercano al Pop, dejando así a Loose Ends como grupo SoulFunk del Reino Unido por excelencia. </span><span style="font-family:arial;"></div></span><span style="font-family:arial;"><br /><div align="justify"></span></div><br /><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgpyLuxZ82hvt3YBRJbfkIE56Ho1B67aDdBWeUF75336PelwogZs1eOdedtNrGscUk2zArWR88LPg-ftGL41OMI-IplM29S8MGq6zx2M2YnXBNyiNkYTc0TBFLt1fOziJDzusyGPQ/s1600/A+little+spice_lp1983.jpg"><img style="WIDTH: 400px; HEIGHT: 400px; CURSOR: hand" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5599968279256866978" border="0" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgpyLuxZ82hvt3YBRJbfkIE56Ho1B67aDdBWeUF75336PelwogZs1eOdedtNrGscUk2zArWR88LPg-ftGL41OMI-IplM29S8MGq6zx2M2YnXBNyiNkYTc0TBFLt1fOziJDzusyGPQ/s400/A+little+spice_lp1983.jpg" /></a><br /><br /><div align="justify"><span style="font-family:arial;font-size:85%;">A little spice [1983]</span> </div><br /><div align="justify"><br /><span style="font-family:arial;font-size:130%;">La formación Loose End lanzó en 1981-82 dos singles, su primer material: In the sky, y We´ve arrived, producidos por Chris & Eddie Amoo, los líderes de la banda británica The Real Thing. En 1983 cambiaron el nombre de la banda añadiéndole una –s- Loose Ends, publicando el single Don't hold back your love, que incluía en la Cara B No stranger to darkness, escritas y producidas ya por el grupo, y aunque tenían un sonido con buena factura discosoul, el trío aún no conduce su mismidad. El grupo comienza realmente con A little spice, su álbum debut en 1984, con Virgin Records [Loose Ends fue la primera banda con todos sus componentes negros que fichó el sello]. Temas rápidos como Tell me what you want o Dial 999 dan fe del potencial de la banda -Funk siendo Soul-, que en estas dos piezas enseñan ya la facilidad para las melodías múltiples -jugosas en acordes paisajísticos-, sostenidas por una actitud rítmica que les definen como gran banda de Soul de los ochenta. </span><br /></div><br /><br /><br /><div><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjTGg_l2Xv0Juk2V_7jraF37NeCzWdoH-Hi37OcGSzim5Q6Pu1xtHTjRP8EhqQlQu1OHixMFc1KFQ60OagN2EUtlKB733lA-4mbFqq4NiqjjWUr-5OzXfTjTfL6UNnlcbtHnjXB-A/s1600/Loose+Ends_Carl+McIntosh%252C+Jane+Eugene%252C+Steve+Nichol%252C+1986+fotogrande.jpg"><img style="WIDTH: 400px; HEIGHT: 291px; CURSOR: hand" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5599976012079374402" border="0" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjTGg_l2Xv0Juk2V_7jraF37NeCzWdoH-Hi37OcGSzim5Q6Pu1xtHTjRP8EhqQlQu1OHixMFc1KFQ60OagN2EUtlKB733lA-4mbFqq4NiqjjWUr-5OzXfTjTfL6UNnlcbtHnjXB-A/s400/Loose+Ends_Carl+McIntosh%252C+Jane+Eugene%252C+Steve+Nichol%252C+1986+fotogrande.jpg" /></a><br /></div><br /><br /><br /><div><span style="font-family:arial;font-size:130%;">Parte de la responsabilidad de este sonido se le debe a Nick Martinelli, productor americano formado bajo el amparo de Motown, que catapultó su prestigio produciendo y participando en el sonido de los primeros cuatro álbumes de Loose Ends. Sólo hay que comparar el sonido de Loose Ends con el otro grupo británico I Level, su contemporáneo, también de Virgin, para darnos cuenta de la Loosendeidad. Feel so right es el tema que más me gusta del disco, música para soñar. Es un medio tiempo sensual con la batería marcada, estribillos al oído y pellizcos dulces de guitarra, que imagino como canción de cabecera para nuestros Presuntos Implicados, trío español con voz femenina principal, como Loose Ends. Music takes my higher y Choose me, van en la misma línea. Coros de condición amable, en el sentido positivo de la palabra, que te arropan como una madre a su pequeño, al deshacer la cama por un mal sueño. A little Spice titula y cierra el álbum, a modo de BossaFunk casi instrumental, para sonorizar escenas nocturnas de paseo marítimo: -umbral entre la ciudad y el océano, con poética visual de hotel y playa-. </span><br /></div><br /><br /><div align="justify"><span style="font-family:arial;font-size:130%;">Todas las melodías del álbum y de los dos siguientes son pegadizas –o mejor, recordables-, a la vez que complejas, cosa difícil y meritosa. El álbum no tiene un tema claro para pinchar a hora punta, aunque sabemos que este detalle no determina la calidad de un trabajo musical. En la portada aparecen los tres, Jane Eugene, Carl “Macca” McIntosh, y Steve Nichol, -fundador del grupo-, vestidos de rojo y ocre, con una pirámide como única escenografía, primera evocación desértica de la banda. El álbum tiene un encantador afán demostrativo, característica de los artistas que empiezan, que en algunos pasajes roza el virtuosismo instrumental. Para un primer álbum quizá tenga que ser así: los artistas jóvenes ponen en un mismo trabajo todos sus recursos, que en la madurez quitan. El disco es mi vinilo Nº3, comprado en los Electrodomésticos Sánchez de Granada, en 1988, que guardo como fetiche de estudiante. </span></div><br /><div align="justify"><br /><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjNjcaGWbK2NA7IXxQSW7WzlEIn8gDLPvArdq6rj9vKa4jYLii-8ES3KMf3a2fQ1qHDgACn4JT97HWUiel87JyWgYxZUR5yyk6Lmt6l2Fxzowef2naGoyAzVgy7kDJ_HrNCMFxEYQ/s1600/So+where+are+you%252C+Lp+1985.jpg"><img style="WIDTH: 400px; HEIGHT: 400px; CURSOR: hand" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5599971103207827954" border="0" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjNjcaGWbK2NA7IXxQSW7WzlEIn8gDLPvArdq6rj9vKa4jYLii-8ES3KMf3a2fQ1qHDgACn4JT97HWUiel87JyWgYxZUR5yyk6Lmt6l2Fxzowef2naGoyAzVgy7kDJ_HrNCMFxEYQ/s400/So+where+are+you%252C+Lp+1985.jpg" /></a></div><br /><div align="justify"><span style="font-family:arial;font-size:85%;">So where are you [1985]</span> </div><br /><div align="justify"><br /><span style="font-family:arial;font-size:130%;">En So where are you [1985] el grupo sosiega su ímpetu inicial y alcanza la primera cota de su mismidad. El álbum tiene serenidad, como la del arquero cuando apunta, seguro de poder hacer diana. Contiene uno de los tres hits de la banda: Hangin´on a string [contemplating] equidistante entre S.O.S Band y Mtume. No exagero. El tema fue elegido para inaugurar el SoulTrain de la televisión británica; tiene la contundencia de Juicy fruit de Mtume, y Just he way you like it, de S.O.S Band, con un paisaje semejante al desarrollo instrumental de She´s Strange, de Cameo; con lo cual estoy afirmando que Loose Ends –grupo inglés de los ochenta- es una estrella en primer plano de la constelación negra. En la entrevista que concedió el grupo en marzo de 1985 a la revista británica Blues & Soul [Nº428], se reconocían entusiastas de Mtume, Kashif, Phyllis Hyman o Eugene Wilde, a quien veían tocar en el Club The Library, de Philadelphia, ciudad donde residía su productor Nick Martinelli. Tal era la amistad y afinidad profesional, que Steve Nichol se refería a él como el cuarto miembro de Loose Ends. </span></div><br /><div align="justify"><span style="font-family:Arial;font-size:130%;"></span><span style="font-family:arial;font-size:130%;"><br />El resto del álbum navega entre melodías sentimentales, por ejemplo You can´t stop the rain [que recuerda de nuevo la base rítmica de la posterior Alma de Blues, de Presuntos Implicados]. Medios tiempos sinuosos, muy bellos, como The sweetets pain, compuesta por el maestro Dexter Wansel, conductor de los teclados atmosféricos de todo el disco; razón extra para comprarlo-. Y So where are you, preciosa, sin más adjetivos. El disco tiene un misterio para mí, contiene una versión de Golden years, original de David Bowie, y confieso que aunque Loose Ends la trae a su terreno, y al oído resulta correcta, me molesta. Al margen de esta espina, el concepto de la imagen del grupo comienza a mirar a África. Hasta la disgregación de la banda en1989, todos sus álbumes y casi todos los maxis tienen como escenografía natural el desierto, rincones selváticos o playas salvajes, quizá para explicitar una genealogía directa Londres – Afroamérica - África. A Jane Eugene es frecuente verla con un pañuelo en el pelo, como evocación musulmana, y a Carl McIntosh con camisa estampada de indudable inspiración africana. En la portada de So where are you descansan en un interior, que aunque a color, recuerda el Café de Rick de la película Casablanca, que recrea la ciudad marroquí. En este álbum inauguran logotipo geométrico, estilo Malevich. </span><br /><br /></div><br /><div align="justify"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh1lq2eLgIpIIRkCR_Qn0MwOByltseLs05ES3o6pbz0H3e7Mv3fPkGEgtx7aNa-kBwc8MJMZMDs2gErEjzW7BWrax_SY_fpcSfbZy0lF7Tjm03c58qk9UIaPAjIOQV9-mGOm7b4-A/s1600/Zagora%252C+lp+1986.jpg"><img style="WIDTH: 400px; HEIGHT: 400px; CURSOR: hand" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5599972133031284914" border="0" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh1lq2eLgIpIIRkCR_Qn0MwOByltseLs05ES3o6pbz0H3e7Mv3fPkGEgtx7aNa-kBwc8MJMZMDs2gErEjzW7BWrax_SY_fpcSfbZy0lF7Tjm03c58qk9UIaPAjIOQV9-mGOm7b4-A/s400/Zagora%252C+lp+1986.jpg" /></a><br /><span style="font-family:arial;font-size:85%;">Zagora [1986]</span> </div><br /><div align="justify"><br /><span style="font-family:arial;font-size:130%;">Y llegamos a Zagora, su mejor disco, grabado en 1986. Contiene los otros dos éxitos del grupo. Stay a little while, child, y Slow down, delicia de raperos y pinchadiscos de medios tiempos apaisados. Descubrí a Loose Ends en una cinta que me grabó Pepe, nunca supe su apellido, discjockey de la Discoteca Pomelo en Fuengirola, en el verano del 86, que el año anterior lo fue de la Discoteca Picapiedra, en Carvajal. Mientras mis conocidos modernos iban a Pink a bailar U2, mi amigo Ángel Ventura y yo íbamos a Pomelo a por alimento Funk. Esa cinta viajó con nosotros de Fuengirola a Jerez, donde la escuchamos una y otra vez en una habitación con literas de un campo de trabajo arqueológico. Stay a little while, child será para siempre la música de aquel verano. </span><br /></div><br /><div align="justify"><span style="font-family:arial;font-size:130%;">La semana pasada cogí un tren a Fuengirola, fui a ver qué quedaba de la Discoteca Pomelo. Necesitaba revivir, comprobar si había restos en la pared del luminoso, algún rastro de la entrada situada en la planta baja de la urbanización Perla 3, algo que me reactivara sentimientos dormidos. Encontré en su lugar un chino [Todo a 100, para entendernos]. No quedaba nada de la discoteca salvo un ornamento azul en la puerta, -que me atizó la emoción como un latigazo, de los que gustan- sepultado por un batiburrillo de colchonetas multicolor y barcas de goma colgadas de la pared. Le hice foto por supuesto.</span></div><br /><div align="justify"><span style="font-family:Arial;font-size:130%;"></span><br /></div><br /><div align="justify"><span style="font-family:arial;font-size:130%;">Stay a little while, child comienza con una intro arabeizante, como esa música de película que anticipa la llegada del sultán; y luego una base perfecta, -para qué más calificativos en cuanto a la programación rítmica, si es así-, que en el maxi se multiplica. Como siempre, la canción es rica en lejanías, sintetizadores alargados y punteos con eco, para sugerir el crepúsculo desde lo alto de una duna. El disco vuelve a estar sembrado de vegetación jazzística, momentos de electrofunk seductor, y la voz personalísima de Jane Eugene. </span></div><br /><div align="justify"><span style="font-family:Arial;font-size:130%;"></span><br /></div><br /><div align="justify"><span style="font-family:arial;font-size:130%;">Zagora es su mejor disco, la cumbre de Loose Ends y su mismidad. Night of pleasure es un medio tiempo sensual, en la línea de Slow Down, que evoca sin querer Bagdag: jardines oscuros, noche rasa, princesas descalzas, y estrellas. Se cierra el álbum con un tema que son dos, Rainbow, -Bossa-, y Take a train, Jazz, propio de un musical, de nuevo como demostración del vituosismo instrumental. El dossier de prensa del álbum explicaba el significado de Zagora: “The car breaks down, they are out of water, lost and in the distance they can hear the faint crack of gun shots. The gun shots comes from a tribe of nomads, who give the water and send them in the direction of a nearby village, called "Zagora"...a real paradise in the middle of nowhere.” Un paraíso real en medio de la nada. </span><br /><br /></div><br /><div><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgC6AA50MGB43OG2rT3ZJp9LB-fQMWDBYVBn36u8y3Unrwg-kfFZK_2CSpgUpcmAjM-4gxV_ghOFpIPR7n33uU_aPquWcEwIcY4GwlF6GT8yRAPxC414zwWKc2H9inVSnHLvbP7Lg/s1600/Stay+a+little+while%252C+child+12+single%252Cfotogrande.jpg"><img style="WIDTH: 400px; HEIGHT: 400px; CURSOR: hand" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5599974605975398850" border="0" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgC6AA50MGB43OG2rT3ZJp9LB-fQMWDBYVBn36u8y3Unrwg-kfFZK_2CSpgUpcmAjM-4gxV_ghOFpIPR7n33uU_aPquWcEwIcY4GwlF6GT8yRAPxC414zwWKc2H9inVSnHLvbP7Lg/s400/Stay+a+little+while%252C+child+12+single%252Cfotogrande.jpg" /></a><br /><span style="font-size:85%;"><span style="font-family:arial;">Stay a little way, child [12"] </span></span></div><br /><div><span style="font-family:Arial;font-size:85%;"></span><br /><span style="font-family:arial;font-size:130%;">Y antes de Real Chuckeeboo, su siguiente elepé, insisto en esta relación: Mtume, S.O.S Band, Loose Ends. De hecho, Nick Martinelli produjo también para Five Star o 52nd Street, pero con Loose Ends formó un sintagma; la pareja ideal, ejemplo de amor, ejemplo de ElectroSoul. </span></div><br /><div><br /><span style="font-family:arial;font-size:130%;">Real Chuckeeboo es el principio del declive. Un álbum más duro, más Funk, pero de 1988, cosecha que a mi gusto no ha resistido bien el tiempo por la endeblez del sonido de la batería, que pocos grupos supieron mantener con vigor. Me quedo con los discos anteriores. El álbum se acerca -por fecha- al fin de la coyuntura de la música negra británica, -en este año cambia el ciclo y las maneras, abriéndose paso el AcidJazz-. </span><br /><br /></div><br /><div><span style="font-family:arial;font-size:130%;">La trayectoria de Loose Ends me recuerda esa imagen del ciclista que inicia la escapada en solitario, siendo alcanzado por el pelotón justo antes de llegar a la meta. El grupo británico Brand New Heavies es deudor del concepto melódico de Loose Ends –ese talante simpático-. Pero ya sabemos que los eslabones de la cadena cultural se engarzan así. En el arte va implícita la transferencia del conocimiento. En Real Chuckeboo se nota además la influencia de Cameo, en temas como Life, y sobretodo Remote Control, donde Carl McInstosh nasaliza la voz como Larry Blackmon –ver Informe Cameo, Enlacefunk Nº28-. Contaron con otro de los grandes, Leon Ware, que produjo Easier said that done [es más fácil decir que hacer, ahí queda esa verdad], con un sonido alejado ya de las producciones para Minnie Riperton o Marvin Gaye, que no consiguió hacer brillar al disco. Tampoco los tres temas unidos de la Cara A que confluyen en el título del álbum: a) Tomorrow b) Mr. Bachelor c) You´ve just got to have it all que aun siendo de baile no funcionan. Sin embargo, lo mejor de esta hornada son los temas del maxi Mr. Bachelor [vex mix], donde la remezcla rotundiza la canción acercándola a las mejor época de Nick Martinelli; también Johnny Broadhead [part 2 remix]; y el tema inédito Too much. </span><br /></div><br /><div><br /><span style="font-size:130%;"><span style="font-family:arial;">Algo se quebró después de este álbum, y la banda sufrió una ruptura. Todo apunta a diferencias creativas y conflictos en los ensayos entre Steve Nichol y Carl McIntosh. A su vez Jane Eugene tenía claro que la dirección del grupo debía alcanzar el horizonte americano de L.A. Babyface o Jimmy Jam & Terry Lewis. En 1990 aparece el nuevo álbum de Loose Ends, Look How Long. En la portada se ve solo la cara de Carl McIntosh, en grande, y por detrás tres cantantes, dando prioridad visual a Linda Carriére, la nueva voz femenina principal. Estaba claro en la creatividad visual que ya no era un grupo. En la portada sólo un miembro, en la contraportada tres caras de mujer de distintos tamaños, que más recuerda a un collage en la carpeta de una colegial. Efectivamente, Carl McIntosh escribe, compone, arregla y produce todas las canciones. Jane Eugene y Steve Nichol habían quedado fuera de Loose Ends.<br /><br /></span><span style="font-family:arial;">El disco es mucho mejor que el anterior, a pesar del acercamiento a la moda: contiene samplers al uso como Funky drummer de James Brown, tan usado entonces, y multitud de guiños rítmicos New Jack Swing. Se echa mucho de menos la formación original. La voz de Jane Eugene, así como la de Tawata de Mtume, o Mary Davis de S.O.S Band, no se olvida, tiene demasiada mismidad. El disco contiene una maravilla: Don´t you ever [try to change me], acogedora como el escote de La Gioconda, y azul como las montañas que hay detrás. Don´t be a fool es el hit, cantada por Linda Carriére, que se acerca en el concepto melódico simple a las producciones exitosas de Jazzie B. Recuerdo una cinta-cassette que trajo de Londres mi novia de entonces, y escuchar la canción, seguida de Lies de Envogue, y Guetto Heaven, de The Family Stand. Pues eso, el disco transcurre animado y certero, con alguna concesión imperdonable: Love controversy, que no sólo recuerda, sino que parece robada del repertorio de Soul ll Soul. Supongo que resultaría muy difícil sobrellevar el triunfo mundial el año anterior de su vecino Jazzie B. </span></span></div><br /><div><span style="font-family:Arial;font-size:130%;"></span><br /><span style="font-family:arial;font-size:130%;">En 1992 sacaron un doble vinilo recopilatorio de sus canciones más notables, remezcladas por los mejores productores y músicos de la época, como Frankie Knuckles [Hangin´on a string], o Gang Starr [A little Spice]. Ésta última es la mejor del disco, que pudiera haber sido incluida en el primer recopilatorio de Jazzmatazz. El trabajo se llama Loose Ends, Tighteen up Vol. 1, con un guiño más al arrasador álbum debut de Soul ll Soul, Club Classic Vol. 1. </span></div><br /><div><br /><span style="font-family:arial;font-size:130%;">En los años posteriores, las apariciones de Loose Ends han sido fugaces. El rapero Pete Rock reunió en 1998 a Jane Eugene y a Carl McIntosh para grabar Take your time, y en el videoclip aparece además Steve Nichol, donde pudo verse de nuevo reunido al trío original Loose Ends. Sin embargo, era el único que faltaba en el concierto que dio el grupo en la sala Indingo de Londres, el pasado día 22 de mayo de 2010. </span></div><br /><div><span style="font-family:arial;"><span style="font-size:130%;"><br />Pero no quiero dedicar una sóla línea más a la decadencia del grupo tras la separación de la formación original. Para hacer justicia hay que subrayar otra vez la mismidad del grupo. En sólo dos años alcanzaron su personalidad, y un espacio propio dentro del Soul mundial. Loose Ends, en sus tres primeros álbumes, no se parece a nadie. Es el antecedente inmediato –el hermano mayor- del Acid Jazz y Soul ll Soul, así como uno de los grupo propiciadores del New Jack Swing y el R&B. Así debería reconocer la historia su contribución a la cultura Afroamericana. Desde aquí pido que vuelvan a unirse, Carl McIntosh, Steve Nichol, Jane Eugene, y Nick Martinelli. Por favor.<br /><br /><strong>Discografía obligatoria en vinilo:<br /><br /></strong>So where are you – Lp, 1985<br />Zagora – Lp, 1986<br />Hangin´on a string [contemplating] - Single 12”, 1985<br />Stay a little while, child - Single 12”, 1986<br /><br /></span>Quisiera dedicar este informe a Pepe, nunca supe su apellido, el pinchadiscos de la Discoteca Pomelo de Fuengirola, en el verano de 1986, que el año anterior pinchó en Picapiedra, Carvajal. Mi primer maestro de Funk. Allá donde estés, gracias. </span></div>Miguel Gómez Losadahttp://www.blogger.com/profile/15195981795257141423noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-9813027.post-75084064139577746142011-04-03T10:38:00.009+02:002011-04-03T10:57:22.967+02:00<div align="justify"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiwQoN1ZBiFhxGzCuBf_vxY4ZWl9bQOJCdqMdvj8SfAj0WN_0SM8fPe1qPOPC1Ri0H14qLmChqRK74DEFhJ-DIZl02HmobSKyzLShED86FLiqxP9Y0eerJ0UW47JRStUNXGuNCvSA/s1600/P1140899.jpg"><img style="WIDTH: 400px; HEIGHT: 300px; CURSOR: hand" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5591277060041297154" border="0" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiwQoN1ZBiFhxGzCuBf_vxY4ZWl9bQOJCdqMdvj8SfAj0WN_0SM8fPe1qPOPC1Ri0H14qLmChqRK74DEFhJ-DIZl02HmobSKyzLShED86FLiqxP9Y0eerJ0UW47JRStUNXGuNCvSA/s400/P1140899.jpg" /></a> </div><br /><div align="justify"></div><br /><div align="left">Sesión The Black Evolution [Salah, Losada, DavidDJ] en el 1er aniversario de la tienda <a href="http://www.ennegro.org/">ENNEGRO</a>. Viernes 1 de abril: Afrodisia, Granada. Sábado 2 de abril 2011: Soul, Córdoba.</div><br /><div align="justify"></div><br /><div align="justify"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEimXMgDK3pcAIwr2Ls02r5NgQUWjZsV-IyHlHX2qDed8Y6Pa5iXqbFA8eX7CPrNTvNju9AQm4pYwTXtRoPiY-zBbfTmhbKCwyZNffi93Q42uzTNHboP8h93q4DTkJZUgi1oI-gZlg/s1600/aniversario+ennegro-afrodisia1abril11__.jpg"><img style="WIDTH: 400px; HEIGHT: 300px; CURSOR: hand" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5591275509530559202" border="0" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEimXMgDK3pcAIwr2Ls02r5NgQUWjZsV-IyHlHX2qDed8Y6Pa5iXqbFA8eX7CPrNTvNju9AQm4pYwTXtRoPiY-zBbfTmhbKCwyZNffi93Q42uzTNHboP8h93q4DTkJZUgi1oI-gZlg/s400/aniversario+ennegro-afrodisia1abril11__.jpg" /></a> <a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEghjLLR9ts1Vu9Krx8bMIJPng8F7cwlfbtrJ9hZDN28CdDjmXq1tmd6jrtfbG1Xc1QXt7sfljfzgU9izfcjcJsYJ6SdmoUMsQMTSP5zqCvIRXRKkCPrd3UMZK4qzB9X5aitiPtYZg/s1600/aniversario+ennegro-afrodisia1abril11.jpg"><img style="WIDTH: 400px; HEIGHT: 300px; CURSOR: hand" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5591274911194883410" border="0" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEghjLLR9ts1Vu9Krx8bMIJPng8F7cwlfbtrJ9hZDN28CdDjmXq1tmd6jrtfbG1Xc1QXt7sfljfzgU9izfcjcJsYJ6SdmoUMsQMTSP5zqCvIRXRKkCPrd3UMZK4qzB9X5aitiPtYZg/s400/aniversario+ennegro-afrodisia1abril11.jpg" /></a></div>Miguel Gómez Losadahttp://www.blogger.com/profile/15195981795257141423noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-9813027.post-38258494475998648302011-03-14T10:54:00.026+01:002013-05-08T12:00:23.846+02:00Stevie Wonder<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjI-90ho3FzwvTsVs67x3UIHf5aCXlByTQDkAin74fr8GLiR5t7xHsXo5QSGT1fxUTd7bB5Id-XK8jmj0kaTRoA-fyh_ok7bxsK_qdr2nGgul_JW765BqB-JFrIf8MQpvkumVJNJg/s1600/la+vida+secreta+de+las+plantas.jpg"><img alt="" border="0" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5583876698641198386" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjI-90ho3FzwvTsVs67x3UIHf5aCXlByTQDkAin74fr8GLiR5t7xHsXo5QSGT1fxUTd7bB5Id-XK8jmj0kaTRoA-fyh_ok7bxsK_qdr2nGgul_JW765BqB-JFrIf8MQpvkumVJNJg/s400/la+vida+secreta+de+las+plantas.jpg" style="height: 399px; width: 400px;" /></a><br />
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<span style="font-size: 130%;"><span style="font-family: arial;"><i>La vida secreta de las plantas.</i> </span></span><span style="font-size: 130%;"><br /></span></div>
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<span style="font-family: arial;"><span style="font-size: 130%;">Publicado originalmente en la sección DISCOS HERMANADOS de la revista en papel </span><a href="http://www.enlacefunk.com/"><span style="font-size: 130%;">Enlace Funk</span></a><span style="font-size: 130%;"> Nº32<br /><br />Por </span><a href="http://gomezlosada.blogspot.com/"><span style="font-size: 130%;">Miguel Gómez Losada </span></a><br /><br /><span style="font-size: 130%;">Hacía tiempo que tenía ganas de escribir sobre el disco <em>The Secrets Life of Plants</em> (1979) de Stevie Wonder-, y reconozco mis limitaciones para hermanarlo con otro porque no conozco un disco de Soul Jazz Funk que gire alrededor de la vida vegetal como éste. Haciendo un esfuerzo podría considerarse disco hermano <em>Visions of a New World</em> (1974) de Lonnie Liston Smith, que es es el <em>jazzfunker</em> que mejor acude al horizonte, proponiéndonos una fantasía salvaje en la portada del disco, con una pintura donde hombre cielo selva océano son un solo ser. También podríamos emparentarlo con <em>Sextant</em> (1969), el disco más enigmático de Herbie Hancock, un sonido nuevo para la danza de la lluvia.<br /><br />Era habitual que en muchos discos de Jazz con mirada a África, lo silvestre fuese el guión, pero el disco que nos ocupa es el máximo exponente Soul del panteísmo, donde el Universo, la Naturaleza vegetal y Dios representan el amor infinito. </span><span style="font-size: 130%;"><br /></span></span></div>
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<span style="font-size: 130%;"><span style="font-family: arial;"><em>Journey Throught The Secrets Life of Plants</em> fue la banda sonora compuesta por Stevie Wonder para una película documental de Wallon Green, basada en un libro del mismo nombre. El subtítulo del libro podría definir el disco y también la película: “Un testimonio fascinante de las relaciones físicas, emocionales y espirituales entre las plantas y el hombre”.</span></span></div>
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<span style="font-family: arial;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiyLT5WvehFnXVD27C8Yl9YAC4a915frNunAh_KWwZ7Td5-KyqZGnOXA5eHyFBlBZ5TOp0rGklXOjZir3hTfZ3krNxwqYYbR7zdXNE7ulSQzD0rblGJXribqvb5xC9bMITG_PPkDg/s1600/fotograma1.jpg"><img alt="" border="0" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5583873440646638066" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiyLT5WvehFnXVD27C8Yl9YAC4a915frNunAh_KWwZ7Td5-KyqZGnOXA5eHyFBlBZ5TOp0rGklXOjZir3hTfZ3krNxwqYYbR7zdXNE7ulSQzD0rblGJXribqvb5xC9bMITG_PPkDg/s400/fotograma1.jpg" style="height: 242px; width: 400px;" /></a></span></div>
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<span style="font-size: 130%;"><span style="font-family: arial;">El largometraje de más de hora y media fue muy avanzado en su tiempo, argumentaba que las plantas sienten, se alegran y padecen como los demás seres vivos, a pesar de que la comunidad científica diga que esto no es posible por no tener sistema nervioso. Stevie Wonder estuvo acertado como siempre: las instrumentales atmosféricas del disco creaban junto a las imágenes a cámara rápida una sensación mágica, una botánica misteriosa donde las plantas aparecían humanizadas como en una fábula vegetal.</span> </span><span style="font-size: 130%;"><br /></span></div>
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<span style="font-family: arial; font-size: 130%;">El disco que nos ocupa salío en 1979 y fue comercialmente difícil. Era una banda sonora de un artista negro, pero no tenía nada que ver con el cine <em>Blaxplotaition</em>; tampoco con el sonido 1979 de otros compañeros de Motown como Rick James. Y por otro lado, se distanciaba demasiado de su disco anterior grabado en 1976 –en tres años al funk le había dado tiempo de diluirse en la música disco y volver a recuperar su esencia con el Rap-. </span></div>
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<span style="font-size: 130%;"></span><span style="font-family: arial; font-size: 130%;"><br />Guardaba poca relación con la moda de ese año, no hay mas que comparar esta banda sonora con otros musicales de los 70: <em>Saturday Night Fever</em> (1977) y <em>Thank God it´s Friday</em> (1978), paradigmas de la música disco. El supremo doble lp <i>Songs in the Key of Life </i>(1976) no guardaba relación con <em>Secrets Life of Plants</em>: el disco también era doble, pero sólo tenía una canción de amor a la manera de <em>Knocks Me off my Feet</em>, y ninguna musculatura Funk como <em>As</em> o <em>I wish</em>. La vida secreta de las plantas había que escucharlo de otra manera.</span><span style="font-size: 130%;"> </span><span style="font-family: arial;"></span></div>
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<span style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif;"><span style="font-size: 130%;">El disco comienza como la película <em>Fantasía</em> (1940) de Walt Disney, quien adapta los dibujos animados a La consagración de la primavera de Stravinsky para el episodio de La creación del mundo. Contiene folclore japonés, indio, música africana, jazz, melodías infantiles, baladas soulfunk, desarrollos discofunk, ambientaciones orquestales y música clásica, pareciendo a veces el primer disco de New Age. Aun así, el álbum tiene unidad: las arriesgadas y diversas instrumentaciones parecían árboles traidos de todas las partes del mundo, reunidos en la maravillosa voz de Stevie Wonder a modo de jardín.</span></span></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj3JjPEkWsdEsyg-B7yLZFs__xnC2UD11zmKcl6XeLc_gEaImndad_SgG_mYkUXRU6VD3zhKSomS-YRo_odRo9oFqGKYw62EJoK5b23Os3o6eidjUDDJNRPFcAnceZKL8Mj4YrutA/s1600/fotograma3.jpg"><img alt="" border="0" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5583874081324855170" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj3JjPEkWsdEsyg-B7yLZFs__xnC2UD11zmKcl6XeLc_gEaImndad_SgG_mYkUXRU6VD3zhKSomS-YRo_odRo9oFqGKYw62EJoK5b23Os3o6eidjUDDJNRPFcAnceZKL8Mj4YrutA/s400/fotograma3.jpg" style="height: 242px; width: 400px;" /></a><br />
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<span style="font-family: arial; font-size: 130%;">Quién sabe cómo siente Stevie Wonder las plantas, desde su ceguera puede que perciba en ellas la obra más íntima de la creación, o quizá las asocie a un recuerdo de caricia materna. El disco repetía una misma melodía en varios de sus cortes, comenzando en <em>First Garden</em> para cruzar por <em>The Secrets Life of Plants</em> y desembocar en <em>Finale</em> como un río que guardara memoria de la vegetación de sus orillas. Parece un tarareo de madre, y cuando suena la armónica emociona por su sencillez.<br /><br />Invito a quien esté buscando a Dios que lo haga de la mano del gran sacerdote del Soul: Stevie Wonder. Cuando pongo sus elepés en mi tocadiscos siento una frecuencia del universo donde Stevie Wonder y Dios se aman, así como se amaban Juan el Bautista y Jesucristo. Es lo que le sitúa en mi opinión como el más completo compositor, músico y cantante del siglo XX. Stevie Wonder no hacía de su vida un exceso, su tarea tiene más que ver con el predicamento del amor, quizá por eso los periodistas blancos, alejados de la cultura gospel, no supieran qué hacer con él, y los adolecescentes ávidos de transgresión, menos. Stevie Wonder propone algo más que buenas canciones. Su fé y la manera de mostrar fascinación cuando un sonido es feliz le convierte en un enviado.</span></div>
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<span style="font-family: arial;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg_t2C9DHwoiWCgP04RSWulWIqCgpEeB_Si7nnMigNSxgoS17RaUH_hPptu9cnd3qeyYdsIA_Et1QRogL3H8KtqjT61Bo54trgMVoHxGsHjUjNGmvyaYZidwNVCUsa0pzX2929DpA/s1600/fotograma8.jpg"><img alt="" border="0" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5583875128655239730" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg_t2C9DHwoiWCgP04RSWulWIqCgpEeB_Si7nnMigNSxgoS17RaUH_hPptu9cnd3qeyYdsIA_Et1QRogL3H8KtqjT61Bo54trgMVoHxGsHjUjNGmvyaYZidwNVCUsa0pzX2929DpA/s400/fotograma8.jpg" style="height: 242px; width: 400px;" /></a></span></div>
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<span style="font-family: arial; font-size: 130%;">Lamento que las personas mayores repriman el asombro cuando están en público para no parecer ignorantes -si me fascino por algo demuestro que no lo conozco, y a determinada edad hay que aparentar saber de todo un poco-. Por reprimir siempre la sorpresa, el mundo de los adultos es tan aburrido. La fascinación es cosa de niños, ciegos, y valientes.</span></div>
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<span style="font-family: arial;"><br /><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgC5ff8Oj3HVi11RGiXsRnVJ3YfX7gmbwQVoM_-v-MKqoEGrI9QPHnzWi_f-DR4B5cNdNGFrUVLkR5MXhCsBnFciRfgF5DhsewQ8r1MhEpcCQDACbhHgqbsGU4UVysPzMGgxidZzA/s1600/fotograma9.jpg"><img alt="" border="0" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5583875339550075330" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgC5ff8Oj3HVi11RGiXsRnVJ3YfX7gmbwQVoM_-v-MKqoEGrI9QPHnzWi_f-DR4B5cNdNGFrUVLkR5MXhCsBnFciRfgF5DhsewQ8r1MhEpcCQDACbhHgqbsGU4UVysPzMGgxidZzA/s400/fotograma9.jpg" style="height: 242px; width: 400px;" /></a></span></div>
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<span style="font-family: arial;"><span style="font-size: 130%;">Para comprender a Stevie Wonder hay que admirar su elevada espiritualidad. Él habla con Dios (Escúchese <em>Have a Talk with God</em>, del Lp <em>Songs in the Key of Life</em>). Dios le otorga el don de la gran música para que el resto de los humanos escojamos sin complejo el camino del amor, que es el más alto ejercicio de la inteligencia.<br /><br /><em>Secrets Life of Plants</em> es el último disco de la gran época de Stevie, aunque el siguiente <em>Hotter Than July</em> (1980) también podría incluírse, así como la optimista <em>Do I Do</em> y la crepuscular <em>Ribbon in the Sky</em>, canciones escritas en 1982. </span></span><br />
<span style="font-family: arial;"><span style="font-size: 130%;"></span></span><br />
<span style="font-family: arial;"><span style="font-size: 130%;">Nuestro disco tiene varios momentos estelares, elegiría el single del álbum, <em>Send One Your Love</em>, música para quedarse con la vista perdida y compartir aquella ilusión de André Breton: “Espero a la dama del lago, sé que vendrá”. <em>Come Back As a Flower</em>, que escucho como un canto a la esperanza interpretado por Syreeta, pidiendo al universo que aquel amor irrecuperable, al menos regrese como una flor. <em>Power Flower</em>, por su base rítmica, con la batería más notoria del disco: lenta y funk como la trompa de un elefante cuando ramillea; y la hondísima <em>Eclesiastés</em>, una coral religiosa que suena a Bach, música para el trance a la otra vida. Por supuesto <em>Secrets Life of Plants</em>, que sugiero se escuche en el documental original que hay en internet, donde se ve un plano de Stevie Wonder a tientas por un paisaje volcánico, deteniéndose ante el presentimiento de un árbol, o guiándose por la luz como los girasoles. Eriza la piel.<br /><br />El disco no es perfecto –pero sí es arte porque se compuso dando prioridad a la necesidad creativa antes que a lo que esperaba el público-. El tema <em>Race Babbling</em> no pega en un álbum tan espiritual, y aunque tiene un magnífico vocoder (leer sobre Stevie Wonder en Zapp & Roger, Discos hermanados/ Enlacefunk Nº31), el tema suena muy rápido, como fuera de sí. El desentono tiene una explicación, la canción ilustraba la velocidad en la autopista en una secuencia a cámara rápida de la película, y como no se proyectó en los cines, la canción en el disco suena desligada. Es la única pieza claramente alejada del mundo onírico vegetal. Dura más de ocho minutos, tiempo que hubiera servido por ejemplo para incluir la maravillosa <em>Overjoyed</em>, compuesta para La Vida Secreta de las Plantas pero no publicada hasta 1985. Me encantaría poder oírla con los arreglos de 1979. El doble álbum hizo historia y se convirtió inmediatamente en un disco de culto.</span></span><br />
<span style="font-family: arial;"><span style="font-size: 130%;"><br /></span><span style="color: #999999; font-size: 130%;">Sé que existe algo inmenso, puro y bueno. Me atrevo a llamarlo ternura del universo, o la tierra prometida. Es una geografía donde los ríos no olvidan sus primeras montañas, con árboles custodios que guardan los secretos del horizonte: (qué tierras ilumina el sol cuando se esconde, o el lugar donde nacen las estrellas...)<br />Otras se nos revela como una oscuridad en el pantano, donde las plantas en la orilla, el viento y los pájaros, animan una escena de amor supremo. Es un ideal, una fábula que no distingue entre bondad y belleza, y que al pintarse deja de ser imaginación para extender la realidad.</span></span><br />
<span style="font-family: arial;"><span style="font-size: 130%;"><i><span style="color: #999999;"> </span></i><br />Córdoba. 13 de mayo de 2009</span></span><br />
<br /></div>
<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="480" src="http://www.youtube.com/embed/sGl4btrsiHk" width="640"></iframe>
Miguel Gómez Losadahttp://www.blogger.com/profile/15195981795257141423noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-9813027.post-63261467864514126202011-02-05T23:08:00.014+01:002011-04-27T08:09:58.480+02:00<div align="justify"><span style="font-family:arial;"><strong><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEizLz3BvQQfTwcbZh5BFhyNgSDfFoAKjdZweTjAfJbaQFx0I2zHGlHlhRpNye1e49TsKDFxYWd4cCnBU6bvuOn6gvg9Namdg_77ewR64ljefF2DtXfc-A6J4_xX6glKTTIDJ9goYA/s1600/even+when+you+sleep_12+sosband1986.jpg"><img style="WIDTH: 400px; HEIGHT: 400px; CURSOR: hand" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5570339543626980034" border="0" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEizLz3BvQQfTwcbZh5BFhyNgSDfFoAKjdZweTjAfJbaQFx0I2zHGlHlhRpNye1e49TsKDFxYWd4cCnBU6bvuOn6gvg9Namdg_77ewR64ljefF2DtXfc-A6J4_xX6glKTTIDJ9goYA/s400/even+when+you+sleep_12+sosband1986.jpg" /></a></strong></span>
<br /><span style="font-family:arial;font-size:78%;">SOS Band, Even when you sleep, maxisingle 12" - 1986 </span>
<br /><span style="font-family:Arial;font-size:78%;"></span>
<br /><span style="font-family:Arial;font-size:78%;"></span>
<br /><span style="font-family:arial;"><span style="font-size:130%;"><strong>CASHFLOW</strong>, Cashflow – <strong>LEVERT</strong>, Bloodline – <strong>SOS BAND</strong>, Sands of time
<br />
<br /></span><span style="font-size:85%;">Publicado en la sección Discos hermanados, de la Revista <a href="http://www.enlacefunk.com/">Enlacefunk</a> Nº34 Edición en papel.</span></span>
<br />
<br /><span style="font-family:arial;"><span style="font-size:85%;">Por <span style="color:#999999;"><a href="http://gomezlosada.blogspot.com/"><span style="color:#cccccc;">Miguel Gómez Losada</span> </a></span><span style="color:#000000;">[marzo 2009] </span></span></span>
<br /><span style="font-family:arial;"><span style="font-size:85%;"><span style="color:#000000;">
<br /></span></span>
<br /><span style="font-size:130%;">Todos vamos a morir, y peor aún, es probable que antes entremos en un hospital con conciencia suficiente para comprender que ya nunca volveremos a casa, que nunca volveremos a pasear por nuestro barrio, ni a sentir el sol en la cara, o el cielo con la primera llovizna del otoño; y que de esa habitación de hospital no vamos a salir jamás. </span></span><span style="font-size:130%;"><span style="font-family:arial;">Antes de ese momento deberíamos haber dado ya lo mejor de nosotros mismos, por eso hay que empezar hoy, ahora. Mañana puedes morir, puedo morir. Lo hacen los otros seres vivos: la luciérnaga ilumina para ser encontrada y amada antes de envejecer; y las flores, que destacan entre la hierba para hacer señales a los insectos volantes y lograr la polinización antes de marchitarse. </span>
<br /><span style="font-family:Arial;"></span>
<br /><span style="font-family:arial;"></span>
<br /><span style="font-family:arial;">El humano, a pesar de estar dotado de inteligencia más allá de la supervivencia, suele equivocarse en su función de <em>ser</em>. Al humano se le suele olvidar iluminar por estar distraído con la supervivencia, como si no se pudiesen hacer las dos cosas a la vez.</span>
<br />
<br /><span style="font-family:arial;">Entiendo el arte como la facultad de iluminar, esa capacidad consciente que nos distingue de otros seres vivos, y defino el arte como -todo acto de amor público-. Y si una luciérnaga superdotada es la que más ilumina para ser amada, y una flor superdotada la que más destaca del suelo por su colorido para ser amada, así, un humano superdotado no es el que más sabe o el que es más importante en su sector profesional, sino el que mejor ama. Lo tengo claro. Los artistas son grandes amadores, grandes luciérnagas que iluminan con su cuadro, canción, danza, o cualquier cosa hecha con esmero que se pueda compartir. </span>
<br /><span style="font-family:Arial;"></span>
<br /><span style="font-family:arial;"></span>
<br /><span style="font-family:arial;">También se puede ser artista de la amabilidad, de la generosidad y del agradecimiento, por ejemplo. Aquí no se libra nadie: todos podemos ser artistas. Todos podemos ser grandes amadores y así humanos superdotados. Porque estar vivo es algo más que sobrevivir. Vivir debería ser -existir amando todo el rato-. El arte –cualquier acto de amor público- es lo que nos mejora y define como especie más allá de aspirar a rozar nuestros cuerpos con intención de cópula o fecundación. </span>
<br /><span style="font-family:Arial;"></span></span><span style="font-family:arial;">
<br /><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgfNsiAZBXPgPGSbchejBtqlWbZ55_QvqMjFXEZTzVyFQkAeBSG-yEYcdWdZTtbzY5fcqxTcBB5-frAxPH5_ZNNirSDreCOc5THQUgi5FGfhaFN97RqiEfOEZNZhELs4O4kxvVDfw/s1600/sos+band+sands+od+time.jpg"><img style="WIDTH: 400px; HEIGHT: 400px; CURSOR: hand" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5570338297531402098" border="0" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgfNsiAZBXPgPGSbchejBtqlWbZ55_QvqMjFXEZTzVyFQkAeBSG-yEYcdWdZTtbzY5fcqxTcBB5-frAxPH5_ZNNirSDreCOc5THQUgi5FGfhaFN97RqiEfOEZNZhELs4O4kxvVDfw/s400/sos+band+sands+od+time.jpg" /></a></span>
<br /><span style="font-family:arial;font-size:78%;">SOS Band, Sands of time, 1986</span>
<br /><span style="font-family:arial;">
<br /><span style="font-size:130%;">Hoy traigo tres ejercicios de amor, tres ejercicios de gran arte, tres ejercicios de FUNK. Tres grandes álbumes trillizos, quizá los mejores de 1986, ese año difícil para la música negra por haber quedado lejos el Funk de los 70 y ser la última cosecha afroamericana antes de la era de los samplers y las recuperaciones. Considero que ya es hora de hacer justicia al sonido de 1986.
<br />
<br />Bloodline de LEVERT coincide con CASHFLOW en que los dos son herederos directos; Levert lo es de O´jays, y Cashflow de Cameo. SOS BAND por el contrario es iniciador de una saga, de un sonido. Aunque su primer álbum es de 1980, no sería hasta 1983 con su disco On the Rise cuando alcanzaran madurez como grupo, sonando incomparables a ninguna otra banda, y anticipando lo que sería todo el Soul de los 90 posterior al New Jack Swing. Sands of time, el álbum que nos ocupa, suena amable pero rotundo. Está lleno de bajos hondos sintetizados, esos que suenan a mugido gutural, como el aviso de una bestia de cuadra cuando intuye que va a ser molestada. Es un disco de Funk con ascendente Soul, tiene melodías y ambientes crepusculares, así como la escena desértica de la portada, con poética visual de espejismos, caravanas o de las mil y una noches. Esa masculinidad de los bajos, muy graves, se complementa perfectamente con la voz simpática de Mary Davis y los cowbells.
<br />
<br />Esto sucede también con Mtume, donde la vocalista Tawatha Agee endulza y afemina oportunamente el tonelaje Funk de la programación rítmica. En sus dos álbumes anteriores quedaba un rastro, un eco de THE TIME, como si SOS Band fuesen The Time pero en la playa, o con el sosiego propio de las vacaciones. Es por Jimmy Jam y Terry Lewis, pilares de la banda de Minneapolis y productores gurús luego de SOS Band. Sí, todo SOS Band 1983-1986 suena a Soul siendo Funk, y es por la templanza de los teclados, las melodías sin complejos y los bajos que mugen, pero sobretodo por la vocación de medio tiempo para hacernos sentir bien. Sands of Time es el primer disco y último de SOS Band totalmente emancipado de influencias; un disco para escuchar a oscuras, gozando con el sonido atmosférico que amplía la habitación hasta lograr paisajes soñados, envolturas musicales y ternuras imaginadas. Este álbum es su canto del cisne, luego vendrían recopilatorios y un par de discos con otra vocalista, aunque sin Mary Davis nada volvió a ser igual. Do You Still (Want To) se podría pinchar para abrir una sesión, y Nothing but the best para comprobar que los graves están ecualizados ese punto aconsejable más de lo permitido. Es fácil encontrarlo en las cubetas, y es barato, cómpralo. (Recuerda, para escuchar a oscuras y “ver”) </span></span>
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<br /><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgVkoCK6NJaD9BCPvcpIoorOBe_Ad0CyHtnub3EN89G5mzRfk29Y3UwNyNz7OVDAFaKHJbOiWVtwRf1AKb6BKszHJlXyKzNGhWFKzrw1PaVVbnhlhyTaoxSUWkT6XVzFqN7Y4TPog/s1600/cashflow.jpg"><img style="WIDTH: 400px; HEIGHT: 400px; CURSOR: hand" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5570337615900097474" border="0" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgVkoCK6NJaD9BCPvcpIoorOBe_Ad0CyHtnub3EN89G5mzRfk29Y3UwNyNz7OVDAFaKHJbOiWVtwRf1AKb6BKszHJlXyKzNGhWFKzrw1PaVVbnhlhyTaoxSUWkT6XVzFqN7Y4TPog/s400/cashflow.jpg" /></a></p></span>
<br /><div align="justify"><span style="font-family:arial;font-size:78%;">Cashflow, álbum debut, 1986</span><span style="font-family:arial;">
<br /></span><span style="font-family:arial;">
<br /><span style="font-size:130%;">Para describir a CASHFLOW, y en concreto al empujón Funk del tema que abre el disco -Party Freak- sólo se puede parafrasear a Lorca en Bodas de sangre, cuando dice “me arrastró como un golpe de mar, como la cabezada de un mulo”. Party Freak es una entrega de Heavy Funk. Larry Blackmon de CAMEO produce el debut de Cashflow, rapea, arregla y participa en la creatividad de la portada, como si Word up (1986) fuera una extensión de este disco, o al revés. Los músicos de Cashflow coinciden con Cameo hasta en los cortes de pelo. Party freak sigue siendo actual, suena gordo, macho, y nadie creería que es de 1986 si no fuese por los repiques de palmas de la caja de ritmos, tan novedosos entonces. Mine all mine es como Back and Forth (1986) de Cameo, y también se parece a I Found Lovin´ (1983) de Fatback. Es la cancion soleada y optimista del álbum. En esta línea también suena I need your love, aunque algo más impetuosa, quizá por la sinceridad del título. Spending Money me gusta mucho, es un medio tiempo Soul, rotundo, y tiene un bajo vibrante –motor de tractor- que hace temblar hasta los cristales del salón. Podría mezclarse con Juicy Fruit (1983) de Mtume, o con Don´t be Lonely (1986) de Cameo, para entendernos; y al contrario que SOS Band, este bajo no es un colchón subordinado al resto de instrumentos, sencillamente es el protagonista. Reach Out es el baladón del disco, Monster Ballad, como dicen en las revistas de Funk americanas, y a pesar de su tiempo lento y sentimentalidad no es azucarado. Recuerda a las mejores canciones de amor de Cameo, como Why Have I Lost You (1977), para proyectar recuerdos en todas las nubes anaranjadas.
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<br /></span><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi8l_9uL-_nUK1paLs3hKf3A2R0Xb6uT1wHEE0Azxt_TRgFZcu9kQ93pLSbW0dBNzRhmFfE-OGi3PoBl_TetxidARZshrcYhTrStWucGw3JUnbfBdhHOVfUGaOdImrOsx3PO7I7IQ/s1600/levert.jpg"><img style="WIDTH: 400px; HEIGHT: 400px; CURSOR: hand" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5570339067833542946" border="0" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi8l_9uL-_nUK1paLs3hKf3A2R0Xb6uT1wHEE0Azxt_TRgFZcu9kQ93pLSbW0dBNzRhmFfE-OGi3PoBl_TetxidARZshrcYhTrStWucGw3JUnbfBdhHOVfUGaOdImrOsx3PO7I7IQ/s400/levert.jpg" /></a>
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<br /><span style="font-size:78%;">Levert, Bloodline, 1986</span>
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<br /><span style="font-size:130%;">En el número 469 (21 oct– 3 nov,1986) de la revista británica Blues & Soul, y en el apartado Single of the week, descubrí (Pop, pop, pop, pop) Goes my mind, del trío LEVERT, aunque no pude reconocerla hasta que sonara su estribillo en Radio Popular de Córdoba, una sobremesa cualquiera del verano cordobés. Es una canción a 80 bpm, heredera de anteriores tríos de Soul, sobretodo por la voz de Sean Levert –hijo de Eddie Levert, líder de O´jays-, que cuesta distinguirla de la de su padre; pero también por la cremosidad de la guitarra, estilo George Benson; los palillos –castañuelas con los dedos- en el sitio de la claqueta; y hasta las coreografías en los directos, dibujando ellos tres a la vez con los pies la misma línea en el suelo del escenario. Este tema es el corazón del disco, sí, pero contiene varias joyas más. MTUME produce dos de las ocho canciones del álbum, Fascination, en la línea de C.O.D. (I'll Deliver) (Mtume 1984) y I Start you up, You Turn Me on, continuando You, me and he (Mtume 1984). Si eres seguidor de Mtume debes comprar este segundo elepé de Levert. Después de 1986 Mtume grabaría la prescindible banda sonora Native Son, cerrando así tres años de liderazgo electrosoul. Por si fuera poco, Grip, Looking For Love y Pose tienen influencia del Funk severo que Cameo regaló al mundo. Sean Levert murió en 2006, aún era un chaval. Se le complicaron las drogas, la tensión alta y la diabetes (estaba muy gordo), menos mal que le dio tiempo de iluminar antes. Ya puede descansar en paz.
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<br /></span><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEju1bxnfejsJbPTxl91tG-6vyD4KQpY9mte1wKf0bcDILLVrKPZhpEKhzaAFvfD-R1V4wh_92Ah7wc2RNjespNYnc3W61Tu3pOYTNZVIy5Igd_XoLHk2hySWtM0H1BPfMAU__0J2Q/s1600/levert_marc+gordon_gerald+levert_eddie+levert_sean+levert.jpg"><img style="WIDTH: 306px; HEIGHT: 400px; CURSOR: hand" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5570340083310697650" border="0" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEju1bxnfejsJbPTxl91tG-6vyD4KQpY9mte1wKf0bcDILLVrKPZhpEKhzaAFvfD-R1V4wh_92Ah7wc2RNjespNYnc3W61Tu3pOYTNZVIy5Igd_XoLHk2hySWtM0H1BPfMAU__0J2Q/s400/levert_marc+gordon_gerald+levert_eddie+levert_sean+levert.jpg" /></a>
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<br /><span style="font-size:78%;">Marc Gordon, Gerald Levert, Eddie Levert, Sean Levert. Foto de contraportada de Bloodline</span>
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<br />Dedico este artículo a <a href="http://www.ennegro.org/index.php">Ennegro</a>, la nueva tienda de discos en Internet de mis hermanos de The Black Evolution, DavidDJ y Salah: luciérnagas superdotadas del bosque FUNK </span></div>Miguel Gómez Losadahttp://www.blogger.com/profile/15195981795257141423noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-9813027.post-17719049898369184432010-12-25T04:23:00.025+01:002013-03-10T13:41:28.603+01:00<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgCv78ssDOZGc9qM3fvP-bbhkRPOfax1jm6sG1wWYy85pZ2wSWIYXWKVo_qz7-8JFj2bKWP3oOlWBIBzWi-hAvexXzBXhgpA1oq6zggOc0ylR9ldjLFnlNofY41Fxb8fO775Getrg/s1600/Vol_3_Front.jpg"><img alt="" border="0" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5554457250111202306" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgCv78ssDOZGc9qM3fvP-bbhkRPOfax1jm6sG1wWYy85pZ2wSWIYXWKVo_qz7-8JFj2bKWP3oOlWBIBzWi-hAvexXzBXhgpA1oq6zggOc0ylR9ldjLFnlNofY41Fxb8fO775Getrg/s400/Vol_3_Front.jpg" style="height: 400px; width: 391px;" /></a><br />
<span style="font-family: arial; font-size: 85%;"></span><br />
<span style="font-size: large;"><span style="font-family: arial;">Portada de Josef Albers</span> </span><span style="font-family: arial; font-size: large;">[1960]</span><br />
<span style="font-size: large;"></span><br />
<span style="color: silver;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: arial;"><strong><span style="color: white;">JOSEF ALBERS</span></strong>: artista plástico +<br /><strong><span style="color: white;">ENOCH LIGHT</span></strong>: Músico, director de orquesta, ingeniero de sonido y empresario.</span> </span></span><br />
<span style="font-size: large;"></span><br />
<span style="font-family: arial;">Por <strong>Miguel Gómez Losada </strong><br />Originalmente publicado en la sección <em>Discos hermanados</em>, de la edición en papel de la revista <a href="http://www.enlacefunk.com/">Enlacefunk</a> Nº35</span><br />
<span style="font-family: arial;"><span style="font-size: large;"> </span></span><span style="font-family: arial;"><span style="font-size: large;"></span></span><br />
<span style="font-family: arial;"><span style="font-size: large;"></span></span><br />
<span style="font-family: arial;"><span style="font-size: large;"><div style="text-align: justify;">
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</span><div style="text-align: justify;">
<span style="color: silver; font-size: large;">Mi Josef Albers favorito no está en los libros de arte sino en las magníficas portadas de discos del sello Command Records. Corría el año 1959, Marilyn enamoraba Con faldas y a lo loco, se popularizaba nuestro Seat 600 y el sonido estereofónico. Rafael de la Hoz modernizaba Córdoba con su arquitectura internacional y Óscar Niemeyer proyectaba Brasilia coincidiendo en el tiempo con el auge de la Bossa Nova. Eran años de prosperidad, la Segunda Guerra Mundial quedaba atrás y aún faltaba tiempo para el desencanto del postmodernismo.<br /><br />Y en 1959 también:<br /><br />-</span><a href="http://es.wikipedia.org/wiki/Francisco_Franco" title="Francisco Franco"><span style="color: silver; font-size: large;">Franco</span></a><span style="color: silver; font-size: large;"> inaugura el </span><a href="http://es.wikipedia.org/wiki/Valle_de_los_Ca%C3%ADdos" title="Valle de los Caídos"><span style="color: silver; font-size: large;">Valle de los Caídos</span></a><span style="color: silver; font-size: large;">.<br />-Triunfo de la </span><a href="http://es.wikipedia.org/wiki/Revoluci%C3%B3n_cubana" title="Revolución cubana"><span style="color: silver; font-size: large;">Revolución cubana</span></a><span style="color: silver; font-size: large;">, </span><a href="http://es.wikipedia.org/wiki/Fidel_Castro" title="Fidel Castro"><span style="color: silver; font-size: large;">Fidel Castro</span></a><span style="color: silver; font-size: large;"> toma el poder.<br />-Marthin Luther King viaja a la India y afirma: “Ghandi es la luz-guía en nuestra técnica del cambio social no violento.”<br />-Picasso tiene 78, Duchamp, 72, Borges 60, Cary Grant 55 años.<br />-Miles Davis 33, y publica Kind of Blues.<br />-Nace Astérix, en la revista Pilote<br />-Josef Albers tiene 71, y su mujer Annelise 60 años. </span></div>
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<div style="text-align: justify;">
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<span style="font-family: arial;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj4gz6NcoQPRy2D_83YMZZw1dT1G52bPEOObis_g-oMoEwClhE8ATq26DyBcpWc2lrR-A3p21Vg2A1XKPIUN4mEhu7mtsrSe9cG04teJKeIoWPmS1XwdzthmJB3nc5pWq_o7Z2avA/s1600/R-1168369-1210621623.jpg"><img alt="" border="0" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5554457878568572562" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj4gz6NcoQPRy2D_83YMZZw1dT1G52bPEOObis_g-oMoEwClhE8ATq26DyBcpWc2lrR-A3p21Vg2A1XKPIUN4mEhu7mtsrSe9cG04teJKeIoWPmS1XwdzthmJB3nc5pWq_o7Z2avA/s400/R-1168369-1210621623.jpg" style="height: 400px; width: 400px;" /></a> </span><br />
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<span style="font-family: arial; font-size: large;">Portada de Josef Albers [1961]</span><br />
<span style="font-family: arial;"><br /></span><br />
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<span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;">
<span style="color: silver; font-size: large;">Josef Albers (1888 – 1976) es conocido sobretodo por sus Homenajes al Cuadrado, pintura abstracta geométrica, hija del constructivismo ruso y la Bauhaus. Fue en esta escuela, La Bauhaus, donde conoció a Anni Albers (Annelise Fleischmann,1899-1994), con quien se casó en 1925. Una historia de amor idílico alrededor de la pintura, los diseños textiles y los viajes exóticos, dibujando a medias un atlas propio a través de la geometría y el color.</span> <br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEizgMM4v5fPWfnxwedH56rTQ9uup0CeGbZriUVaVTw0UoX83OgoBuyFjjt7jK5feGqApwVclmGLmk0C5eQLRu9xbprqb20GcN31iEdfrCUNGw9m0esPnnMJxrMG_VNrETg2n9e6lw/s1600/Albers_-_Study_for_Homage_to_the_Square_-_Still_Remembered_-_8511.jpg"><img alt="" border="0" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5554462333947633970" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEizgMM4v5fPWfnxwedH56rTQ9uup0CeGbZriUVaVTw0UoX83OgoBuyFjjt7jK5feGqApwVclmGLmk0C5eQLRu9xbprqb20GcN31iEdfrCUNGw9m0esPnnMJxrMG_VNrETg2n9e6lw/s400/Albers_-_Study_for_Homage_to_the_Square_-_Still_Remembered_-_8511.jpg" style="height: 399px; width: 400px;" /></a></div>
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<span style="font-family: Arial; font-size: large;">Josef Albers - Estudio para homenaje al cuadrado - óleo / masonite 51 x 51 cm. 1954</span><br />
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<span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;">
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<span style="color: silver; font-size: large;">La mano negra de Hitler no pudo con este amor. Como tantos artistas europeos, los Albers emigraron a Estados Unidos. Enseguida volaron a Méjico por deseo de Anni, apasionada de las culturas prehispánicas y la ornamentación geométrica textil. Tenían una concepción global del arte, interesándose igualmente por la arquitectura, el diseño, los muebles, la tipografía, la literatura y la docencia; es decir, el arte como punto de vista y ámbito integrador de la vida. Fruto del amor y la convivencia, sus obras se fueron complementando con el tiempo, alcanzando fuerza y plenitud en su conjunto. Josef Albers, predicador ante todo del arte como evocación y revelación, comenzó su programa artístico en la Facultad </span><a href="http://es.wikipedia.org/wiki/Black_Mountain_College" title="Black Mountain College"><span style="color: silver; font-size: large;">Black Mountain College</span></a><span style="color: silver; font-size: large;"> (</span><a href="http://es.wikipedia.org/wiki/Carolina_del_Norte" title="Carolina del Norte"><span style="color: silver; font-size: large;">Carolina del Norte</span></a><span style="color: silver; font-size: large;">), compartiendo con los estudiantes sus procesos pictóricos, los Homenajes al Cuadrado, pintura seriada con ligeras variantes de una a otra. Albers establecía una comparación con la cocina: “A veces echo más sal, otras menos, ahí reside la diferencia entre una pintura y la siguiente”. Y es cierto, no salen dos platos iguales aunque se cocine todos los días. Es normal distinguir la excelencia de un vino especial o de un plato bien cocinado. Determinadas especias pueden evocarnos el océano, la montaña, o una brisa templada como anticipo del verano. Albers tenía esta sensibilidad para aplicar el color. Pintaba cuadrados concéntricos repitiendo esta estructura y variando las relaciones tonales. Una ligera mutación de rojo repercutía en la óptica y en la posterior emoción del cuadro. Cuando uno mira el trabajo de Josef Albers sabe que cada color tiene una dosis y un lugar exacto. Quizá esta meticulosidad, refinamiento cromático y actitud musical para pintar, fue lo que sedujo a Enoch Light, cuando su hija Julie, y alumna de Albers, les puso en contacto. </span><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi0_ghVbS0V8D-I8sGfTa0s1g4Hk90-QJ-1_ok8CSz67Dljp_bGTdxmG90iMC1D76jciPH_RNKviERa_-TKXdqJHDo2AS3Yd4uYV7qWI7wLEzOgNJKATbI2n5OChVOHZfNamYXCig/s1600/5.jpg"><img alt="" border="0" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5554458834369382338" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi0_ghVbS0V8D-I8sGfTa0s1g4Hk90-QJ-1_ok8CSz67Dljp_bGTdxmG90iMC1D76jciPH_RNKviERa_-TKXdqJHDo2AS3Yd4uYV7qWI7wLEzOgNJKATbI2n5OChVOHZfNamYXCig/s400/5.jpg" style="height: 400px; width: 398px;" /></a><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgFjzpNJIMBqFpRrRX72TfZag3EO8MesmrHu4R2Eyn4n2n8Blj98L8Hq_OZskvYKCMI5E81-l1rcgV5G8pMplNX-k_BiGTvlOKP3nHKH-AFIGGprqkTN_mN2DuCsoIR1M2CfKZQ4g/s1600/4.jpg"><img alt="" border="0" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5554458668253772898" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgFjzpNJIMBqFpRrRX72TfZag3EO8MesmrHu4R2Eyn4n2n8Blj98L8Hq_OZskvYKCMI5E81-l1rcgV5G8pMplNX-k_BiGTvlOKP3nHKH-AFIGGprqkTN_mN2DuCsoIR1M2CfKZQ4g/s400/4.jpg" style="height: 398px; width: 400px;" /></a><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgve_oTnODHFTweKEJqeaNHhIB9QVJIfCPzDPFaTWY2gy85ccMMcWyTIixaRnDwPUjspej7naieQ6zoDFSzzLbWtWP2ckHJbKX63V25wCdXaQTNbgVkNwJ74gRFF1uLFfqapyzc_g/s1600/epiar.jpg"><img alt="" border="0" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5554694140402351906" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgve_oTnODHFTweKEJqeaNHhIB9QVJIfCPzDPFaTWY2gy85ccMMcWyTIixaRnDwPUjspej7naieQ6zoDFSzzLbWtWP2ckHJbKX63V25wCdXaQTNbgVkNwJ74gRFF1uLFfqapyzc_g/s400/epiar.jpg" style="height: 398px; width: 400px;" /></a><br />
<br />
<span style="font-size: large;">Portadas de Josef Albers [1959 / 1960]</span><br />
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<span style="font-size: large;"><span style="color: silver;">Enoch Light era otro perfeccionista. Violinista de sesión, director de orquesta, ingeniero de sonido y hombre de negocios; creo en 1959 la discográfica Command Records. Del encuentro Enoch Light – Josef Albers nacieron entre 1959 y 1961 las siete magníficas obras que nos ocupan, interesante aportación a la Historia del Arte del siglo XX. Estos discos significaron una excepción en Albers, especializado en la poética del cuadrado; y aunque ya en los años 30 hiciera unos <em>christmas</em> para su uso personal con motivos redondos, fue en Commands Records donde se lanzó a explorar las posibilidades emocionales del círculo como unidad de repetición. A veces pasa que lo más interesante en la trayectoria de un artista viene dado por un encargo, o digamos por algún agente externo que a modo de colaboración inocule una variante en su producción habitual.<br /><br />Esta casa de discos popularizó en el mundo entero el sonido estereofónico, concibiendo sus álbumes con una actitud lúdica y didáctica (como si los instrumentos hablasen con muy buena dicción; oyéndose remedos y efectos ping pong de las percusiones, siempre con un diálogo respetuoso entre la sección de cuerdas y la de vientos, dándose paso de un canal a otro con el fin de fascinar al oyente). Los discos de este sello se podrían etiquetar de jazz ligero o de ascensor, <em>Easy listening</em> y también <em>Lounge</em>. La presentación es impecable, como la innovadora doble carátula y libreto, con instrucciones detalladas para la escucha, que incluye colocación óptima de los altavoces, así como una ficha técnica completa de micrófonos, amplificadores y maquinaria sonora empleada en la grabación. Fue pionero en usar 4 canales y el sistema de grabación estéreo en cinta magnética de 35 mm –como en el cine-, que anulaba ruídos y el efecto “wow”. Esta alta tecnología sumada a las portadas de Josef Albers y los sugerentes títulos “Percusión persuasiva”, “Percusión provocativa”, hacen de estos discos una serie de colección, no sólo de buena música, sino de arte del Siglo XX. Tener una edición original de estos siete discos es como tener un grabado de uno de los artistas más influyentes del arte moderno. Quiero llamar la atención especialmente sobre este diseño precursor que pertenece ya al imaginario global, del que han pasado cuarenta años y sigue de rabiosa actualidad, muy común en <em>flyers</em> y cartelería de sesiones de música electrónica. Commands Records y su director de arte Charles E. Murphy continuaron esta línea gráfica con otros diseñadores, discos que tengo en casa gracias a mi padre, que previamente trajera de Barcelona en los años 60.</span></span><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEicGdqAKxgjE0bvjhD9BaLW78tPAtD9JRThJyxVPUk_TtKVlkyPJZl8oR3cRo4gsGdJUIhCk7x7x9mNcWGGxm_y5VURNopgQvXdn0ILrXRwLabcOSjZdQ0Yf9gX0mAes5KEqoeHPw/s1600/6.jpg"></a><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhs_AQ_-E151rmG5ewhyQpK1tMY1RUfN-0n_bRqg5phW8khd9kLu8cNQHw8CSNdvfG_1AcE0jG0Y8joc_2JvPyznEWbNCiI78XuSJsiW91KV5UDJWqY8CkJHjPbLoLY5sUY1qnveA/s1600/untito75rled.jpg"><img alt="" border="0" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5554459635927165506" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhs_AQ_-E151rmG5ewhyQpK1tMY1RUfN-0n_bRqg5phW8khd9kLu8cNQHw8CSNdvfG_1AcE0jG0Y8joc_2JvPyznEWbNCiI78XuSJsiW91KV5UDJWqY8CkJHjPbLoLY5sUY1qnveA/s400/untito75rled.jpg" style="height: 400px; width: 395px;" /></a> <br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg_7WBo2cNfF1LYEXmenpFcwp-oq5puYO_Upmff77SB2Mc1WvmfSIzVsykga_fU8op9u_VrifdMubDkV_wHM6-mkktRa0fApJ0mq7hRI0HfpDOKRh6ChNjkOEzwQXwoir3JmM3jSg/s1600/pictures-at-an-exhibition-mussorgsky-ravel.jpg"><img alt="" border="0" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5554460052074217522" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg_7WBo2cNfF1LYEXmenpFcwp-oq5puYO_Upmff77SB2Mc1WvmfSIzVsykga_fU8op9u_VrifdMubDkV_wHM6-mkktRa0fApJ0mq7hRI0HfpDOKRh6ChNjkOEzwQXwoir3JmM3jSg/s400/pictures-at-an-exhibition-mussorgsky-ravel.jpg" style="height: 396px; width: 400px;" /></a><br />
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<span style="font-size: large;">Portadas de Josef Albers [1961]</span><br />
<br />
<span style="font-size: large;"><span style="color: silver;">Aunque dos de estas siete obras son música clásica, merece la pena poner aquí la lista completa de Josef Albers para Command Records:<br /><br /><strong>Provocative Percussion (Volume 1), 1959</strong></span></span><span style="color: silver; font-size: large;"><strong>Provocative Percussion (Volume 2), 1960</strong></span><br />
<span style="color: silver; font-size: large;"><strong>Provocative Percussion (Volume 3), 1961</strong></span><br />
<span style="color: silver; font-size: large;"><strong>Persuasive Percussion (Volume 1), 1959</strong></span><br />
<span style="color: silver; font-size: large;"><strong>Persuasive Percussion (Volume 3), 1960</strong></span><br />
<span style="color: silver; font-size: large;"><strong>Pictures at an Exhibition, Mussorgsky – Ravel, 1961</strong></span><br />
<span style="color: silver;"><span style="font-size: large;"><strong>Leonid Hambro and Jascha Zayde, Magnificent Two-Piano Performances, Mozart, Mendelssohn, Schubert, 1961</strong></span></span><br />
<span style="color: silver;"><span style="font-size: large;"><strong></strong><br />Cuando dejo correr estos elepés en casa me asaltan a la memoria escenas en Cinemascope: Cary Grant sentado en el hall del hotel disimulando tras un periódico, o preguntando a la recepcionista -con timidez calculada- por su día libre. Es un sonido optimista, jazz suave sin complicaciones melódicas. Son canciones de siempre: Caravana, Brasil, Cuando tu amor se ha ido, La Rumba de Miami, La Cucaracha, Mambo Jambo, Querida mía, etc. Enoch Light tiene pocas composiciones propias, pero sus versiones de <em>standars</em> universales son de lujo, tan buenas que alcanzan identidad propia. Es música de la <em>American way of life</em>; Jazz en un Chevrolet o un Lincoln camino del aeropuerto con destino Hawai. Y lo que falta de autoría en este tipo de Jazz lo pone Albers en las portadas, haciendo de estos siete álbumes –insisto-, una cumbre de la abstracción.<br /><br />Y en lo más íntimo, cuando suena Enoch Light y la Brigada Ligera, escapo del tiempo hasta un sábado por la mañana después de terminar las tareas: y ahí está el tocadiscos Dual Bettor, mis padres jóvenes, y una infancia feliz.</span> </span></div>
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<div style="text-align: justify;">
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<span style="font-family: arial;"><span style="font-size: 85%;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgw73ubmStT4_MsBDZ_s-u1m5ZoP-tOHgKfq46Xo4zjXRIldAz2lpVgbyCNdPIcGU_T_4nsmWWnKJGtmfKc-LHkRzk161lzsE4JWf0LUG_lFKsWF2sQKu4pYOZJfN-L9BQINOfmIQ/s1600/Los+Albers.jpg"><img alt="" border="0" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5554460475286265314" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgw73ubmStT4_MsBDZ_s-u1m5ZoP-tOHgKfq46Xo4zjXRIldAz2lpVgbyCNdPIcGU_T_4nsmWWnKJGtmfKc-LHkRzk161lzsE4JWf0LUG_lFKsWF2sQKu4pYOZJfN-L9BQINOfmIQ/s400/Los+Albers.jpg" style="height: 323px; width: 400px;" /></a></span></span><br />
<span style="font-family: Arial; font-size: large;">Anni y Josef Albers</span><br />
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<span style="font-family: Arial; font-size: 85%;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh4QZLwNaMoF3610UFUPiuuyggvIAfV0p-GnRFVeGVqemn6BBq6nmoktF7w9mpQOl8sUGRJm2XmfnlyrID-7UcjBCNP6eWKuX-nyqNz4bDtxrlatxd3t8ScqZz-n8Kk5cGbug0Z0A/s1600/DR+XIV%252C+de+Anni+Albers+1974.+Tinta+y+l%25C3%25A1piz+sobre+papel+%2528Influencia+mejicana%2529.jpg"><img alt="" border="0" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5554461255593719714" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh4QZLwNaMoF3610UFUPiuuyggvIAfV0p-GnRFVeGVqemn6BBq6nmoktF7w9mpQOl8sUGRJm2XmfnlyrID-7UcjBCNP6eWKuX-nyqNz4bDtxrlatxd3t8ScqZz-n8Kk5cGbug0Z0A/s400/DR+XIV%252C+de+Anni+Albers+1974.+Tinta+y+l%25C3%25A1piz+sobre+papel+%2528Influencia+mejicana%2529.jpg" style="height: 400px; width: 326px;" /></a></span><br />
<span style="font-family: Arial;"></span><br />
<span style="font-family: arial; font-size: large;">DR XIV, de Anni Albers 1974. Tinta y lápiz sobre papel (Influencia mejicana)</span><br />
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<span style="font-family: arial; font-size: 85%;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgXjH35N5RWyo7oqlYqdYGrgCDuMW8NkLFJzH_7a7Z0btJAc1z8kjpr8t1PxFM22krPqB-wI34WxQZHEkMNWWdcWpW5e-ZcaLc1OoeovEgzSlSvuZBQhrAu-VCpP68dqOUkBDChhA/s1600/Obra+de+Anni+Albers+%25281938%2529%252Cpublicada+en+la+revista+del+Black+Mountain+College.jpg"><img alt="" border="0" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5554461702318369570" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgXjH35N5RWyo7oqlYqdYGrgCDuMW8NkLFJzH_7a7Z0btJAc1z8kjpr8t1PxFM22krPqB-wI34WxQZHEkMNWWdcWpW5e-ZcaLc1OoeovEgzSlSvuZBQhrAu-VCpP68dqOUkBDChhA/s400/Obra+de+Anni+Albers+%25281938%2529%252Cpublicada+en+la+revista+del+Black+Mountain+College.jpg" style="height: 400px; width: 264px;" /></a></span><br />
<span style="font-family: Arial; font-size: 85%;"></span><br />
<span style="font-family: Arial; font-size: large;">Obra de Anni Albers (1938), publicada en la revista del Black Mountain College</span><br />
<br />
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<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Arial;"><span style="color: silver;">Nota: Se celebró una exposición sobre las portadas de Josef Albers para Command Records en Minus Space reductive arts, Brooklyn, Nueva York, del 12 de diciembre de 2009 al 30 de enero de 2010</span></span></div>
Miguel Gómez Losadahttp://www.blogger.com/profile/15195981795257141423noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-9813027.post-72475053854818585252010-10-29T14:44:00.000+02:002014-11-12T13:28:05.998+01:00CAMEO EN DIRECTO CAMEO en directo. Antes cogimos fuerza en El Maderfaker. Aquí está el vídeo doméstico de la aventura.
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<iframe allowfullscreen="allowfullscreen" frameborder="0" height="360" src="http://www.youtube.com/embed/Hkqm0sFuMpI" width="640"></iframe><br />
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Vídeo doméstico<br />
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SESIÓN FUNK EN EL MADERFAKER [MADRID, 25 OCT 2012]<br />
MIGUEL GÓMEZ LOSADA & <br />
MIGUEL A. SUTIL<br />
<a class="yt-uix-redirect-link" dir="ltr" href="http://www.maderfaker.com/es/club.html" rel="nofollow" target="_blank" title="http://www.maderfaker.com/es/club.html">http://www.maderfaker.com/es/club.html</a><br />
+<br />
CONCIERTO DE CAMEO EN JAZZCAFÉ [LONDRES, 26 OCT 2012]<br />
<a class="yt-uix-redirect-link" dir="ltr" href="http://venues.meanfiddler.com/jazz-cafe/home" rel="nofollow" target="_blank" title="http://venues.meanfiddler.com/jazz-cafe/home">http://venues.meanfiddler.com/jazz-cafe/home</a>Miguel Gómez Losadahttp://www.blogger.com/profile/15195981795257141423noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-9813027.post-2830602714962016222010-09-12T05:04:00.022+02:002010-09-12T19:43:59.869+02:00<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiuor4V1Pluc_R7LB1QRO1vI2LDxS_QW9Rqmk5-EAeA9f5BP7SNxRsaB3gXhN4TZNbqKV0yxqPJ7KjTRjr3PIZPe13frjC5y29yTsXN6zAVdFIOaIWinserwI_yzkh1ectVPHlkiQ/s1600/roger+troutman+en+1981.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5515859938776629746" style="WIDTH: 400px; CURSOR: hand; HEIGHT: 400px" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiuor4V1Pluc_R7LB1QRO1vI2LDxS_QW9Rqmk5-EAeA9f5BP7SNxRsaB3gXhN4TZNbqKV0yxqPJ7KjTRjr3PIZPe13frjC5y29yTsXN6zAVdFIOaIWinserwI_yzkh1ectVPHlkiQ/s400/roger+troutman+en+1981.jpg" border="0" /></a>
<br />
<br /><span style="font-size:78%;"><span style="color:#c0c0c0;"><span style="font-family:arial;">Roger Troutman en 1981</span> </span></span>
<br /><span style="color:#000000;"><span style="font-size:78%;">.</span>
<br /></span>
<br /><span style="font-family:arial;color:#c0c0c0;">DISCOS HERMANADOS, <span style="font-size:85%;">por <a href="http://gomezlosada.blogspot.com/">Miguel Gómez Losada</a></span><a href="http://gomezlosada.blogspot.com/"> </a></span>
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<br />
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<br /><p><span style="font-family:arial;font-size:85%;color:#666666;">Originalmente publicado en la edición en papel Nº31 de <a href="http://www.enlacefunk.com/">Enlacefunk</a></span><span style="font-family:arial;"><a href="http://www.enlacefunk.com/"> </a>
<br />
<br /><span style="color:#c0c0c0;"><strong>ZAPP - Zapp l</strong> <span style="color:#666666;">(1980)</span> <span style="color:#666666;">Warner Bros +</span>
<br /><strong>ROGER - Many face of Roger</strong> <span style="color:#666666;">(1981)</span> <span style="color:#666666;">Warner Bros</span> </span></span><span style="font-family:arial;"><span style="color:#c0c0c0;">
<br />
<br />Tengo el gusto de inaugurar esta sección con dos discos obligatorios de Funk, <em>Zapp l</em> y <em>Many Face of Roger,</em> hijos del mismo padre: Roger Troutman.
<br />
<br />Zapp l contiene <em>More bounce to the ounce</em>, que después de casi treinta años es el tema más importante en la historia del electrofunk. Los raperos de los noventa dieron fe de ello, poniendo a Roger en voga y retomando su legado: EPMD, Domino, Snoop, Ice Cube, Heavy D, o Digital Underground, así como ocurriera con el P-Funk y James Brown. El fraseo de talbox -<em><strong>More-Bounce, to-the ounce-</strong></em> cosido al categórico <em>bassline</em> de la canción, cambiaron la forma de entender las tecnologías aplicadas a la música. Este hallazgo no fue casual, el grupo Zapp estaba coproducido por Bootsy Collins. A su vez, Roger tenía ya un buen álbum grabado en 1976, <em>Roger and the Human Body</em>, con aroma a Ohio Players pero con el talkbox como instrumento protagonista en los temas más rotundos, que desde este momento definiría su personalidad.</span></span></p><p><span style="font-family:arial;"><span style="color:#c0c0c0;">Se puede decir que Zapp fue la última estrella del firmamento P-Funk, incluso la portada es de Ronald P. Edwars, el artista que pintó la de Fred Wesley & The Horny Horns: <em>A blow for me a toot to you</em>, álbum producido por George Clinton y Bootsy. Para que no hubiese dudas de cuál era la nodriza se encomendó la contraportada al artista Overton Loyd, que trabajaba con aerógrafo –tan de moda en aquellos años- autor de Gloryhallastoopid y Trombipulation, los discos tardíos de Parliament. El primer nombre en los agradecimientos de la contraportada es George Clinton. Esto es una actitud modélica, Afroamérica tiene ese respeto por los artistas mayores, al igual que la cultura gitana, y la oriental.
<br />
<br /></span><span style="color:#c0c0c0;"><em><span style="color:#339999;"><span style="color:#ffffff;"><span style="color:#ffffff;">En el Japón imperial, un pintor empezaba a ser tomado en cuenta cuando reconocía públicamente a su maestro, y adquiría el compromiso de transferir su enseñanza artística a un nuevo alumno. Esto sólo ocurre cuando la cultura viene en línea desde atrás, y los artistas se saben transmisores de</span> una de fuerza cósmica que se pierde en la noche de los tiempos.</span>
<br /></span></em>
<br /><em>Funky Bounce</em> me recuerda al Funk descarado que sonaba cuando Starsky y Hutch se introducían en los barrios negros, buscando a Huggy Bear para sonsacarle información. El tema suena sobrado, y los handclaps parecen marcar el paso alegre y confiado de un sospechoso justo antes de que aparezca el coche de la policía. </span></span>
<br /></p><p><span style="font-family:arial;"><span style="color:#c0c0c0;">
<br /><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgFBZsXDMzgg6dPxgj_Fr3k77Vg_e9WEKPHj1RxZ84v6ecOFccvJd0M51ePpmSSq3_QSz2ZGnVKMs5dbAlKAJDOQtPW_5zYVoaDKbEzTPxDBJkcbJmAtD7pDYbrBng54sT1Q9u3Qw/s1600/zapp.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5515862523270733154" style="WIDTH: 400px; CURSOR: hand; HEIGHT: 400px" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgFBZsXDMzgg6dPxgj_Fr3k77Vg_e9WEKPHj1RxZ84v6ecOFccvJd0M51ePpmSSq3_QSz2ZGnVKMs5dbAlKAJDOQtPW_5zYVoaDKbEzTPxDBJkcbJmAtD7pDYbrBng54sT1Q9u3Qw/s400/zapp.jpg" border="0" /></a></span></span></p><span style="font-family:Arial;font-size:78%;color:#c0c0c0;">Zapp l</span>
<br /><span style="font-family:Arial;font-size:78%;color:#c0c0c0;"></span><span style="font-family:arial;"><span style="color:#c0c0c0;">
<br /><em>More bounce to the ounce</em> es oficialmente el hit del disco, sin embargo mi favorita es <em>Be alright</em>. Es un medio tiempo contundente a la vez que amoroso, precursor de casi todo el R´n´B de los 90. Grupos como H-Town, SWV o EnVogue le deben mucho. Su base rítmica es insuperable, algo así como el tiburón a la acuodinámica animal; o los árboles, exponentes máximos del reino vegetal. En el desarrollo instrumental, los coros recuperan la melancolía del blues, y la guitarra suena desconsolada como el maullido de un gato abandonado. <em>Freedom,</em> y <em>Brand new player</em> tienen la redondez, el jugo, el color y la alegría de una naranja, con ese sonido de 1976: cuando los grupos de Funk todavía estaban formados por más de diez miembros. De hecho <em>Freedom</em> se grabó originalmente para el álbum <em>Roger and Human Body</em>, cuatro años antes que Zapp l. <em>Coming home</em> es un blues rápido que cierra el álbum, y recuerda que aunque la criatura electrofunk esté recien nacida, el abuelo sigue mereciendo atención.
<br />
<br />La historia del talkbox –escrita casi siempre por críticos musicales de influencia rockera- atribuyen a Peter Framton haberlo usado como instrumento por primera vez, sin embargo, éste se animó a hacerlo cuando escuchó en 1972 el tema <em>Love having you around</em>, incluido en el elepé <em>Music on my mind</em> de Stevie Wonder. El talkbox es negro, así lo demuestran Stevie Wonder, Graham Central Station en el tema <em>Now do-u-wanta dance</em> (1978); o Sly & The Family Stone, en <em>The same thing, makes you laugh, makes you cry</em> (1979); y el mismísimo Roger Troutman, con su banda Human Body y posteriormente con Zapp.
<br /></span></span><span style="font-family:arial;"><span style="color:#c0c0c0;"></span></span>
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<br /><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhJVyiNfr88ju3u0gJxY7jJhJTRCOe2gC0g3tPHRsMKtZlZIi7lcDV6SBG1mXPt1RtutmT8Z0vmigCZQkHPISvnyUOBYUHk3OX-rJRodSTYK4VROzzXZbAqUOXmOlcoxqQKmteAfA/s1600/roger.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5515864374868796930" style="WIDTH: 400px; CURSOR: hand; HEIGHT: 400px" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhJVyiNfr88ju3u0gJxY7jJhJTRCOe2gC0g3tPHRsMKtZlZIi7lcDV6SBG1mXPt1RtutmT8Z0vmigCZQkHPISvnyUOBYUHk3OX-rJRodSTYK4VROzzXZbAqUOXmOlcoxqQKmteAfA/s400/roger.jpg" border="0" /></a></p><span style="font-family:arial;font-size:78%;color:#cccccc;">The many face of Roger</span>
<br /><span style="font-family:Arial;font-size:78%;color:#cccccc;"></span><span style="font-family:arial;"><span style="color:#c0c0c0;">
<br />En 1981, Roger Troutman bifurcó su trayectoria en Zapp y Roger. En el álbum <em>The many face of Roger,</em> el electrofunk alcanzó su madurez. El secreto estaba en amalgamar el carácter robótico del talkbox, su forma de tocar la guitarra sin vanidad de solista, el ritmo metálico y electrizante, con la corpulencia de las grandes bandas de Funk. Lo consiguió. Zapp & Roger es sobretodo Funk del espacio exterior, los sintetizadores y el talkbox le dotan de ambientes cósmicos, evocando el Sputnik y a los primeros cosmonautas, fascinados con el azul del océano a través del cristal de la nave. <em>I Heard it through the grapevine</em> es una versión del clásico de Norman Whitfield, popularizado por Marvin Gaye en 1968, que cuesta reconocerla sin la ayuda del título. Dura más de diez minutos.
<br />
<br />En <em>A chunk of sugar</em> deja ver su conocimiento de la guitarra, tocando como un discípulo aventajado de Wes Montgomery, sobre una base rítmica subordinada, de las que están ahí detrás.
<br />
<br /><em>Maxx Axe</em> es el tema feliz del disco. Puro gozo, puro viaje, música para olvidar preocupaciones y situarse en el lado soleado del mundo. Escucharla te arranca una sonrisa pulmonar con calor en la nuca. Música para llamar a tus amigos y celebrar la vida en el restaurante de la esquina.
<br />
<br /><em>Do it Roger</em> es una fiesta, con una intro sin batería que es verdadera elegancia. El tema transcurre sobre un entramado de guitarras rítmicas, bajos sintetizados que mugen, palmotadas y coros testiculados, que jalean a Roger en su travesía por el tema, diciéndole todo el rato: “Hazlo Roger, hazlo”; animándole como a un saltador de trampolín. El disco vuelve a cerrar como Zapp l, con <em>Blue (A tribute to the Blues).</em>
<br />
<br />Este álbum contiene el aplastante <em>So ruff, so tuff</em>, sampleado en 1991 por Ice Cube en <em>H</em></span></span>
<br /><span style="font-family:arial;color:#c0c0c0;"><em>ow to survive in South Central</em></span><span style="font-family:arial;"><span style="color:#c0c0c0;">, con un groove infeccioso en la línea de <em>More bounce to the ounce</em>. Es Funk ejemplar. El bajo acomete con la vehemencia del oso cuando empuja el árbol para que caigan los frutos, y antes de acabar el tema, la instrumentación se detiene, dejando a solas un pegadizo riff de guitarra rítmica, que influiría años más tarde en Prince. </span></span>
<br /><span style="font-family:arial;"><span style="color:#c0c0c0;"></span></span>
<br />
<br /><p><span style="font-family:arial;"><span style="color:#c0c0c0;">
<br /><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiaOy1h6LB-CcbWOf3OpupmC9hW732UbVtWATzEKIcQ5GXQ4MBGywytVYEGuGbcj37pKRhnaaMBYrM6HvooFWy4-KWXSukwXTz0nPg-c9ceNldEHrLm8EshOO7z3kzfVduvnfjRVQ/s1600/zapp.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5515997208536490530" style="WIDTH: 400px; CURSOR: hand; HEIGHT: 394px" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiaOy1h6LB-CcbWOf3OpupmC9hW732UbVtWATzEKIcQ5GXQ4MBGywytVYEGuGbcj37pKRhnaaMBYrM6HvooFWy4-KWXSukwXTz0nPg-c9ceNldEHrLm8EshOO7z3kzfVduvnfjRVQ/s400/zapp.jpg" border="0" /></a></span></span></p><span style="font-family:arial;"><span style="font-size:78%;color:#c0c0c0;">Zapp & Roger</span></span>
<br /><span style="font-family:arial;"><span style="color:#c0c0c0;">
<br />Sirva este artículo para reconocer la calidad como guitarrista de Roger, y aunque su guitarra quedase a veces eclipsada por la presencia del talkbox, hay que nombrar de una vez por todas a Roger Troutman maestro de Prince en su periodo 1986-1988. Es frecuente que al descubrir a Zapp recuerde a Prince, y en realidad es al revés. El mejor Prince está en los álbumes <em>Parade</em> y <em>Sign ´o´ the times</em>, justo los dos discos posteriores al esplendor de Zapp.
<br />
<br />La antorcha de la esperanza negra pasó de James Brown a George Clinton & Bootsy, Zapp & Roger, luego a Prince, y ahora a Roy Hargrove. Ésa es la línea sucesoria. Cada nuevo eslabón se une siempre con uno más, en una interminable cadena cultural.
<br />
<br />Esto sucede cuando el artista se siente en comunidad.
<br />Esto sucede cuando el artista necesita formar parte. </span></span>
<br /><span style="font-family:arial;"><span style="color:#c0c0c0;"></span></span>
<br /><span style="font-family:arial;"><span style="color:#c0c0c0;">Y</span></span><span style="font-family:arial;"><span style="color:#c0c0c0;"> ser encontrado.</span></span>
<br />
<br /></span></span><p><span style="font-family:arial;"><span style="color:#c0c0c0;"><em><span style="color:#cccccc;">Aun en medio de la nada, resplandece.</span> </em></span></span></p>
<br />Miguel Gómez Losadahttp://www.blogger.com/profile/15195981795257141423noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-9813027.post-13599993613866473302010-07-17T11:24:00.006+02:002013-03-10T12:05:09.974+01:00<object height="185" width="390"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/UZXS7g7rYEY&hl=es_ES&fs=1?rel=0"><param name="allowFullScreen" value="true"><param name="allowscriptaccess" value="always"><embed src="http://www.youtube.com/v/UZXS7g7rYEY&hl=es_ES&fs=1?rel=0" type="application/x-shockwave-flash" allowscriptaccess="always" allowfullscreen="true" width="390" height="185"></embed></object><br />
<span style="color: #999999; font-family: arial;"></span><br />
<span style="color: #999999; font-family: arial;"></span><br />
<span style="color: #999999; font-family: arial;">FUNK BELGA de primerísimo nivel. No es AcidJazz. Atención a la hondura gospel, la filosofía lúdica de los teclados, el juego, el rebote y la gozada. El bajo muge como una bestia de cuadra cuando avisa que no quiere ser molestada. Luego la sección de vientos -disparos-, y las guitarras alargadas que dan velocidad. El ritmo empieza sin el más mínimo presagio de lo que viene luego, ganando potencia sin avisar, haciéndose mayor, agarrándote con dolor y placer como un agarrón testicular. Wizard of Ozee - Hifi [1996]</span>Miguel Gómez Losadahttp://www.blogger.com/profile/15195981795257141423noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-9813027.post-86865919604331596242010-07-14T18:34:00.020+02:002011-06-01T00:47:09.626+02:00<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgUL6ITYnzCs15LLlTL_RztwliTM06gmyCNuVjUAdtedoaWZwoFEkGdrRILhtUh_mGAuUgVdPSH7uzhZdtxhArXxupeqZkgyMzZVJXi7J_unYULQUn4zIuxi6LZhonStnzh7aNzEg/s1600/ohio+players+foto+de+contraportada.jpg"><img style="WIDTH: 400px; HEIGHT: 285px; CURSOR: hand" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5493807801733624018" border="0" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgUL6ITYnzCs15LLlTL_RztwliTM06gmyCNuVjUAdtedoaWZwoFEkGdrRILhtUh_mGAuUgVdPSH7uzhZdtxhArXxupeqZkgyMzZVJXi7J_unYULQUn4zIuxi6LZhonStnzh7aNzEg/s400/ohio+players+foto+de+contraportada.jpg" /></a><br /><span style="font-family:arial;font-size:78%;">Ohio Players, Jass-Ay-Lay-Dee [foto de contraportada]</span><br /><br /><br /><br /><span style="font-family:arial;"><strong><span style="color:#cccccc;">DISCOS HERMANADOS</span></strong><br /><span style="font-size:85%;"><span style="color:#cccccc;">por</span> <a href="http://gomezlosada.blogspot.com/">Miguel Gómez Losada</a></span><a href="http://gomezlosada.blogspot.com/"> </a></span><span style="font-family:arial;"><span style="font-size:85%;"><br /></span><br /><span style="color:#cccccc;"><strong>BAR-KAYS, FLYING HIGH ON YOUR LOVE</strong> (1977)<br /><strong>OHIO PLAYERS, JASS-AY-LAY-DEE</strong> (1978)</span><br /></span><span style="font-family:arial;"><br /><br /><div align="justify"><br /><span style="font-size:85%;color:#cccccc;">Aparecido originalmente en la edición en papel de la Revista ENLACEFUNK Nº33</span><br /><br /><span style="font-size:130%;color:#cccccc;">Quiero hablar de FUNK ESPAÑOL. Este verano [2009] he tenido el placer de asistir a <strong><em>Imágina Funk</em> </strong>y a <em><strong>Enclave de Agua</strong></em>, que son los dos festivales de música negra de España. En el primero, el subtítulo es Festival Funk del Sur de España, y del segundo, Festival de Música Afroamericana. España está de enhorabuena por ello, y al igual que está asumido el sintagma Pop español, ya se puede hablar de Funk español. </span></span></div><br /><div align="justify"><span style="font-family:arial;font-size:130%;color:#cccccc;"></span></div><br /><br /><div align="justify"><span style="font-family:arial;font-size:130%;color:#cccccc;">Tenemos festivales. Complacido me dio la impresión de que la dominante de los grupos programados –excepto P-Theory y The Black Evolution Experiencia, de tradición y aspiración P-Funk respectivamente- seguía el rastro de los Rare Groves de Blue Note. En concreto de las formaciones tan populares en 1969 con el Hammond como protagonista sobre el conocido “beat” de James Brown: las de Richard Groove Holmes, Lonnie Smith o Reuben Wilson, hibridando este concepto rítmico con la vertiente instrumental, progresiva e hipnótica del Afrobeat.</span></div><br /><div align="justify"><span style="font-family:Arial;font-size:130%;color:#cccccc;"></span><br /></div><br /><div align="justify"><span style="font-family:arial;font-size:130%;color:#cccccc;">Me pareció que la música negra que gusta a los directores artísticos de estos festivales sobrevuela el año1969. Y aunque este ejercicio de -raíz- es un comienzo inmejorable, no puedo disimular mi deseo de que esto sea sólo un punto de partida, y que las bandas españolas y quienes programan, incorporen a este bagaje la herencia de los grandes grupos que maduraron después, cogiendo así su relevo: Sly (1971-1975), Earth, Wind & Fire, Ohio Players, Kool & The Gang (1969-1976), la nación P-Funk, Pleasure; y luego Maze, Cameo, Gap Band, Zapp, y Prince, seguidos de D´angelo o Roy Hargrove por ejemplo, y que gracias a ellos, el Funk -con el Jazz dentro- alcanzó el cénit.</span></div><br /><div align="justify"><span style="font-family:arial;font-size:130%;color:#cccccc;"></span></div><br /><div align="justify"><span style="font-family:arial;font-size:130%;color:#cccccc;">Incentivar hoy desde cualquier programación esta línea de gran Funk, es garantizar para mañana la diversidad en las propuestas (además de alinear históricamente al HipHop español con su raíz afroamericana), y esto no solo es bueno para el FUNK ESPAÑOL, sino para la cultura en general. </span><br /></div><br /><div align="justify"><span style="color:#cccccc;"><span style="font-family:arial;font-size:130%;">Después de sufrir durante años oír que Jamiroquai, Lenny Kravitz y Red Hot Chili Peppers hacían Funk, sin que nadie mencionara a Stevie Wonder, Betty Davis o Funkadelic; padecer en los bares de diseño del 92 “estilo cafetería del AVE” esa música previsible llamada Acidjazz; y que el órgano Hammond recordara a los pasajes instrumentales de The Doors antes que a Jimmy Smith, estos dos festivales españoles me han dado un júbilo inmenso que me propulsa a seguir predicando el FUNK y a sostener que España (digo “España” sin complejo, y sin eufemismos ya superados como “este país”), es una potencia cultural. </span></span><span style="color:#cccccc;"><span style="font-size:130%;"><span style="font-family:arial;"><span style="color:#000000;"><br /></span><br />Pero hay un asunto que me preocupa: en España, la modernidad siempre ha sido muy británica, de apariencia Mod, Punk, Pop, Rock, etc; y ahora que el Funk ya no es algo desfasado sino que empieza a estar bien visto por la progresía, corremos el riesgo de que se rockerice en sus modos escénicos siguiendo nuestra propia inercia de indolencia en el discurso artístico, que es cosa habitual tanto en los directos como en los videoclips: Teatralizar la convalecencia o la salud débil elevándola a categoría estética; quejarse porque somos víctimas del sistema; y renunciar a todo porque ya no importa nada. Y esta actitud no tiene por qué restar calidad a las canciones (personalmente detesto esa postura nihilista que apologiza la desgana), pero sí que estas maneras pudieran dejar fuera lo que objetivamente es la esencia del Funk.</span> </span><span style="color:#000000;"><span style="font-size:130%;"><br /></span></div></span></span><br /><br /><div align="justify"><span style="color:#cccccc;"><span style="font-size:130%;"><span style="font-family:arial;">Es buen momento para recordar que el Funk nació como una respuesta social, cuando los negros, básicamente, se cansaron de estar sometidos por ser negros. Se podría decir que el Funk fue la consecuencia cultural de una necesidad imperiosa por cambiar las cosas. De esa lucha por LA LIBERTAD, al Funk le salieron músculos, y al irla logrando le dio alegría; por eso escuchar Funk da ganas de vivir. Esto derivó en unos modos extrovertidos, un derroche de confianza donde la fantasía era la protagonista; la alegría explícita, lo normal; vivir encarnecidamente, un derecho; y optimizar el dolor, un homenaje a los que dieron su vida en la conquista de la dignidad.</span> </span></span></div><span style="color:#000000;">.</span><br /><span style="color:#cccccc;"><br /><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjndDUwEN4t_8pYJ-445c6rxZAfCUTzdirLa-w8Ueyt4wMTmPPKxSBlLlpc8c6Vfzrfk4bEsUFsprmgmy0A_Ym94vRp1E9q0oUvoD38b3ihh20xbX8Ky6wF9TY337ycyQKBh2-lPQ/s1600/barkays+portada.jpg"><img style="WIDTH: 400px; HEIGHT: 400px; CURSOR: hand" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5493802416595804386" border="0" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjndDUwEN4t_8pYJ-445c6rxZAfCUTzdirLa-w8Ueyt4wMTmPPKxSBlLlpc8c6Vfzrfk4bEsUFsprmgmy0A_Ym94vRp1E9q0oUvoD38b3ihh20xbX8Ky6wF9TY337ycyQKBh2-lPQ/s400/barkays+portada.jpg" /></a><br /><br /><span style="font-family:Arial;"><span style="color:#666666;"><span style="font-size:78%;">Bar - Kays, Flying high on your love </span><br /></span><span style="color:#000000;">.</span><br /></span><span style="font-family:Arial;"></span></span><br /><br /><div align="justify"><span style="color:#cccccc;"><span style="font-family:arial;font-size:130%;">Funk también significa creer en Dios como máxima de agradecimiento, pudiendo hacer a veces un binomio natural con el hedonismo y la sexualidad divertida (creer en Dios es sobretodo amar la vida). Desde entonces el Funk es la música del amor explícito, de la esperanza, y de la felicidad como aspiración. Si miramos las portadas de los grandes discos de Funk encontraremos mucho sentido del humor, risa sin reservas, lentejuelas, trajes espaciales, sombreros tejanos (Gap Band); también sombrero cordobés (Lenny White); pañales de bebé (Gary Shider); atuendos a la manera de Robin Hood, piratas, cowboys (Lakeside), taparrabos (Blowfly); Indios, faraones egipcios, etc; que no era sino una reafirmación de la libertad de la cultura afroamericana mediante la alegría y la imaginación. </span></span></div><br /><div align="justify"></div><br /><div align="justify"><span style="color:#cccccc;"><span style="font-size:130%;"><span style="font-family:arial;">Y ahora quiero hacer una pregunta a la progresía -aludiendo a la permisividad que la caracteriza hacia otras formas de ser-.</span> </span></span><span style="color:#cccccc;"><span style="color:#000000;"></div></span></span><br /><br /><div align="justify"><span style="font-size:130%;"><span style="font-family:arial;"><span style="color:#cccccc;">¿Caeremos en España en la tentación de descalificar esta actitud intrínseca al sonido Funk y desplazarla por hortera? Ya no por favor, otra vez más, no, por favor. Vale que el FUNK tenga una apariencia britanizante en España, de acuerdo, pero si es normal el flequillo a ras de la mirada, las gafas de pasta, la barba comunista de la transición española, los nikis “Fred Perry”, el gesto desmotivado y la delgadez extrema; entonces, las cazadoras con mangas de flecos “Daniel Boone”, las camisas de leopardo, las cadenas de oro rebotando en los pectorales, los zapatos abrillantados con Canford, la cara bien afeitada y la sonrisa solar, también.</span></span></span></div><br /><div align="justify"><span style="font-size:130%;"><span style="color:#000000;">.<br /></span><span style="font-family:arial;color:#cccccc;">Y para ilustrar esta defensa del FUNK, propongo dos discos hermanados calientes, jugosos y crujientes como los jabalíes asados que devoraba Obélix en los banquetes finales de todas sus aventuras: BAR-KAYS, FLYING HIGH ON YOUR LOVE (1977) y OHIO PLAYERS, JASS-AY-LAY-DEE (1978); los dos del sello Mercury. </span></span><span style="font-family:arial;font-size:130%;color:#000000;">.</span></div><br /><br /><div align="justify"><span style="font-family:arial;font-size:130%;color:#cccccc;">Muchos conocen a Bar-Kays por haber sido la banda de Otis Redding y por su éxito de 1967 Soul Finger. Diez años después grabaron este alegato sin complejos del amor.</span></div><br /><br /><div align="justify"><span style="font-size:130%;color:#000000;">.</span></div><span style="color:#cccccc;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgSBTrxa75MVJwbrmY9nPWiLNrjkcF39yszq94avAfOgaMlPiLKLGe0UVcFBuBKZEjTLJf0yu0OXf8gVie4NFv6xUf2XyGkRiztfGZzZvwOIhEFbRo4f_YCVIq2OM9Jj05yOtLEng/s1600/barkays+foto+de+contraportada.jpg"><img style="WIDTH: 400px; HEIGHT: 400px; CURSOR: hand" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5493803322255842722" border="0" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgSBTrxa75MVJwbrmY9nPWiLNrjkcF39yszq94avAfOgaMlPiLKLGe0UVcFBuBKZEjTLJf0yu0OXf8gVie4NFv6xUf2XyGkRiztfGZzZvwOIhEFbRo4f_YCVIq2OM9Jj05yOtLEng/s400/barkays+foto+de+contraportada.jpg" /></a></span><br /><span style="color:#cccccc;"></span><br /><span style="font-family:arial;font-size:78%;">Bar-Kays, Flying high on your love [foto de contraportada]</span><br /><br /><br /><div align="justify"><span style="font-family:arial;font-size:130%;color:#cccccc;">En la contraportada aparecen ellos fascinados mirando una hada negra que cruza el cielo -metáfora visual del título-. Sus rostros tienen actitud de creer lo que están viendo, convencidos de que el amor rige el mundo y da sentido a la existencia, y justo por ello es inútil cualquier disimulo en la expresión afectiva. En la portada escenifican con los brazos una bandada de pájaros, aludiendo de nuevo al álbum pero riendo en clave <em>Let´s have some fun</em>, uno de los cinco temas bailables y pinchables del disco. El sonido Bar-Kays de final de los 70 está a medio camino entre Commodores y Ohio Players, que junto con Cameo formarían ese funk vocal cuyos fraseos acaban en “aow”, “ueaw”, y weau”, a modo de rugido de felino cuando marca territorio o se aparea. <em>Shut the funk up</em> y <em>Whatever it is</em> te harán bailar sin remedio, <em>Attitudes</em> recordar un antiguo amor: un abrazo de noche, en el banco de un parque iluminado por farolas salteadas, con el sonido lejano y adormecedor de los coches por la avenida. <em>You can´t run away</em> te saca de la nostalgia emplazándote al porvenir, con la mirada esperanzada de aquellos navegantes que soñaban Ítacas siguiendo el vuelo de los albatros (esta imagen es para ti, mi querido Pedro García). La canción que da título al álbum cierra la cara B, y tiene un recuerdo de aroma a <em>Devotion</em> de Earth, Wind & Fire. Es una composición templada que evoca el fin del verano, donde la sección de vientos parece el idioma cálido del sol, apoyando el estribillo <em>I´m flying high on your love, in the sky</em>, repitiéndose hasta la emoción. </span></div><span style="font-family:arial;"><br /></span><br /><br /><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjH2KZcfQTXp4RjdXHLDA9ykfO9NWBib_87lbP9myQH6nBDtkGHxQZrY2WJ0kplkiWJj0FG4KbZoCQs9kkFx7FrqGZijL3CfSVN-XiMYqHIF5G7Nnk838_hVq1Ia84QxnadMfHQeg/s1600/ohio+players+portada.jpg"><img style="WIDTH: 400px; HEIGHT: 400px; CURSOR: hand" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5493804978057934514" border="0" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjH2KZcfQTXp4RjdXHLDA9ykfO9NWBib_87lbP9myQH6nBDtkGHxQZrY2WJ0kplkiWJj0FG4KbZoCQs9kkFx7FrqGZijL3CfSVN-XiMYqHIF5G7Nnk838_hVq1Ia84QxnadMfHQeg/s400/ohio+players+portada.jpg" /></a><br /><br /><span style="font-family:arial;font-size:78%;">Ohio Players, Jass-Ay-Lay-Dee</span><br /><span style="font-size:78%;"></span><br /><br /><div align="justify"><br /><span style="color:#cccccc;"><span style="font-family:arial;font-size:130%;">Después de este disco –primer bocado de Obélix-, viene el segundo bocado, más sabroso si cabe, jugoso, y con múltiples registros en el mapa gustativo: JASS-AY-LAY-DEE de Ohio Players. Mi favorito del grupo sin duda. Parece que los pinchadiscos de Funk sólo ponen Funky Worm (1972) porque contiene el fraseo de teclado casi arabeizante que hizo eco en Ice Cube y Dr. Dre, convirtiéndose en el ingrediente mágico para lograr la atmósfera misteriosa de sus discos. Ohio Players es un grupo que se puede pinchar, y se debería pinchar antes que US3 por ejemplo, sobretodo cuando el subtítulo de un festival sea la palabra FUNK, porque Ohio Players, junto a Parliament/Funkadelic y Earth, Wind & Fire, son las bandas gordas, gordas, gordas, de FUNK; y si queremos propagar esta forma de vida en España, y compartir esta música con la gente que no ha tenido oportunidad de llegar hasta el Funk, Ohio Players y las bandas mencionadas en este artículo, no se nos pueden olvidar. Propongo dos tajadas de carne musculada, sin hueso, para masticar con enjundia: <em>Funk –o-nots</em>, y <em>Shoot yer shot</em>. Esta última es un medio tiempo con handclaps, y tiene tanta, tanta, tanta potencia, que si fuera carne de cerdo, no sería de cerdo rosa, sino de cerdo negro, un cerdo gordo y negro, casi jabalí. </span></span><span style="font-family:arial;"><br /><br /><span style="font-size:85%;color:#999999;">Agradecimiento público para César Merino -Imágina Funk-; a Alfredo y Pitu -En clave de Agua-; a la gente de Maderfaker, por su amabilidad Funk en el stand de los dos festivales; y a Julián Maeso y su Hammond, por las intros emocionantes previas a los grupos. Y una sonrisa escrita para Miguel A. Sutil, por ser a la vez viento a favor y faro de Alejandría para el Funk español.</span></span></div>Miguel Gómez Losadahttp://www.blogger.com/profile/15195981795257141423noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-9813027.post-47462184836265933402010-06-16T11:30:00.003+02:002010-06-17T17:26:25.088+02:00<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi49w3MCdfifldwY836dT9dVDd6Kh_MEP9bvXRQ22E5PftM5DMgTgcNCpcnuuKDHUqObhCw3hv36WmeH6N347GfSNdk0VOSCMiXJZSKWWwygFXj1K49Zf0SFDYjSfVhLosOwhe69g/s1600/juniojulio2010DAVIDDJ.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5483764312958448370" style="WIDTH: 400px; CURSOR: hand; HEIGHT: 317px" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi49w3MCdfifldwY836dT9dVDd6Kh_MEP9bvXRQ22E5PftM5DMgTgcNCpcnuuKDHUqObhCw3hv36WmeH6N347GfSNdk0VOSCMiXJZSKWWwygFXj1K49Zf0SFDYjSfVhLosOwhe69g/s400/juniojulio2010DAVIDDJ.jpg" border="0" /></a><br /><div><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiYWPjdjIeoxk8WKK0uWg4vKYuhqDoAZQtmUWk1LS1xRZ90MpjsEBjTsxslbYqnlgX6ek-J4vK4V1T3gtTTHUGKis2tax7qhZDkNu-UT9DNtgLrLvxi-PswbdEKj3mGpHxvvfSIsQ/s1600/DAVIDDJ_SESIONES+JUNIOJULIO2010.jpg"></a><br /><br /><br /><span style="font-family:arial;font-size:85%;color:#666666;"><span style="color:#c0c0c0;">DAVIDDJ</span> [THE BLACK EVOLUTION / ENNEGRO]</span><br /><br /><span style="font-family:arial;font-size:85%;color:#c0c0c0;">SESIONES EN VINILO</span><br /><br /><span style="font-family:arial;font-size:85%;color:#666666;">JUNIO 2010</span><br /><br /><span style="font-family:arial;font-size:85%;color:#666666;">SÁBADO 19 AFRODISIA CLUB [GRANADA]<br />MIÉRCOLES 23 INAUGURACIÓN DE LOS JARDINES DE SANSUEÑA [CÓRDOBA] SÁBADO 26 KATHMANDÚ [MADRID] CON MIGUEL A. SUTIL [ENLACEFUNK]</span><br /><br /><span style="font-family:arial;font-size:85%;color:#666666;">JULIO 2010</span><br /><br /><span style="font-family:arial;font-size:85%;color:#666666;">VIERNES 16 Y<br />SÁBADO 17 CLUB TXOLA [LA LAGUNA, TENERIFE] CON SR. LOBEZNO [AFRODISIA CLUB] VIERNES 23 AFRODISIA CLUB [GRANADA] SÁBADO 24 BOOGACLUB [GRANADA]<br />Y TODOS LOS JUEVES EN AFRODISIA CLUB [GRANADA]</span><br /><br /><span style="font-family:arial;font-size:85%;color:#666666;"><span style="color:#333333;">Imagen_ Ninfas y sátiro de William-Adolphe Bouguereau (1873) </span></span></div>Miguel Gómez Losadahttp://www.blogger.com/profile/15195981795257141423noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-9813027.post-51855829444440568902009-08-11T11:27:00.000+02:002014-11-12T13:28:49.128+01:00Missy Dee<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhTdbC3IbeOaGjm82vHaNZG8CUYeIl9cIBK0U5hrLHYTME6YSt1f4NIcIgyDywzL1SpfiGbJGzRaHOxDv3RKocggcb-hQSbR3cLhTcB8CNDcPSgHXwVjwsvv5P9N5uWPiIIm-_8qQ/s1600/l.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhTdbC3IbeOaGjm82vHaNZG8CUYeIl9cIBK0U5hrLHYTME6YSt1f4NIcIgyDywzL1SpfiGbJGzRaHOxDv3RKocggcb-hQSbR3cLhTcB8CNDcPSgHXwVjwsvv5P9N5uWPiIIm-_8qQ/s1600/l.jpg" /></a></div>
Missy Dee<br />
<br />
<span style="font-size: large;">En el recopilatorio <a href="http://lnx.indajaus.com/acidjazzhispano/content-628-page2.html" target="_blank">Party - Keller Vol. 2</a> de Florian Keller hay un corte <i>old school</i> bestial, <i>boogie</i> con categoría. Es la definición de ritmo, rap con <i>flow</i>, eso que fluye, lo que va. Y pensé, de dónde sale este tema que no conozco, ni nada que se le parezca; pues sí, tiré del hilo y supe que es una remezcla del clásico de HipHop Missy Missy Dee, de Missy Dee & The Melody Crew. Rap en femenino con pegada, actitud y militancia. No elijo, me quedo con la remezcla y con la original.</span><br />
<br />
<br />
<iframe allowfullscreen="allowfullscreen" frameborder="0" height="480" src="http://www.youtube.com/embed/hni6jPXRF6g" width="853"></iframe>
<iframe allowfullscreen="allowfullscreen" frameborder="0" height="480" src="http://www.youtube.com/embed/5qmST3G_sSQ" width="853"></iframe>Miguel Gómez Losadahttp://www.blogger.com/profile/15195981795257141423noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-9813027.post-42372795144244959492009-08-09T12:59:00.000+02:002014-11-12T13:29:32.690+01:00<iframe allowfullscreen="allowfullscreen" frameborder="0" height="480" src="http://www.youtube.com/embed/hRjSpF8-R_c" width="853"></iframe><br />
<br />
<ul>
<ul>
<ul>
<ul>
<ul>
<ul>
<li><h6 align="JUSTIFY" class="western">
<span style="font-size: large;">Full Force fueron
conocidos en España en 1985, por el superéxito Alice, I Want
You Just For Me!, -tema precursor del New Jack Swing-, pero fue
en 1988 cuando alcanzaron reconocimiento fuera de América
haciéndole I´m Real a James Brown. Full Force es Funk coral,
voces que contestan, modo réplica, remedos melódicos que se
repiten como una letanía. Pero antes de lograr su estilo
propio, ese Funk forzudo, tienen un maxi de 1980 con sonido
"fin de raza", raro y bueno, con vocación de
directo, donde la batería suena a batería y el bajo a bajo,
con "handclaps" sobre el estribillo. Turn You On fue
su debut, tiene sorpresas rítmicas, paradas, vientos largos,
lo imprevisible, todo eso que distingue al Funk de los
sucedáneos. Atención a la guitarra tipo Brother Johnson y al
bajo "bounce" haciendo rebote a la manera Sugarhill.
Funk gordo de Brooklyn perfecto para escuchar con auriculares
en hora punta de la piscina y sentir el afán celeste, la
euforia alegre, ese estado vital "todo puede suceder",
la celebración por dentro, la fuerza negra, la esperanza, "EL
SUNSHINE".</span> </h6>
</li>
</ul>
</ul>
</ul>
</ul>
</ul>
</ul>
Miguel Gómez Losadahttp://www.blogger.com/profile/15195981795257141423noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-9813027.post-44021109694098841502009-08-04T18:50:00.000+02:002014-11-12T13:29:45.678+01:00<iframe allowfullscreen="allowfullscreen" frameborder="0" height="360" src="http://www.youtube.com/embed/-hI1c6FrhKc" width="480"></iframe>
<br />
<br />
<div style="text-align: left;">
<span style="font-size: large;">Este tipo de Jazzfunk llegó a España por medio de las series de televisión y las películas americanas de los 70, solía usarse para introducir escenas, para ambientar planos abiertos de avenidas y el trasiego de la gente, siempre con sol. Fue más tarde cuando conocimos a sus autores y su discografía. </span></div>
<div style="text-align: left;">
<span style="font-size: large;"><br /></span></div>
<div style="text-align: left;">
<span style="font-size: large;">[Larry Willis, 153rd Street Theme, 1974]</span></div>
Miguel Gómez Losadahttp://www.blogger.com/profile/15195981795257141423noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-9813027.post-80424683293096613042009-04-16T13:38:00.018+02:002013-03-10T12:14:27.252+01:00<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgr_wrGtYniLLu12KPCuyGZUYYOJdKELCOT1BTPNwTjUSE6cacDoNEFEpndQorfQz99EEk4NVfm6qL5YFRdWDlUUPlRVL2pDYN1076inEN6QLze3couXywTMj7kcf9ZiGVHCBJx-A/s1600-h/trouble+funk+en+1983+-+interior+del+%C3%A1lbum+In+time+of+trouble.jpg"><img alt="" border="0" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5325253106250196994" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgr_wrGtYniLLu12KPCuyGZUYYOJdKELCOT1BTPNwTjUSE6cacDoNEFEpndQorfQz99EEk4NVfm6qL5YFRdWDlUUPlRVL2pDYN1076inEN6QLze3couXywTMj7kcf9ZiGVHCBJx-A/s400/trouble+funk+en+1983+-+interior+del+%C3%A1lbum+In+time+of+trouble.jpg" style="height: 200px; width: 400px;" /></a>
<br />
<span style="font-family: arial; font-size: 78%;"><span style="color: #666666;">Trouble Funk en 1983</span></span>
<br />
<br />
<div style="text-align: justify;">
<span style="color: #999999; font-family: arial;"><span style="color: white;"><strong>TROUBLE FUNK</strong>
</span><span style="font-size: large;">La expansión del Go-Go
<br />
</span><span style="font-size: small;">Por <span style="color: #cccccc;"><strong><a href="http://gomezlosada.blogspot.com/">Miguel Gómez Losada</a></strong></span></span><a href="http://gomezlosada.blogspot.com/">
</a>
<br /><span style="color: #cccccc;"><strong>Originalmente publicado en la edición en papel de la revista </strong></span><a href="http://www.enlacefunk.com/"><span style="color: #336666;"><strong>Enlacefunk</strong></span></a><span style="color: #cccccc;"><strong> Nº30</strong></span></span><span style="font-size: large;">
</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: large;"></span><br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="color: #999999; font-family: arial;"><span style="font-size: large;">
<br />En 1989 solíamos ir a Rota a bailar Funk. Desde Córdoba suponía cruzar toda Andalucía, pero no nos importaba. Mi novia de entonces y yo cogíamos un autobús a las 22h que tardaba cuatro horas en llegar; ocupábamos nuestros asientos mirando a la vez el paisaje. En mi fantasía:</span><em><span style="font-size: large;"> </span><span style="color: silver; font-size: large;">los pueblos encendían su alumbrado como estrellas que se desvelan en el horizonte, esperando a que oscureciese del todo para ascender y brillar una vez más.
</span></em><span style="font-size: large;">
<br />Llegamos a la discoteca, había cola para entrar. La expectación era increíble, el medio tiempo Funk filtrado por la puerta del local sonaba en toda la calle como el corazón de King Kong. Nada más entrar vi algo que no olvidaré en mi vida: una marea humana moviéndose ralentizada, y delante mía una pareja refregándose: el chico –negro- rebotaba su miembro contra el culo en pompa de la chica –rubia-, a la vez que aquietaba el aire con los brazos simulando una especie de danza nupcial o cópula a ritmo de Funk. Todo el mundo bailaba igual y la discoteca entera parecía un solo cuerpo buscándose el orgasmo. Sonaba Da Butt, de Experienced Unlimited, más conocidos como E.U.
<br />Cuando regresamos el domingo a Córdoba –donde sólo sonaban The Smith, The Cure etc,- parecío que el sábado en Rota fue un sueño, un sueño Go-Go Beat. Investigué sobre aquel sonido cargado de percusiones y supe que el tema que escuché en la discoteca estaba incluido en la banda sonora de School Daze, la película de Spike Lee. Seguí tirando del hilo y salió Trouble Funk, la gran banda de Go-Go después de Chuck Brown and The Soul Searchers. Pinché los rototom y timbales del tema I´m Chillin´de Kurtis Blow (1986), le di la vuelta a la portada del disco y lei que toda aquella percusión se debía a Trouble Funk; de ahí a Pump me up (1985) de Grandmaster Melle Mel & The Furious Five, versión casi idéntica de la original de Trouble Funk. Revisé mis discos buscando rastros Go-Go, encontré otra muestra de Pump me up en el break inicial de If I ruled the world (1985) de Kurtis Blow, y del mismo rapero Party Time (1983), con una colaboración magistral de la banda Experienced Unlimited, E.U. Escuchando la voz de su líder Sugar Bear –parecida a la del líder de Cameo, Larry Blackmon-, recordé el hit de Salt-N-Pepa feat. E.U: Shake your thang (1988), preñadísimo también de Go-Go swing; y para mi sorpresa había Go-Go hasta en un recopilatorio del sello de rap, Def Jam, que incluía un grupo nacido en los barrios negros de Washington D.C. The Junkyard Band, que comenzaron siendo niños, tocando la percusión con bidones encontrados en la calle. </span></span><span style="font-size: large;">
</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="color: #999999; font-family: arial;"></span><span style="font-size: large;">
</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: large;"><span style="color: #999999; font-family: arial;">Estaba claro, el sonido de la capital de los Estados Unidos llamado Go-Go, quedaba en medio de un triángulo: el rap, los tambores llamada/respuesta africanos y las jam de la Mothership. El resultado es funk testiculado donde no caben sentimentalismos. El Go-Go excita, embriaga la mente y dilata los genitales: es el sonido de la lujuria.</span>
</span></div>
<span style="font-size: large;"></span><br />
<span style="font-size: large;"></span><br />
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiQOUV0Zgze5YLRXbVFW0YS7d76W8O9cJVDSm936Ju_qdHmKVwDcag513TmhfwZw44lTGdRcWyZX773bbydZ0wwIccOBLfnEwtpwjx96TG7Jv3YRdORLLEKX9FBsk9-CqmM0FZGcg/s1600-h/registro+en+la+entrada+a+un+concierto+de+chuck+brown.jpg"></a>
<br />
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgy5biU1k2n7zbpLtJ9n7W_e41VwWPCZqbL47rj8vynhBjZP4fzaCy2Gr26F7lTMgze6euViGxi2hzZXSFVdJek7fTLKGDSGy_GoZRRBR7g5fKCc4-7qEGqfHkTF1TP1u4U-pM5nQ/s1600-h/T+Bone+-+percusionista+de+Trouble+funk.jpg"><img alt="" border="0" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5325261025897882834" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgy5biU1k2n7zbpLtJ9n7W_e41VwWPCZqbL47rj8vynhBjZP4fzaCy2Gr26F7lTMgze6euViGxi2hzZXSFVdJek7fTLKGDSGy_GoZRRBR7g5fKCc4-7qEGqfHkTF1TP1u4U-pM5nQ/s400/T+Bone+-+percusionista+de+Trouble+funk.jpg" style="height: 254px; width: 400px;" /></a>
<br />
<span style="font-family: arial; font-size: 78%;"><span style="color: #999999;">T-Bone, percusionista de Trouble Funk, en 1986</span> </span>
<br />
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="color: #999999; font-family: arial; font-size: large;">Drop the bomb fue el primer álbum de Trouble Funk, grabado en 1982 para el sello Sugarhill, sin embargo el grupo ya contaba desde 1978 con una numerosa lista de singles, a cual más rotundo. Quiero destacar entre ellos el pepinazo funk Get down with your get down, que suena a So ruff, so tuff, de Roger Troutman pero más lento y socarrón, con un bajo gomoso en primer plano que hace variaciones del rebote durante más de ocho minutos. El teclado futurista parece sonar bajo agua imprimiéndole ese misterio Nautilus, y los coros impulsivos acentúan el carácter machote del tema. La producción no puede considerarse todavía ElectroGo-Go, la caja de la batería suena orgánica y en la sección rítmica se aprecia una reminiscencia del funk de los 70 al escuchar el diálogo entre el clavinet y la guitarra. En esta línea ProtoGo-Go están Supergrit, Roll with it, Holly Rock y el segundo pepino de esta primera etapa, el megafunk E Flat Boogie (1980), que en el 12 pulgadas original regala una versión instrumental que supera los ocho minutos, llena de testosterona a la par que elegancia. Casi acabando el tema callan las voces, los vientos y el bajo para dejar a solas un break de batería, congas y rototom digno de enciclopedia.</span>
</div>
<br />
<br />
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiQOUV0Zgze5YLRXbVFW0YS7d76W8O9cJVDSm936Ju_qdHmKVwDcag513TmhfwZw44lTGdRcWyZX773bbydZ0wwIccOBLfnEwtpwjx96TG7Jv3YRdORLLEKX9FBsk9-CqmM0FZGcg/s1600-h/registro+en+la+entrada+a+un+concierto+de+chuck+brown.jpg"><img alt="" border="0" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5325253773213442882" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiQOUV0Zgze5YLRXbVFW0YS7d76W8O9cJVDSm936Ju_qdHmKVwDcag513TmhfwZw44lTGdRcWyZX773bbydZ0wwIccOBLfnEwtpwjx96TG7Jv3YRdORLLEKX9FBsk9-CqmM0FZGcg/s400/registro+en+la+entrada+a+un+concierto+de+chuck+brown.jpg" style="height: 318px; width: 400px;" /></a>
<br />
<span style="font-family: arial; font-size: 78%;"><span style="color: #999999;">Registro a la entrada de un concierto de Chuck Brown</span> </span>
<br />
<span style="font-family: Arial; font-size: 78%;"></span>
<br />
<br />
<div style="text-align: justify;">
<span style="color: #999999; font-family: arial; font-size: large;">DROP THE BOMB (Sugarhill Records – 1982) Álbum imprescindible de Go-Go, un clásico del funk, contiene seis temas y tres de ellos fueron hits. Hey Fellas, Drop the bomb y Pump me up, sin dejar atrás en contundencia a Get on up y Let´s get hot. Contiene una balada que no guarda relación con el album: el líder y vocalista principal Tony Fisher (Big Tony) es como el Camarón del funk, su voz truena, tiene pellizco, es como un Isaac Hayes ronco o un Barry White enfadado, y en la balada parece no saber qué hacer. Aún así, Don´t try me use me es una lenta que se deja escuchar muy bien, sólo los coros en la tradición soul de Main Ingredients ya validan el tema. Este disco podría colindar con Greatest Messages (Sugarhill Records - 1983) de Grandmaster Flash & The Furious Five, el otro gran acierto de la hechicera Sylvia Robinson. </span><span style="color: #999999; font-family: arial;"><span style="font-size: large;">
</span>
</span><span style="color: #999999; font-family: arial;">
<br /><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiCfLbH5K_75JtC1PBzQ7IJuzjQrbQz9bOYUMUPhXmE7xTrPx05sX2ydYXt8VT023SoRYF4xwcM8goRKeyPiE3jsBCqCRUm8M7PlQ2PB5bobkKwIybiQnp0zY14YH-JKff1hNWqvg/s1600-h/in+time+of+trouble+1983.jpg"><img alt="" border="0" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5325254968628018242" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiCfLbH5K_75JtC1PBzQ7IJuzjQrbQz9bOYUMUPhXmE7xTrPx05sX2ydYXt8VT023SoRYF4xwcM8goRKeyPiE3jsBCqCRUm8M7PlQ2PB5bobkKwIybiQnp0zY14YH-JKff1hNWqvg/s400/in+time+of+trouble+1983.jpg" style="height: 383px; width: 400px;" /></a>
<br /><span style="font-size: 78%;">Trouble Funk - In time of Trouble - Lp 1983</span>
<br />
<br />
<br /><span style="font-size: large;">En 1983 grabaron en el sello de la casa D.E.T.T. -iniciales de Dyke, Edwards, Taylor y Tony, miembros de Trouble Funk- su segundo álbum, un doble elepé que contiene temas grabados en estudio como Spin time, lleno de vocoder y sintetizadores oscilantes y Say what, con apoyo en los vientos de otra gran banda Go-Go: Hot, Cold Sweat; y una jam en directo –alucinante- en el otro disco: Trouble Funk Saturday Night Live From Washington D.C. Part l y ll, con 15 narcóticos minutos de Go-Go Beat por cada cara, llenos de riff de vientos a lo Mothership y pitidos sintetizados que se desinflan. La jam incluye dos de sus grandes himnos: Drop the bomb y Let´s get small. La portada es idea del productor Maxx Kidd, en ella aparecen cinco de sus miembros vestidos de soldados con uniformes de distintas épocas: indígena enmascarado con piel de leopardo, gladiador romano, soldado africano postcolonial, napoleónico y de la segunda guerra mundial, dando a entender que el ser humano lleva creándose problemas desde la prehistoria. En el interior del disco una foto imponente donde aparecen los nueve miembros de Trouble Funk vestidos de smoking, en la tradición del disco Mr.Mean (1978) de Ohio Players. Mirándoles, uno siente cultura del barrio y elegancia a la vez.</span></span>
</div>
<br />
<br />
<span style="color: #999999; font-family: Arial;"></span>
<br />
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhZBZWODg0QjNBRgt8mSHsC-Vg-ZijJ88xKhbPGID-z3tiJPaVphAm172MHH9_ISBWkkamh5vAsBwYIPDEcuDOA94yTQd-gGM0UZ3H03pXr75eDSVfMgaHhcTU163CKBC3EgGcwcA/s1600-h/good+to+go+b.s.o.jpg"><img alt="" border="0" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5325258032112540946" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhZBZWODg0QjNBRgt8mSHsC-Vg-ZijJ88xKhbPGID-z3tiJPaVphAm172MHH9_ISBWkkamh5vAsBwYIPDEcuDOA94yTQd-gGM0UZ3H03pXr75eDSVfMgaHhcTU163CKBC3EgGcwcA/s400/good+to+go+b.s.o.jpg" style="height: 394px; width: 400px;" /></a>
<br />
<br />
<div style="text-align: justify;">
<span style="color: #999999; font-family: arial; font-size: 78%;">GOOD TO GO (B.S.O. –Island Records1986)
</span><a href="http://www.dailymotion.com/video/x4lnr2_trouble-funkgood-to-go_music"><span style="color: #999999; font-family: arial; font-size: 78%;">http://www.dailymotion.com/video/x4lnr2_trouble-funkgood-to-go_music</span></a><span style="font-size: 78%;">
</span><span style="color: #999999; font-family: arial;"><span style="font-size: 78%;">Trailer que incluye actuación de Trouble Funk.</span>
<br />
<br /><span style="font-size: large;">En 1986 apareció Good to go, una película cinematográficamente prescindible y heredera del Blaxploitation, con Art Garfunkel y Harris Yulin como actores principales, que tenía una banda sonora de culto: el disco reúne un puñado de diamantes negros Go-Go con lucimiento de Trouble Funk y el nido discográfico D.E.T.T.
<br />
<br />Cara A
<br />
<br />Trouble Funk – Good to go
<br />Hot, Cold Sweat – Meet me at the Go-Go
<br />Trouble Funk – Still smoking
<br />Sly Dunbar & Robbie Shakespeare – Make em´ move
<br />E.U. – E.U. Freeze
<br />Wally Badarou – Keys
<br />
<br />Cara B
<br />
<br />Chuck Brown & The Soul Searchers – We need money
<br />Donald Banks – Status Quo
<br />Trouble Funk – Drop the bomb
<br />Ini Kamoze – Riot zone (call the police)
<br />Trouble Funk – I like it
<br />Redd and the Boys – Movin´ and grovin´
<br />Trouble Funk – Good to go (reprise)
<br />
<br />Además del trallazo We need money del padrino Go-Go y los indiscutibles pepinazos de Trouble Funk, hay que destacar algunos momentos brillantes de las otras bandas, cuando por ejemplo ilumina Hot, Cold Sweat con su sección de vientos prodigiosa, a la altura de los Brecker Brothers para Parliament; o cuando E.U. juega al final de E.U. Freeze –grabada previamente en 1980 con el sello Vermarck Records de Washington- con los acordes del clásico Before I let you go, de Maze. Especial atención a Donald Banks en Status Quo, que en el maxisingle tiene una remezcla gordísima, con un bajo sintetizado que excita algo más que el oído. Good to go fue decisiva para la difusión mundial del Go-Go, por su banda sonora y porque incluía actuaciones en directo de Trouble Funk, pudiéndose escuchar en radios, ver en cines y televisiones de todo el mundo. Desde 1986 el Go-Go traspasó los límites de Washinton DC<span style="color: #cccccc;">*</span> para convertirse en una música universal.
<br />
<br /><span style="color: #cccccc;">*</span>En 1986 Trouble Funk tocaron en el Palacio de los Deportes de Madrid. </span></span><span style="color: #999999; font-family: arial;"><span style="font-size: large;">
</span>
<br />
</span><span style="color: #999999; font-family: arial;">
<br /><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjuvO1cCB4aY6PdNKVIXkcqv7_H5v0jpKk67Lgho1AhA9IfNQbRZKK7PpFp7360VuvIo-8PVSbhGKxdJSm1Gi91h7dVSuWHv6y0J4y7aYn4IOsZq1UWvqYRjojhGB9LX2X0Mj2qnA/s1600-h/maxisingle+trouble.jpg"><img alt="" border="0" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5325261525026893314" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjuvO1cCB4aY6PdNKVIXkcqv7_H5v0jpKk67Lgho1AhA9IfNQbRZKK7PpFp7360VuvIo-8PVSbhGKxdJSm1Gi91h7dVSuWHv6y0J4y7aYn4IOsZq1UWvqYRjojhGB9LX2X0Mj2qnA/s400/maxisingle+trouble.jpg" style="height: 389px; width: 400px;" /></a>
<br /><span style="font-size: 78%;">12" Trouble Funk - Trouble</span>
<br />
<br /><span style="font-size: large;">Después de Good to go, Trouble Funk graba un último elepé en 1987, Trouble Over Here, Trouble Over There destacando únicamente por el hit Trouble, en el que produce y canta Bootsy Collins. El álbum también incluye Woman of principle, sonando en las discotecas aquel año –recuerdo con nostalgia escucharlo en Granada, en el cine transformado en discoteca Granada 10 -, pero el tema se alejaba de la raíz Go-Go para acercarse al funk aburguesado de 1987. Kurtis Blow les devuelve la visita en los temas Break it up y Hey Tee Bone, pero el tema Trouble sigue siendo la cima del álbum. El grupo no volvería a grabar nada que no hubiesen dicho ya; queda eso sí, la fuerza arrolladora de sus directos, capitaneados por Tony Fisher “Big Tony”, bajista y voz principal de Trouble Funk. Le acompañan:
<br />
<br />Robert “Dyke” Reed – Teclados, guitarra, voz principal y coros (fallecido el pasado 13 de abril por un cáncer de páncreas, tenía sólo 50 años)
<br />James Avery – Teclados, voz principal y coros
<br />Taylor Reed – Trompeta, voz principal y coros
<br />Timothy “T Bone” David – Percusión y coros
<br />MacCarey – Batería y percusión
<br />Alonzo Robinson – Percusión y coros
<br />Dave Rudd – Saxo alto y tenor, coros
<br />Dean Harris – Trompeta y coros
<br />Chester Davis – Guitarra
<br />
<br />Quisiera permitirme sugerir mis diez temas Go-Go favoritos de todos los tiempos, así como un vídeo grabado en 2005 que ilustra de manera rotunda en qué consiste el Go-Go Beat; Smoke From North East Groovers Band Smackin the Skinz @ Their Reunion in 2005 , en el que aparece un percusionista, un prodigio llamado “Smoke” </span></span><a href="http://es.youtube.com/watch?v=kMA0UIg2Oi0"><span style="color: #336666; font-family: arial; font-size: large;">http://es.youtube.com/watch?v=kMA0UIg2Oi0</span></a><span style="color: #336666; font-size: large;">
</span><span style="color: #999999; font-family: arial;"><span style="font-size: large;">
</span><span style="font-size: 85%;"><span style="font-size: large;">Y los 10 pepinos Go-Go
<br />
<br />- Chuck Brown & The Soul Searchers – Back it on up -12”- (1982) Featherbed Records
<br />- Trouble Funk - Get Down With Your Get Down – Live & Early singles - (1981) 2.13.61Records
<br />- Trouble Funk – E Flat Boogie – Live & Early singles - (1980) 2.13.61Records
<br />- E.U. – E.U. Freeze – Good to Go B.S.O. – (1986) Island Records
<br />- Shady Groove – On The Move (Live – 1985) London Records Limited
<br />- Donald Banks – Status Quo -12” remix 6:36” – (1985) 4th&Brodway Records
<br />- Hot, Cold Sweat – Meet me at the Go-Go - Good to Go B.S.O. – (1986) Island Records
<br />- Kurtis Blow feat. E.U. – Party Time 12” Club Mix (1983) – Mercury Records
<br />- Redd and the Boys – Movin´ and Groovin´ - Good to Go B.S.O. – (1986) Island Records
<br />- Petwork – Special Dedication (Live – 1985) London Records Limited</span>
<br />
</span><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi3shoaZu7nbXsqbs4vNvKIGV937Kz6ljzsvbX7jsUww2OKyWsmWk58P-lr6qvFWkL_jah9l5R_VEYwRYl9nYminNKxLO4xxr_Lt3h62tNgf1kERxQmwByApR4LH2I0n06r89QCug/s1600-h/en+la+calle,+washington+D.C.jpg"><img alt="" border="0" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5325263136382092210" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi3shoaZu7nbXsqbs4vNvKIGV937Kz6ljzsvbX7jsUww2OKyWsmWk58P-lr6qvFWkL_jah9l5R_VEYwRYl9nYminNKxLO4xxr_Lt3h62tNgf1kERxQmwByApR4LH2I0n06r89QCug/s400/en+la+calle,+washington+D.C.jpg" style="height: 166px; width: 400px;" /></a></span>
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<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: arial; font-size: 78%;"><span style="color: #999999;">En la calle, Washington D.C.</span>
</span><span style="color: #999999; font-family: arial;">
<br /><span style="font-size: large;">Se puede decir que el funk de los 70 sufrió un declive desde 1982 por la llegada de las nuevas tecnologías (ver Informe Cameo, EnlaceFunk Nº28), que los grupos míticos redujeron sus formaciones sustituyendo sección de vientos y cuerdas por los sintetizadores, volviéndose la cultura afroamericana muy sofisticada, llena de producciones impecables y cristalinas, y que sólo el rap mantuvo vivo el espíritu del guetto. Es justo decir que también el Go-Go cogió el relevo del Funk de los 70, conservando intacta la raíz negroamericana durante los 80. Rap y Go-Go crecieron juntos, enlazándose y conformando a la vez el HipHop. El alma del Go-Go Beat estaba en sus directos, -naciendo como el rap en las block-parties, aunque las percusiones perdían veracidad al intentar usarlas como loops en vinilo para rapear encima; había que tocarlas-. El Go-Go es sobretodo una vivencia a tiempo real: aquellas perfomances de música significaban el delirio, la experiencia sin límite de los conciertos, con bandas de diez miembros derramando hormonas y sudor sobre el público. Sirva como dato que en la corta discografía de Trouble Funk publicaron tres directos: Trouble Funk – Live, Doble LP - TF Records (1981), y el segundo disco del doble álbum In time of trouble (1983) mencionado antes, también publicado con el nombre Saturday Night Live From Washington D.C – Doble LP - Island Records (1983).
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<br /><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgQVsnAqnGfezSDHzTQ-NqDgd1tgOypE77Bi3C3RLw7YVw1FurH9Aak9a_y4OrCWuNuZfl629jwLLWEwkvPtzaU72GgfXMkDQpxIXB-TdSk2kFkNKwsCCTO5eFfDWaWJjqa3BIB5Q/s1600-h/Petwork+en+1985.jpg"><img alt="" border="0" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5325263707233180882" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgQVsnAqnGfezSDHzTQ-NqDgd1tgOypE77Bi3C3RLw7YVw1FurH9Aak9a_y4OrCWuNuZfl629jwLLWEwkvPtzaU72GgfXMkDQpxIXB-TdSk2kFkNKwsCCTO5eFfDWaWJjqa3BIB5Q/s400/Petwork+en+1985.jpg" style="height: 271px; width: 400px;" /></a>
<br /><span style="font-size: 78%;">Petwork en 1985</span>
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<br /><span style="font-size: large;">El funk hecho a mano por bandas recién nacidas estaba vivo, el volcán negro eyaculaba desde Washington expulsando lava -entre 1980 y 1986-, con seísmos rítmicos hasta nuestros días, evidenciando la buena salud de la cultura afroamericana, esa gran nación, hoy sin color ni mapa, porque sólo existe en el corazón.
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<br />Dedico este artículo a PPGU (Falconetti) e Isidro (Sr. Lobezno) del Club Afrodisia en Granada.
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<span style="color: #999999; font-family: arial;"><span style="font-size: large;"></span></span><span style="color: #999999; font-family: arial;"></span><span style="color: #999999; font-family: arial;"></span>Miguel Gómez Losadahttp://www.blogger.com/profile/15195981795257141423noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-9813027.post-41886168484552494082009-04-14T03:55:00.000+02:002014-11-12T13:29:12.773+01:00El Niño Perdido [Club]<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: large;">Quiero darle sinceramente las gracias a Jesús Franco por El Niño Perdido (Córdoba). Cuando en Córdoba nadie se acordaba de Afroamérica hizo que The Black Evolution se sintiera en casa. Que sirva Cannonball y Bill Evans para recordar: Jazz de ventana y vista perdida en el porvenir hasta el minuto 1:40, luego confianza, chuleo y clase, con el pañuelo blanco perfectamente doblado en el bolsillo de la americana.</span></div>
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<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="480" src="http://www.youtube.com/embed/adP-moPWX98" width="640"></iframe>Miguel Gómez Losadahttp://www.blogger.com/profile/15195981795257141423noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-9813027.post-8993845797226384792009-01-22T00:15:00.009+01:002013-03-10T12:18:29.536+01:00MTUME<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiVFAImaQbAYaSOiuhEbTVd-veF1QhLRZDLIUAYb1lzQHxaTHoTDRiTgNiq_PYonMapp6i15XA1Q9KFfZHgq9wGh9jb74v0fWG2cHQINGMet3RgmbDavA1eARNdqIPescseADrSrg/s1600-h/alkebulan_back.jpg"><img alt="" border="0" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5293900365871722322" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiVFAImaQbAYaSOiuhEbTVd-veF1QhLRZDLIUAYb1lzQHxaTHoTDRiTgNiq_PYonMapp6i15XA1Q9KFfZHgq9wGh9jb74v0fWG2cHQINGMet3RgmbDavA1eARNdqIPescseADrSrg/s400/alkebulan_back.jpg" style="height: 381px; width: 400px;" /></a><br />
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<span style="font-family: arial;"><span style="font-size: large;"><strong>MTUME </strong>(em-too-may)<br />De Miles Davis al electrosoul</span></span></div>
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<span style="font-family: arial;"><span style="font-size: 85%;">por </span><a href="http://gomezlosada.blogspot.com/"><span style="font-size: 85%;">Miguel Gómez Losada</span></a><a href="http://gomezlosada.blogspot.com/"><span style="font-size: 85%;"> </span></a><br /><span style="font-size: 85%;">Originalmente publicado en la edición en papel de la revista </span><a href="http://www.enlacefunk.com/"><strong>Enlacefunk</strong></a><span style="font-size: 85%;"><span style="font-size: 100%;"> </span>Nº29</span><br /><span style="font-size: large;">En el álbum Get Up With It (1974) de Miles Davis aparece una composición que se llama Mtume, se refiere al nombre de su percusionista. Miles Davis innova constantemente y los puristas del jazz sufren su pérdida. A su vez, Miles es demasiado complejo para el mundo del rock. Ningún estilo musical le acoge pero todo el mundo le respeta. Desde su lp Bitches Brew (1969) la fusión jazz/rock incendió a Chick Corea, John McLaughlin o Joe Zawinul; la mescolanza de estilos fue imparable, el jazz se preñó de funk, rock, africanismos e hinduismos, sonando progresivo e hipnótico, con temas que superaban con facilidad los veinte minutos de duración. En sus conciertos le acompañan entre otros Michael Henderson, Al Foster, Dave Liebman, Gary Bartz, Keith Jarret, Reggie Lucas y Mtume. Miles Davis aparece en el escenario, se desliza entre los amplificadores y sortea cables hasta situarse en el núcleo de su universo. Balbucea la sordina, frasea corto y calla. Su cabeza gira bruscamente alertado por alguna señal del cielo, o bien toca encorvado indicando con la trompeta el epicentro de la tierra. Mtume está a su izquierda, es el músico de personalidad más africana. En la grabación del tema Ife del álbum Big Fun se le ve tocar las congas poseído, y la escena recuerda un ritual vudú. Está rodeado de instrumentos de percusión ancestrales, rompe el silencio sin avisar como un santero convulso; su estilo propicia la lluvia, huele a baobab y a cementerio de elefantes. Mtume tiene ojeras de nacimiento y abre los ojos del todo sin parpadear. En el fondo tiene la mirada sola. Detrás de ese gesto ausente se intuye tristeza, quizá por una nostalgia innata de África.</span> </span></div>
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<span style="font-family: Arial;"></span> </div>
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiNlt8g03oJbmIj8KjQVfhJrG-oFxwwYxzh0WGJrk9P23JSNU8bU92qC7wbL6knIguPMVPfC747n1DzTKiR7kL2y6InA28YF4ZIx02I7al8ZQQteR1e2CU71ktzawBpO3gO5RmN4A/s1600-h/alkebulan_front.jpg"><img alt="" border="0" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5293900880716820290" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiNlt8g03oJbmIj8KjQVfhJrG-oFxwwYxzh0WGJrk9P23JSNU8bU92qC7wbL6knIguPMVPfC747n1DzTKiR7kL2y6InA28YF4ZIx02I7al8ZQQteR1e2CU71ktzawBpO3gO5RmN4A/s400/alkebulan_front.jpg" style="height: 380px; width: 400px;" /></a><br />
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<span style="font-family: arial; font-size: large;">James Foreman "Mtume" nació en Philadelphia, Pennsylvania. Su padre fue el saxofonista Jimmy Heath, que junto a sus hermanos formaron los Heath Brothers. Mtume estudió percusión y guitarra, apareciendo fugazmente en los créditos de Freddie Hubbard, Herbie Hancock o Sonny Rollins, hasta recalar como percusionista de Miles Davis entre 1971 y 1975. Hay controversia sobre su primer álbum en solitario. Unas fuentes aseguran que es Kawaida, grabado en 1969 y publicado en 1974; otras plantean que este disco pertenece a su tío Albert Heath, y también se le atribuye a Herbie Hancock. En cualquier caso, el primer disco acreditado de Mtume es con su grupo Mtume Umoja Ensemble: Alkebu-Lan - Land of the Blacks, (Strata East) doble álbum grabado en directo el 29 de agosto de 1971, en The East, New York. El arte de la portada es un dibujo en blanco y negro con simbología egipcia y subsahariana. Es jazz espiritual con momentos estelares de afro/jazz/funk, que van del misterio y la hipnosis rítmica hasta el delirio. Es un disco con raíz y evoca el paraíso africano antes de la esclavitud.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: arial; font-size: large;">A final de los años 60 y principios de los 70 hubo una tendencia muy acusada en la comunidad afroamericana a reivindicar lo étnico, como se puede ver en la proclama africanista del álbum Bitches Brew de Miles Davis y en las portadas de Santana y Osibisa, realizadas por el pintor Abdul Mati Klarwein. La necesidad del jardín negro se extiende por las -cover art- de jazz, como en el disco Sextant de Herbie Hancock -recreando la danza de la lluvia-, o el que nos ocupa de Mtume -con un árbol en la solapa interior del álbum-.</span></div>
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiumv-O_6FfvwJrXx8NL8w-ymE8c41JApAX9XhkMI7v-_Y3chevdrLHE4XtxWeDnlFMp8_8mY2FfjTvgu3OhdarLqLiVeGGdSu_V9DHtY5QK7FGvIRFzpeu-5VyLs83f9xv7l0h-A/s1600-h/alkebulan_intro.jpg"><img alt="" border="0" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5293907702092953922" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiumv-O_6FfvwJrXx8NL8w-ymE8c41JApAX9XhkMI7v-_Y3chevdrLHE4XtxWeDnlFMp8_8mY2FfjTvgu3OhdarLqLiVeGGdSu_V9DHtY5QK7FGvIRFzpeu-5VyLs83f9xv7l0h-A/s400/alkebulan_intro.jpg" style="height: 400px; width: 188px;" /></a><br />
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<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: arial; font-size: large;">Entre los músicos de Mtume Umoja Ensemble está el baterista Leon "Ndugu" Chancler (músico fetiche de George Duke), Buster Williams al bajo, Gary Bartz al saxo, y en las voces Andy Bey. Es un álbum que podría situarse entre Thembi (1970) de Pharoah Sanders; Harlem Bush Music - Taifa (1970) de Gary Bartz y su proyecto Ntu Troop; y Asante (1970) de McCoy Tyner. Curiosamente en este último álbum participan Mtume a las congas y Gary Bartz con los saxos alto y soprano, garantizando sin querer el intercambio de influencias. La comunidad negroamericana busca su identidad, y lo hace lógicamente mirando a África: Black Unity. Recuerdo esta misma actitud en los pintores prerrafaelitas, Rosseti o Millais por ejemplo, que regresaban a la pintura anterior a Rafael para encontrar la verdad pictórica; o en el romántico Friedrich, que con nostalgia de un paraíso perdido incluía arquitectura gótica en sus cuadros.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: arial; font-size: large;">En febrero de 1974 Mtume graba su segundo álbum: Rebirth Cycle, publicándose en 1977. Es un disco que suena también afrojazz y psychedelic spacey funk, incluyendo un pasaje primitivo (Body Sounds) en el que los músicos tocan la percusión golpeando su propio cuerpo. El álbum es la continuación lógica del anterior. En los créditos aparecen personajes de la escena jazz independiente, como Buster Williams y Al Foster; y por primera vez sus leales Reggie Lucas -guitarrista de Miles Davis- y Tawata Agee -la más emocionante vocalista de los 80 junto a Alisa Peoples, de Yarbrough & Peoples-. La portada del disco es de nuevo en blanco y negro: las pirámides de Giza aparecen diluidas por la lejanía bajo un cielo que augura un nuevo esplendor faraónico. Con estos dos discos acaba Mtume su etapa jazz, regalando magníficas colaboraciones a otros artistas; sirva como ejemplo el álbum Horn Culture (1973) de Sony Rollins.</span></div>
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<span style="font-family: Arial; font-size: large;"></span> </div>
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiH6TsX5idiX2Oal6Jq4es9ENn2StTOGMrrq5D1Y1J88c4V3yVVqqNoyzYyWKKg2drpbKkMh8kEC3QonT7IzCfXwEzeQoEnZ1ggRItEO1czuR7dwk7bTv0LdcwjOMb68Pz0fdK5Rg/s1600-h/mtume1.jpg"><img alt="" border="0" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5293911495197476562" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiH6TsX5idiX2Oal6Jq4es9ENn2StTOGMrrq5D1Y1J88c4V3yVVqqNoyzYyWKKg2drpbKkMh8kEC3QonT7IzCfXwEzeQoEnZ1ggRItEO1czuR7dwk7bTv0LdcwjOMb68Pz0fdK5Rg/s400/mtume1.jpg" style="height: 378px; width: 400px;" /></a><br />
<span style="font-size: large;"><span style="font-family: arial;"></span></span><br />
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<span style="font-size: large;"><span style="font-family: arial;">A partir de este momento Mtume inicia su singladura funk, que comenzará con el álbum Kiss This World Goodbye (1978). La portada ya es en color y los dibujos guardan un eco aborigen, pero el misterio de sus álbumes anteriores ya no está. Él sonríe e incluso bromea sacando la lengua. El disco recuerda al Parliament/Funkadelic anterior a Flashlight en sus temas más funkrock, y cobra personalidad en las canciones de amor, como la pasional The Closer I Get To You, que popularizaría Roberta Flack & Donny Hathaway; el rare groove contemplativo Love Lock y las románticas This Is Your World y Closer To The End, donde Tawata Agee parece izar con su voz una bandera de esperanza sobre un skyline nublado. James Mtume y Reggie Lucas se han unido en este disco formando Mtume/Lucas Productions; haciendo para Stephanie Mills su elepé Sweet Sensation (1980), con el hit Never Knew Love Like This Before; y publicando a la vez el siguiente disco de Mtume: In Search Of The Rainbow Seekers (1980), un disco demasiado amable que gana firmeza en los temas Spirit Of The Dance, Anticipatin´ y en la sentimental Everything Good To Me.</span></span></div>
<span style="font-size: large;"></span><br />
<span style="font-family: arial;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhosjC-8s6U-L5F6Udmzqcy9W6EFDFpMllBU87D63l0Z7ATKHJKemE1LEPagmwLR87hP3L7wIK9gIxwZVlSRv9KQdp0IddMnEi_r0dNzEmZ5ChDdAboYMo8eS53IRVUJF1mp8tpJA/s1600-h/mtume2.jpg"><img alt="" border="0" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5293902604097632786" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhosjC-8s6U-L5F6Udmzqcy9W6EFDFpMllBU87D63l0Z7ATKHJKemE1LEPagmwLR87hP3L7wIK9gIxwZVlSRv9KQdp0IddMnEi_r0dNzEmZ5ChDdAboYMo8eS53IRVUJF1mp8tpJA/s400/mtume2.jpg" style="height: 281px; width: 400px;" /></a></span><br />
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<span style="font-family: arial; font-size: large;">Desde 1977 a 1982 la trayectoria de Mtume pierde la pureza de sus dos primeros álbumes, haciendo concesiones a la comercialidad, o simplemente desvaneciéndose en el panorama negroamericano. Mtume parece más preocupado por agradar que por intentar compartir su propia mirada del mundo. Éste es el cáncer del arte, muchos artistas no resisten la soledad ni la incomprensión, evitando el riesgo en sus planteamientos y limando las aristas de singularidad para gustar a un público amplio. En 1982 todo parecía perdido, Mtume/Lucas Productions disparan todavía alguna canción, como It´s The Real Thing, para el grupo de Liverpool The Real Thing, sonando funk acuoso y sin gancho. Desconozco qué le ocurrío a Mtume y a su productora en la antesala de 1983, quizá sólo fue el reajuste lógico de la música negra al acabar la década prodigiosa 1972-1982, cuando surgieron las nuevas tecnologías y el hijo pequeño del funk -llamado rap- se hizo fuerte (ver Informe Cameo, Enlace Funk Nº28). El caso es que tras ese desmayo, Reggie Lucas resurgió en 1983 de sus cenizas como un ave fénix, produciendo el primer álbum de Madonna, y aun habiendo sido suavizado por su novio y productor John "Jellybean" Benitez, el disco sonaba muy negro, tanto que al escucharlo por la radio la gente pensó que Madonna era negra. Ese mismo año, Mtume lanza al mundo el álbum Juicy Fruit. Un pepino de disco. Después de escurrirse en sus dos álbumes anteriores, Mtume depura su condición percusiva para este elepé convirtiéndolo en una escultura: tiene la fortaleza pétrea de una cariátide. El tema Juicy Fruit es un break de congas convertido en electrosoul. La batería hace un dibujo escalonado desde el bombo a la caja, propio de un percusionista como Mtume. La voz fecunda de Tawata, el susurro masculino "Juicee" a modo de coro, los sintetizadores ambientales, las sílabas de guitarra -que hablan y callan justo después- y el rebote limpio del bajo, elevan esta canción a categoría de arte. Los grandes músicos saben gestionar los silencios, igual que los grandes pintores saben gestionar las zonas vacías del cuadro en beneficio de la emoción. Esto es sabiduría poética. La canción fue Nº1 en las listas Billboard's Black de singles, y escuchada hoy conserva toda su actualidad. El disco es de los mejores de su año. Suena austero, y esa economía compositiva lo convierte en un álbum maduro. Me gusta pensar que esta eliminación de lo superfluo es influencia de Miles Davis, que fraseaba corto con la trompeta sabiendo callar. Juicy Fruit se ajusta a la sentencia "menos es más". Tiene actitud y militancia: palabras frecuentes de Mario El Sr. Rojo, que traduce Miguel A. Sutil golpeándose el pecho con el puño a modo de mímica del corazón.</span></div>
<span style="font-family: Arial; font-size: large;"></span><br />
<span style="font-family: arial;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEipYigo-_IWMqP9yp5inprk-0WJmClkH9l04yPeYAE1EpzQMwr32QAjOPktVDDH74CdqnrELFnaWWsaEudmrdQV_9Tos0NX4e9kZ02UzNWnzYoaAG3-xEb_KKDNOD-i8KVD7G1chQ/s1600-h/mtume+color.jpg"><img alt="" border="0" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5293908095923203346" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEipYigo-_IWMqP9yp5inprk-0WJmClkH9l04yPeYAE1EpzQMwr32QAjOPktVDDH74CdqnrELFnaWWsaEudmrdQV_9Tos0NX4e9kZ02UzNWnzYoaAG3-xEb_KKDNOD-i8KVD7G1chQ/s400/mtume+color.jpg" style="height: 388px; width: 400px;" /></a></span><br />
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<span style="font-family: arial; font-size: large;">Si Mtume puso el listón alto con Juicy Fruit, todavía lo elevaría aún más con su siguiente album, la obra de arte You, Me And He (Epic 1984). Es el canto del cisne de Mtume, emitiendo la voz más dulce y melodiosa como premonición de su propio declive. Es el mejor disco de soulfunk de 1984 y mi favorito del grupo. Es un álbum completo; como Juicy Fruit pero con mejores melodías y planteamientos funkies; igual de cincelado pero mucho más jugoso y sentimental en su instrumentación. C.O.D. (I´ll Deliver) abre la cara A del disco con una batería idéntica a The Message, de Grandmaster Flash, pero en vez de rap social hace el amor. Es una canción-nido hecha para que Tawata agite sus alas y levante el vuelo hacia You Are My Sunshine, haciendo bellísimos dibujos con la voz por el firmamento You, Me and He. En la cara B hay una variación del tema: Sweet For You And Me, que en el 12" se apellida Polgamy Mix, ofreciéndonos con el saxo un paisaje de evocación africanista -ahora de asfalto- que convierte este tema, junto a Hangin´ Downtown de Cameo, en la mejor canción soulfunk de los 80. Prime Time es elegante y atmosférica, para escucharla de viaje con las ventanillas bajadas mientras el horizonte se sucede a sí mismo hasta anochecer. La quiero compartir con mi cómplice Pedro García -a modo de brindis-, para que encontremos algún día dos copias de Third Rail, Reachin´ For It (1982) y podamos hacerlas sonar en todas las fiestas como si fuésemos portadores de sueños. Volviendo a Mtume, en el lp que nos ocupa aún quedan dos diamantes: I Simply Like (para ti DJ Uve), que es el tema funk de medio tiempo que faltaría en Purple Rain de Prince; y Tie Me Up, otra socarronería funk con intro -unas llaves de coche, pasos, diálogo, una puerta de discoteca, el bombo clap sordo y filtrado por las cortinas de la entrada, jaleo, volumen, baile, roce de cuerpos, sudor y voluptuosidad-. Atraido por la líbido de este tema hizo Bootsy una versión muy buena: Wind Me Up, en su lp Fresh Outta 'P' University (1998). La portada de You, Me And He tiene pretensiones aristocráticas: una estancia palaciega acoge a Tawata -sentada al piano mirando a Mtume- mientras él posa con actitud inexpresiva. Esta escena recuerda el esplendor zarista justo antes de la revolución rusa: algo está a punto de perderse para siempre.<br />Mtume -el percusionista de Miles- ha dejado su testamento creativo, no sin antes haber compuesto dos magníficos temas para el álbum debut de Levert, Bloodline (1986): Fascination y I Start You Up, You Turn Me On. A la vez sacó su siguiente disco Theater Of My Mind (1986), del que se salva el megafunk New Face Deli. Luego vino la banda sonora Native Son también en 1986, totalmente prescindible como álbum; la emancipación de Tawatha con su disco en solitario -quizá demasiado tarde-; y ya en 1989 produjo para Bar-Kays su elepé Animal. En los 90 compuso más música para series policiacas de televisión: Cop Drama y New York Undercover, y desde 1994 hasta hoy se le puede escuchar como presentador estrella en la WRKS Radio de Nueva York.</span></div>
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<span style="font-family: Arial; font-size: large;"></span> </div>
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjrfXPuHIwxFCslId7i9iBEMzFw_C5CKqyWwUBIg8dpjdNxu0Dcff3xGJNwKE1ULtCbTQJn7mPuGSPLH76M5cXrWisaGiAXptwMV59M0mKs978SAQ8tHgsPG5S_2oCx2Oiy0bgdJw/s1600-h/mtume+color2.jpg"><img alt="" border="0" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5293909411052942002" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjrfXPuHIwxFCslId7i9iBEMzFw_C5CKqyWwUBIg8dpjdNxu0Dcff3xGJNwKE1ULtCbTQJn7mPuGSPLH76M5cXrWisaGiAXptwMV59M0mKs978SAQ8tHgsPG5S_2oCx2Oiy0bgdJw/s400/mtume+color2.jpg" style="height: 379px; width: 400px;" /></a><br />
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<span style="font-family: arial; font-size: 85%;">Dedico este artículo a mis padres, que me enseñaron el lenguaje de los árboles; a mis incombustibles Salah y DavidDJ de The Black Evolution; a Rafa Sillero; y a todos los artistas y soñadores -necesarios como Mtume-; que aunque tengan la mirada sola porque delante de los pioneros no hay nadie, continúan iluminando el mundo desde el jardín de la inocencia.</span>Miguel Gómez Losadahttp://www.blogger.com/profile/15195981795257141423noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-9813027.post-35465843630113220422008-07-20T19:46:00.003+02:002008-11-11T09:07:20.484+01:00CAMEO<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgybWZqOzWUqt8zKtCnqzLwteuIIt2rmJPPj2-yBVkGSqq71jpJwRiDTc1vv7b50uD8O4ha-mfjUOX17AKOz8Bnru0UC9prmNgqcapZje1qu8rgtGVTQMkaUQEbNEOuvNu0BVROdg/s1600-h/LARRY+BLACKMON+EN+1985.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5225048574036490834" style="CURSOR: hand" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgybWZqOzWUqt8zKtCnqzLwteuIIt2rmJPPj2-yBVkGSqq71jpJwRiDTc1vv7b50uD8O4ha-mfjUOX17AKOz8Bnru0UC9prmNgqcapZje1qu8rgtGVTQMkaUQEbNEOuvNu0BVROdg/s400/LARRY+BLACKMON+EN+1985.jpg" border="0" /></a><br /><div><span style="font-family:arial;"><span style="font-size:78%;">Larry Blackmon en 1985</span></span> </div><div><br /></div><div><span style="font-family:arial;"><strong><span style="font-size:130%;">Informe CAMEO</span><br /></strong><span style="font-size:85%;">Voltaje FUNK<br />por <a href="http://gomezlosada.blogspot.com/">Miguel Gómez Losada</a></span></span><a href="http://gomezlosada.blogspot.com/"> </a><br /></div><p><span style="font-family:arial;"><span style="font-size:85%;">Originalmente publicado en la edición en papel de la revista</span><span style="font-size:100%;"> </span><a href="http://www.enlacefunk.com/"><strong>Enlacefunk</strong></a><span style="font-size:85%;"> Nº28</span></span><span style="font-family:arial;"></p></span><span style="font-family:arial;"><p><br /><br />A comienzos de los 70 mi padre iba mucho a Barcelona. Según me cuenta, "antes de volver para Córdoba siempre me escapaba a El Corte Inglés para comprar algunos discos de Soul". Ya en casa, mi madre los ponía en nuestro tocadiscos Dual Bettor: King Curtis, Billy Preston, recopilatorios de Stax como Memphis Soul Story; pero también jazz orquestal de Enoch Light; y quiero pensar que determinadas frecuencias en el oído de un niño son capaces de determinar su destino musical para siempre. Años después mi hermano Marcial compró una pletina, grabando de la radio el Funk de la época. Cuando él estaba en el trabajo yo pedía permiso a mi madre para entrar en su cuarto y poner sus cintas. Me sentaba en la mecedora y le daba a play. Aquellas cintas -Basf de cromo-, sonarían después en el coche de mi padre. Recuerdo en vacaciones la entrada a Torremolinos: curvas suaves alineadas con la playa, el sol, All I Do de Stevie Wonder y Star de Earth, Wind & Fire. Hoy sé que el mar por la ventanilla del coche de mi padre y aquella música agradecida, era la felicidad.<br />Años después tuve una novia moderna con amigos modernos muy leídos, que escuchaban La Mode y Tino Casal. La movida madrileña era necesaria, pero surgió unidireccional. A Córdoba llegó un eco de todo aquello: en 1984 sólo había una forma de expresar cualquier vocación artística: ser maldito y vestir como The Cure. Aquel culto a la languidez no contemplaba, por ejemplo, la comedia de Cary Grant, y mucho menos la sonrisa incondicional de Stevie Wonder, al que disculpaban por ser ciego; pero no había ninguna excusa para la coreografía multicolor de Earth, Wind & Fire. Ante aquel ambiente de tiranía lúdica generalizada era mejor ir en solitario. En mi Instituto tenía otros amigos, sin vestimenta definida, gamberrillos y bromistas que daban culto a la risotada. Gente sana. Veraneaban en Rota, donde vivía su amigo Eusebio, un negro americanoandaluz que les grababa cintas de funk de 120 minutos. Ese invierno, el instituto organizó una excursión en autobús a Navacerrada, e hicimos un trato: ellos se llevaban las cintas y yo mi Contec Stereo. El funk me guiaba de nuevo: a través de la ventanilla el cielo nublado, montañas azuladas por la lejanía, Kurtis Blow/Mtume/Cherrelle/Alexander O´Neal/ y <strong>Cameo</strong>.</span></p><p><br /><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjoq7zMwU_tFaT_EcvkMuDt-VX5O64YBup1yehEtCh5eK7If3DXOGpIlYrcp2OTclX3bjIBEYeP4Tp5VRD05daSDN0P_pyhJnarwapDbkZuBBbJABRHzlFt6-QKwtl2L5nzBiKZ7w/s1600-h/CAMEO+EN+1982.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5225123807976504770" style="CURSOR: hand" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjoq7zMwU_tFaT_EcvkMuDt-VX5O64YBup1yehEtCh5eK7If3DXOGpIlYrcp2OTclX3bjIBEYeP4Tp5VRD05daSDN0P_pyhJnarwapDbkZuBBbJABRHzlFt6-QKwtl2L5nzBiKZ7w/s400/CAMEO+EN+1982.jpg" border="0" /></a></p><p><span style="font-family:arial;font-size:78%;">Cameo en 1982</span></p><p><br /><span style="font-size:130%;"><span style="font-family:arial;"><strong>1982, la desembocadura del FUNK</strong> </span><br /></span><span style="font-family:arial;"><br />1972 - 1982 fue la década prodigiosa del funk. Temas como Superfly (1972) de Curtis Mayfield y Do I Do (1982) de Stevie Wonder podrían enmarcar tan fructífero periodo. En 1982 las grandes bandas expiraban, no sin haber incluido en su testamento funk un puñado de canciones tardías, por ejemplo: James Brown: Don´t Tell It (1976); Funkadelic: (Not Just) Knee Deep (1979); Sly & The Family Stone: It Takes All Kinds (1979); Bootsy Collins: So Nice You Name Him Twice (1982); Earth, Wind & Fire: You Are A Winner (1982); Kool & The Gang: Dancin´ Shoes (1978) -para agonizar después como banda bajo la producción de Deodato-; Commodores: Been Loving You (1981) -justo antes de que se emancipara Lionel Richie de sus filas-; y ocasos similares en las míticas bandas Pleasure, War, Graham Central Station, Ohio Players o Mandrill. Quincy Jones superaba sus impecables producciones para Brothers Johnson o Rufus & Chaka Khan con el lp Thriller de Michael Jackson, y Norman Whitfield firmaba dos grandes álbumes: Rainbow Connection (1979) y Golden Touch (1980) para Rose Royce, culminando una brillante carrera que comenzó en The Temptations, cruzando por Undisputed Truth, la BSO Car Wash o la propia banda Rose Royce. Jazzfunkers como Roy Ayers, George Duke o Herbie Hancock sobrevivían incluyendo en sus álbumes seductoras entregas de discofunk; y las grandes voces como Donny Hathaway -se tiró por la ventana desde el piso 15 del Hotel Essex House, NYC, en 1979-, Smokey Robinson, Marvin Gaye, Aretha Franklin, Bobby Womack o Stevie Wonder, habían perdido su grandeza. Las películas Saturday Night Fever (1977) y Thank´s God It´s Friday (1978) popularizaron a los Bee Gees y a Donna Summer en todo el mundo, y muchos grupos de funk -influenciados por la discofever- incluyeron entre 1977 y 1979 temas disco en sus álbumes para ganar audiencia. El funk tenía una extensión más comercial llamada disco, y aquella chulería rítmica resultado de tantos años de opresión -heredera del blues, el soul y el jazz- quedaba eclipsada por el glamour de las discotecas.</span><br /></p><div><span style="font-family:arial;">En el tramo de 1979 a 1982, el panorama funk era el siguiente: Por un lado estaban las bandas de largo recorrido como Isley Brothers y Bar-Kays, adaptando sus fórmulas rítmicas a los nuevos tiempos; veteranos soulmen y jazzfunkers refugiados bajo la fuerza del uno; los grupos nacidos en la segunda mitad de los 70, como Chic, Rufus & Chaka Khan, Brass Construction, Bootsy´s Rubber Band, Lakeside, Heatwave, Mass Production, General Caine o Rose Royce, por citar algunos -cuyo esplendor no rebasó 1982-; y Fatback, Slave, Rick James, Gap Band, Mtume, Maze, Prince o Cameo, que aunque aparecieron en los 70 crecieron con inmejorable salud en los 80. A su vez, los grupos de la nueva década: S.O.S Band, Zapp, The Time o Midnight Star, y de esta hornada, aquellos que con un solo disco entraron por la puerta grande en la historia del funk: Bernard Wright - Nard´ (1981), y Don Blackman - Don Blackman (1982). De forma paralela, el sello Sugarhill popularizó Rapper´s Delight (1979) -con percusión de Tito Puente introduciendo una revisión instrumental de Good Times de Chic- para Sugarhill Gang, que era la prueba de que en los barrios negros, el rap le había ganado la partida a la discofever. El relevo había llegado. Con dos copias del tema God Make Me Funky (Headhunters, 1975), o de Seven Minutes of Funk (Tyrone Thomas & Whole Darn Family, 1974) el DJ multiplicaba la entrada instrumental, que serviría de base para que los MC´s acoplaran sus rimas. Eran gente como Kool Herc, Grandmaster Flash, o Afrika Bambaataa: los hijos del funk. En 1980, una oleada de maxisingles propagó el nuevo pálpito de la calle, y el funk ya no volvió a ser el mismo. Entre 1980 y 1982, la música negra perdió su vertiente ornamental y ganó en contundencia, quizá por rechazo a los arreglos orquestales de la música disco, e influido a su vez por el groove extendido del bajo y la batería en los 12 pulgadas de rap. En esta línea de funk contundente apareció por ejemplo Funkin´ For Jamaica (Tom Browne, 1980), More Bounce to the Ounce (Zapp, 1980), Roller Skate ( Vaughan Mason and Crew, 1980) o Keep It Hot (Cameo, 1980). No sólo era normal que éxitos funk sirvieran de base a los rappers: Before I Let You Go (Maze, 1981) para When You're Standing On The Top (Super3, 1982), sino que músicos de siempre incluían ahora rimas en sus discos: Rapp Dirty (Blowfly, 1980), Lover´s Rap (Leon Haywood, 1980), The Dude (Quincy Jones, 1981) o Do I Do (Stevie Wonder, 1982). Definitivamente, el funk y el rap formalizaban una vieja relación, cerrando con esplendor una década irrepetible.</span><br /><br /></div><div><span style="font-family:arial;">Dicen que Ronald Reagan no le sentó bien al funk, tampoco los nuevos sintetizadores Yamaha DX7 y Roland TR-808, y aunque estos factores influyeran en la decadencia del funk, también sirvieron de decantación para renovar la cultura afroamericana. En 1983 había comenzado otra etapa. En España conocíamos The Message de Grandmaster Flash - fue incluso revisitado para un anuncio de Licor del Polo-, los radiocassettes estéreo, el breakdance, el graffiti, y el barrio como epicentro cultural; pero este volcán no iluminó la movida madrileña, y la modernidad siguió la estela del punk rock británico. En 1984 el panorama negro en España era desolador, When Doves Cry de Prince perdía la batalla frente a Radio Futura o Kaka de Luxe, y el sonido de las grandes bandas de funk había quedado relegado a sintonía de radio para programas de sobremesa. Los que habíamos entrado en la adolescencia de la mano de Earth, Wind & Fire o Stevie Wonder, sentíamos una tremenda soledad. Por suerte, aquellas cintas con las novedades americanas que grababa Eusebio -el negro americanoandaluz- me abrieron una puerta: recuerdo tres canciones que me marcaron profundamente, AJ Scratch (Kurtis Blow, 1984), Sweet For You And Me (Mtume, 1984) y la que se convertiría en el himno de mi vida: She´s Strange (Cameo, 1984). Desde ese momento mi objetivo fue conseguir toda su discografía, fotos, artículos, y cualquier información sobre el grupo, en una época sin internet ni revistas españolas especializadas. Sólo la revista británica de funk Blues&Soul distribuyó aquí unos pocos números en 1986, extinguiéndose en nuestros kioskos por no venderse.</span><br /><br /></div><div><span style="font-family:arial;"><strong><span style="font-size:130%;">CAMEO - Sonido C-FUNK</span></strong></span><span style="font-family:arial;"> </span></div><div><span style="font-family:arial;"><br /><br /></div></span><div><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhym00ayD6X1_Vty-_FhOCdJW7mMGvnBOt1cWV6SmNX-_cL9Yo7KCyLkoB63pKOCMiX4P0E7omto7akMNqOOduybakDqSYqXkbvqD7RZA9uXIAzuIcA8ydJlUXGUrRT0UX_AxQ0Og/s1600-h/CAMEO+EN+1978.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5225051030417083442" style="CURSOR: hand" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhym00ayD6X1_Vty-_FhOCdJW7mMGvnBOt1cWV6SmNX-_cL9Yo7KCyLkoB63pKOCMiX4P0E7omto7akMNqOOduybakDqSYqXkbvqD7RZA9uXIAzuIcA8ydJlUXGUrRT0UX_AxQ0Og/s400/CAMEO+EN+1978.jpg" border="0" /></a></div><div><span style="font-family:arial;"><span style="font-size:78%;">Cameo en 1978 </span><br /></span></div><div><br /><span style="font-family:arial;">Se podría decir que Cameo fueron los herederos musicales de Parliament/Funkadelic, Ohio Players, Commodores y Earth, Wind & Fire. Cuando estas bandas cruzaban ya el ecuador de sus trayectorias, Cameo publicaría su primer álbum Cardiac Arrest (1977), demostrando un talante severo y una contundencia rítmica que definirían su instrumentación hasta el final. El P-Funk abanderaba el groove de la mano de Bootsy y Bernie Worrell, siendo su discografía una lección de funk hipnótico -aunque la genealogía rockera del grupo y la fantasía extraterrestre de George Clinton no diesen a penas cabida a las canciones de amor-. Ohio Players eran más ornamentales y melódicos, fusionando el streetfunk y las armonías vocales de tradición soul como ninguna otra banda. Commodores, muy rudos, eran la chulería funk de Motown, pero la figura de Lionel Richie comenzaría a eclipsar la banda, ahogándola por completo con sus baladas azucaradas.Y Earth, Wind & Fire, que significaban el funk policromado, la alegría rítmica y las melodías más soleadas. Cameo fueron el relevo. Tenían personalidad y recursos musicales para ser la nueva y más impetuosa banda de funk. Se posicionaron por su vehemencia y descaro instrumental, acompañado de la carismática voz -arrogante y nasal- de Larry Blackmon, en perfecto maridaje con los falsetes del background vocal. Pero así como Earth, Wind & Fire o Pleasure, Cameo demostraron ser una banda poliédrica, con capacidad para expresarse en distintos estados de ánimo: funk vehemente, P-Funk, latinfunk, funkrock, medio tiempo contemplativo, baladas de convalecencia amorosa, reggae, rock, disco, electrofunk y rap. En 1980 fueron precursores junto a Zapp del electrofunk, tomándole el relevo en 1984, convirtiéndose en la banda de funk más influyente hasta entrados los años 90. Los nuevos sintetizadores -referidos antes- de la era tecnológica de los 80, soplaron a favor de las bandas que sonaban ya con un carácter más percusivo, como Cameo, Fatback o Slave, no ayudando tanto a otras de condición más ornamental, como Earth, Wind & Fire, Ohio Players o Pleasure, que nutrían su árbol funk con una savia más jazzística.</span> </div><div><br /></div><div><span style="font-size:130%;"><strong></strong></span></div><div><strong><span style="font-size:130%;"></span></strong></div><div><strong><span style="font-size:130%;"></span></strong></div><div><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj6vrUGaN0-tDumudOtgqPKDQU0DFROkLIVSak3gMkoD5d8_mPI9yYjqi-oo05Cp010lXKHYucE8_sFxMZ5v-O0kbHnMvlzhaMtWIWbRyGSDj2OqyYECJ5jpv1Zn-CSKntzaUTLRw/s1600-h/cameo_logo85.87+negro.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5225052326495567186" style="CURSOR: hand" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj6vrUGaN0-tDumudOtgqPKDQU0DFROkLIVSak3gMkoD5d8_mPI9yYjqi-oo05Cp010lXKHYucE8_sFxMZ5v-O0kbHnMvlzhaMtWIWbRyGSDj2OqyYECJ5jpv1Zn-CSKntzaUTLRw/s400/cameo_logo85.87+negro.jpg" border="0" /></a><br /><span style="font-size:78%;"><span style="font-family:arial;">Logotipo 1985 - 1987</span></span></div><div><span style="font-size:78%;"></span></div><div><span style="font-size:78%;"></span></div><div></div><div><span style="font-size:78%;"></span></div><div><span style="font-size:78%;"></span></div><div><span style="font-family:arial;"><strong><span style="font-size:130%;">CAMEO - Biografía</span></strong></span></div><div><span style="font-family:arial;"><strong><span style="font-size:130%;"></span></strong><br /></span><span style="font-family:arial;">Larry Blackmon (24 Mayo 1956, Harlem, New York), batería, voz, compositor principal, productor y líder de Cameo. Había tocado la batería en Don't Turn Around (1970), el primer single de Black Yvory, aunque su primer grupo fue East Coast, iniciado junto a la prometedora Gwen Guthrie y el teclista Gregory Johnson, grabando en 1973 un álbum con el mismo nombre para el sello Encounter. El grupo evolucionó en 1974 hacia la siguiente formación, New York City Players, con estudiantes y amigos del Juilliard School -prestigioso conservatorio de música, danza e interpretación de Nueva York-. Justo antes de grabar su primer disco para el sello Chocolate City -división de Casablanca dedicada a artistas R&B-, cambiaron el nombre por guardar demasiada similitud con Ohio Players, llamándose desde entonces Cameo. En 1975 grabaron su primer single, el optimista Find my Way, escrito por Johnny Melfi, una entrega disco que incluirían en su álbum debut Cardiac Arrest (Agosto 1977) y en la banda sonora Thank´s God It´s Friday (1978), alcanzando por primera vez popularidad internacional. En el invierno de 1978 hicieron gira por Estados Unidos con Parliament, y ni la tentación discofever ni la cercanía del P-Funk variaron su timón funk. Hasta 1982 vendrían otros siete magníficos álbumes, indiscutibles, que consolidarían la identidad heavyfunk del grupo. En 1981, Larry Blackmon y Antony Lockett produjeron el único y rotundo disco de Mantra, banda protegida de Cameo, con un sonido similar al álbum Knights Of The Sound Table (1981), que incluía uno de los mejores temas compuestos jamás por Larry Blackmon, Boogie Just To Boogie, un medio tiempo -pisada de elefante- en la línea de Funk Funk, demoledor. Mantra se disolvió, aunque algunos de sus componentes florecieron: David Webber tocaría la trompeta en Knight Of The Sound Table, de Cameo; el batería Bobby Lovelace recaló desde 1982 en la banda Midnight Star, colaborando también en 1984 para The Whispers; y el vocalista principal Roger Harris sería el nexo con la siguiente banda apadrinada por Larry Blackmon, que ya aparecía como apoyo en los créditos del lp Alligator Woman: L.A. Connection (1982). Su álbum debut, con el mismo nombre, sonaba al lp Alligator Woman de Cameo, quizá más bailable que aquél pero sin perder un ápice de calidad, con una producción electrofunk -parecida a Atomic Dog (1982) de George Clinton- que anticiparía el estilo Cameo en sus siguientes álbumes. Larry Blackmon todavía guardaba energía ese año para enderezar a Charles Earland, muy conocido en los 60 como teclista y saxofonista de souljazz, produciéndole dos magníficos latigazos funk para su álbum Earland´s Jam (1982): The Only One y Earland´s Jam, abriendo cara A y cara B del disco, que vertebrarían un álbum imprescindible para cualquier coleccionista de Cameo. Así, el año 1982 significó el primer cénit para Larry Blackmon, -el segundo sería 1986-. Para su álbum Alligator Woman (Mayo 1982), Cameo redujo la banda de diez a cinco miembros, rentabilizando así shows y conciertos, tomando además la decisión de trasladar la banda de Nueva York a Atlanta, fundando su propio sello discográfico: Atlanta Artist, filial de Polygram Records. El sello estuvo activo entre 1983 y 1991, produciendo los álbumes de Cameo entre 1983 y 1988, los dos álbumes de Cashflow, 1986 y 1988, y el producido para Barbara Mitchell en 1986. Desde 1983, Cameo ascendería progresivamente, tensando el arco con el álbum Style (1983) y dando en la diana con She´s Strange (1984) y Single Life (1985), alcanzando como reyes del electrofunk su segundo esplendor y reconocimiento mundial en 1986, con el álbum Word Up.</span></div><div><br /><span style="font-family:arial;">Así, en la época dorada de Cameo 1977-1988, el grupo regaló a la humanidad trece álbumes soberbios: </span><br /><br /></div><div><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhcnyxGuMeqb-vr6Eh5sxJd2DJkr5KdfzOAI3CprLQAVatbt9eVAVNGHMhd_beTZnzFd7RSLUEkZ-xnWkH4nOtVb1-jbtW3sO9yWypuBeYBY_KpydgKvScMfL5OnYkuzXXCQXOhgw/s1600-h/1.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5225053424442467842" style="CURSOR: hand" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhcnyxGuMeqb-vr6Eh5sxJd2DJkr5KdfzOAI3CprLQAVatbt9eVAVNGHMhd_beTZnzFd7RSLUEkZ-xnWkH4nOtVb1-jbtW3sO9yWypuBeYBY_KpydgKvScMfL5OnYkuzXXCQXOhgw/s400/1.jpg" border="0" /></a><br /><br /></div><div><span style="font-family:arial;">1 - <strong>Cardiac Arrest</strong> (1977 - Chocolate City) sería el primero, abriendo el disco con el funk esculpido a cincel del tema <strong>Still Feel Good</strong>, donde las guitarras rítmicas acompañan con determinación todo el progreso instrumental de la canción, reforzando la caja con la handclap section en los tramos más bailables, sincopando fraseos cortos -casi disparos- con la sección de viento de los hermanos Leftenant, y el vocerío jaleoso y callejero del background vocal -por un momento aflamencado- que escolta la fonética testiculada de Tomi Jenkins y Larry Blackmon. Este sonido C-FUNK, con un bajo percusivo a la vez que melódico sobre el colchón de teclados ambientales de Gregory Johnson, sería una constante en los temas más funkies hasta 1982. Así suenan también en este álbum <strong>Post Mortem</strong>; y el medio tiempo con más flow del disco e himno C-FUNK: <strong>Funk Funk</strong>, que empieza con un teclado intermitente que evoca una nave espacial en espera, progresando con un bajo gutural que asusta. <strong>Rigor Mortis</strong>, escrita en 1976, es el otro himno Cameo Sound del disco, inevitable en cualquier sesión funk. <strong>Find My Way</strong>, de 1975, es la entrega más discofever de toda la trayectoria de la banda, con una felicidad Vacaciones en el Mar verdaderamente entrañable. El disco enseguida cobra seriedad al escuchar <strong>Good Times</strong>, otra vehemencia de funk embravecido, con un teclado serpenteante que imprime al disco una agradable locura. Cardiac Arrest contiene dos baladas que ofrecen amor a esta obra imprescindible: <strong>Stay By My Side</strong>, de 1976, y la vitalista <strong>Smile</strong>. La magnífica portada, con un escote en primer plano en el gusto brown skin de la época y a la manera de Action Speaks Louder Than Words (Chocolate Milk, 1975), confiere al disco en su calidad de objeto fetiche, una erótica del sudor realmente estimulante.<br /><br /></span></div><div><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjFkM-7MP9MjnRGxFccwDOneVyCFE161kCipFF3DSIT6x_3Yh7G13muA6ykxGWTM8krZIsdnjYcKO3Am1j21iiRcZW2z4ApkIWSp-4DH7N1j7NioojQ-EUiFRMBuKWO4ccrthSr-A/s1600-h/2.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5225057621766943714" style="CURSOR: hand" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjFkM-7MP9MjnRGxFccwDOneVyCFE161kCipFF3DSIT6x_3Yh7G13muA6ykxGWTM8krZIsdnjYcKO3Am1j21iiRcZW2z4ApkIWSp-4DH7N1j7NioojQ-EUiFRMBuKWO4ccrthSr-A/s400/2.jpg" border="0" /></a></div><div><br /></div><div><span style="font-family:arial;">2 - <strong>We All Know Who We Are</strong> (1977 - Chocolate City) es la continuidad lógica del anterior, ganando madurez por tener una musicalidad más conseguida (más canciones, en la acepción melódica de la palabra). Quizá el título del disco subraya la identidad C-FUNK. Así, la balada de convalecencia amorosa <strong>Why Have I Lost You</strong>, sería la primera canción de amor importante del grupo, volviéndola incluso a grabar tres años más tarde. El disco incluye <strong>Stand Up</strong>, una entrega de funk áspero y chulo, donde el bombo y la caja con handclaps van cosiéndose a un tejido de voces exclamativas, teclados y bajos roncos. Stand Up es el momento más callejero del disco. La cara B abre con <strong>We All Know Who We Are</strong>, el tema más elegante, un medio tiempo contemplativo en la tradición de That's The Way Of The World (1974) de Earth, Wind & Fire, que años más tarde iluminaría a Lenny Kravitz en It Ain't Over 'Til It's Over (1991). La novedad del álbum podría ser<strong> It´s Serious</strong>, un desarrollo discofunk instrumental de 8 minutos que pudiera coger el relevo de Who Is He And What Is He To You (1974) de Creative Source. Para cerrar, otra composición a modo de sol que se esconde, <strong>It´s Over</strong>, con la mejor bassline del álbum, complementada con el maravilloso falsete afeminado de Wayne Cooper. En mi opinión, el falsete de Wayne Cooper y la melancolía que regala tiene tanta belleza como el de Philip Bailey, de Earth, Wind & Fire, pero como suele suceder en la Historia del Arte, si brilla una estrella, ya no hay cielo para las demás.<br /></span><br /></div><div><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgcy3gEkUVrrOOzaA05dFsRVzFKCxCoMJ-dqm2EbyuXRflV6qOHytXZiFTa0aebRM3Z3IHfdnUl5bjzp5HE-BPxnxPbHV4xyO1D2Zc0j0UZ9v6aSNDCDnhXELIy49bNv1MXN5AhYA/s1600-h/3.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5225061796846434178" style="CURSOR: hand" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgcy3gEkUVrrOOzaA05dFsRVzFKCxCoMJ-dqm2EbyuXRflV6qOHytXZiFTa0aebRM3Z3IHfdnUl5bjzp5HE-BPxnxPbHV4xyO1D2Zc0j0UZ9v6aSNDCDnhXELIy49bNv1MXN5AhYA/s400/3.jpg" border="0" /></a> </div><div><br /></div><div><span style="font-family:arial;">3 - <strong>Ugly Ego</strong> (1978 - Chocolate City) es su disco más funkrock, abriendo con<strong> I´ll Be With You</strong> en la línea de Funk Funk, continuando con el impetuoso Insane, que es el hit del álbum, y <strong>I Want You</strong>, el tema del lp con más plomaje testicular. Este triángulo de temas funkrock se agiliza con <strong>Ugly Ego</strong>, más bailable y soleado, templado con <strong>Anything You Wanna Do</strong>, un tema de funk geométrico dinamizado por un repiqueteo de percusiones que recuerdan una juerga flamenca. La intimidad viene con los temas <strong>Friend To Me</strong> y <strong>Give Love a Chance</strong>, cerrando el disco con la convalecencia amorosa <strong>Two Of Us</strong>, tres canciones de amor para quedarse con la vista perdida, siempre cortas de azúcar, como todas las de Cameo. Este disco no levanta la más mínima sospecha de intención comercial. Su portada negra le imprime misterio, despejado por el nuevo logotipo del grupo, brillante y orlado.</span></div><div></div><div><br /></div><div></div><div><br /></div><div><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgeL-qAFZDNn7q4Nq-cxESrKAcvyDQuiAOyK3DI-6rjWq_9YAaI_0wP59HTeUZh_9BnMYyV5hvduIVKeQ9tCVsnpD1TsXukOoS01k2j8QNrn5-5R2TZCfDhcyPx2nNB83Z3BVQAfw/s1600-h/4.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5225125938964691314" style="CURSOR: hand" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgeL-qAFZDNn7q4Nq-cxESrKAcvyDQuiAOyK3DI-6rjWq_9YAaI_0wP59HTeUZh_9BnMYyV5hvduIVKeQ9tCVsnpD1TsXukOoS01k2j8QNrn5-5R2TZCfDhcyPx2nNB83Z3BVQAfw/s400/4.jpg" border="0" /></a></div><div><br /></div><div></div><div><span style="font-family:arial;">4 - <strong>Secret Omen</strong> (1979 - Chocolate City) suena más fluído. La fuerza contenida de sus álbumes anteriores, aquí es más ágil. El disco tiene tres temas discofunk de impecable factura, pero tan correctos que pierden el empuje C-Funk, son Macho, <strong>New York</strong> y <strong>Energy</strong>. La prueba es que cuando suena <strong>I Just Want To Be</strong>, otro tema rápido pero con la virulencia Cameo Sound, los anteriores resultan algo inocuos. Esto no quita mérito a los arreglos de viento, voces, bajo y batería, guitarras, teclados y percusión; que obligan sin duda a recomendar el disco. En este álbum revisitaron <strong>Find My Way</strong>, una versión progresiva sin sorpresas. Más de nueve minutos de puro sonido disco para la pista de baile. Es inevitable pensar que lo hicieron para exprimir el éxito que tuvo la canción cuando fue incluída en la B.S.O. Thank´s God It´s Friday, un año antes. Lo que hace que Secret Omen sea un álbum elogiable es <strong>The Rock</strong> y <strong>Sparkle</strong>. The Rock es un medio tiempo que podría servir para explicar en qué se diferencia el grupo de las demás bandas de funk. Solo con el dibujo que hace la sección de vientos, el Cameo Sound queda claro, y si a esto le sumamos la tormenta de timbales (anticipando los que sonarían un año más tarde en The Breaks, de Kurtis Blow) y la voz nasal de Larry Blackmon, el tema se convierte en uno de los mástiles del buque Cameo. El álbum aún nos tiene reservada la mejor sorpresa: <strong>Sparkle</strong>, una gran canción amorosa mellow mood capaz de dibujar con los teclados atmosféricos un horizonte lleno de promesas. La sombra alargada de Sparkle alcanza hasta las venideras: You´re A Winner (1983), Hangin´ Downtown (1984) y Don´t Be Lonely (1986).</span></div><div><span style="font-family:Arial;"></span></div><div><span style="font-family:Arial;"></span></div><div><span style="font-family:Arial;"></span></div><div><span style="font-family:Arial;"></span></div><div></div><div><span style="font-family:Arial;"></span></div><div><span style="font-family:Arial;"></span></div><div><span style="font-family:Arial;"></span></div><div><span style="font-family:Arial;"></span></div><div><span style="font-family:Arial;"></span></div><div></div><div></div><div></div><div><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgGM7azniMrRfTe34fQrKULP0lHjGsDyktJRLE9n11JVn17UwGT4R2SJZLcWz2Q5oMhUvV7fCpupIfznkIwKbSV5XDBKon11IrhO8JDTSa-HMx9bAWhaM6olB_mYcRmEGEECgXfsQ/s1600-h/5.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5225131727986940818" style="CURSOR: hand" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgGM7azniMrRfTe34fQrKULP0lHjGsDyktJRLE9n11JVn17UwGT4R2SJZLcWz2Q5oMhUvV7fCpupIfznkIwKbSV5XDBKon11IrhO8JDTSa-HMx9bAWhaM6olB_mYcRmEGEECgXfsQ/s400/5.jpg" border="0" /></a></div><div></div><div></div><div></div><div></div><div></div><div></div><div></div><div></div><div></div><div></div><div></div><div></div><div></div><div><span style="font-family:arial;">5 - <strong>Cameosis</strong> (1980 - Chocolate City). Es su primera gran obra consumada, de los mejores discos de la escena negra aquel año. Es como si sus cuatro álbumes anteriores hubieran sido un entrenamiento. El disco comienza como la erupción de un volcán con el himno <strong>Cameosis</strong>. Lo primero que se oye es el dibujo electrizante y perfectamente sincronizado del bajo, la caja de la batería y los vientos a modo de metralleta, así como hicieran The Brides os Funkestein en Disco To Go; para explotar seguidamente con el primer bombo/bajo/sintetizador, que parece el resoplido post-orgásmico de un búfalo. El tema evoluciona lleno de flow: Por el canal izquierdo los timbales -ese sonido Tito Puente-, y por el derecho un cencerrillo lejano, evocando el Spanish Harlem. El background vocal pronuncia Cameosis, alargando la palabra por encima de la instrumentación, acentuada con los vientos y el chuleo de Larry Blackmon cuando dice: "beibi baba bebe!". El disco contiene dos de las mejores piezas funk de toda su discografía: <strong>One The One</strong> y<strong> Shake Your Pants</strong>, enriquecidas por los sonidos Moog, preparando el terreno para Feel Me, su siguiente álbum. Cameosis significa la despedida de los 70, incluso en la portada aparecen por última vez uniformados, en Cardiac Arrest iban de blanco y negro, ahora de blanco y celeste, pareciendo nueve san pedros en una escenografía celestial. El disco se torna amoroso con las estupendas <strong>Please You</strong>, <strong>I Care For You</strong> y la nueva versión -no sé cuál suena mejor de las dos- de <strong>Why Have I Lost You</strong>, grabada antes en su segundo elepé. La amable <strong>We´re Goin´ Out Tonight</strong> es el testamento de Wayne Cooper, voz principal del tema, y cuando en el estribillo canta "I´m in heaven" -estoy en el cielo (en la gloria)-, uno se llena de ternura, sabiendo que moriría de sida en 1984.</span></div>Miguel Gómez Losadahttp://www.blogger.com/profile/15195981795257141423noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-9813027.post-35768432328849403302008-07-20T19:00:00.005+02:002008-08-10T12:09:21.383+02:00<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhvREWpwm48wt-zd_eNZzE-ByPgrL55oavCH_nBM85Z6oPNRd-c2CqneD0YdFobvC2YdVxqzDdN81yKuRrNf0uUb4Z__O36pNZSsH3cH7GlodqTEyNzJvKgZfiau2jHRrBSPs063A/s1600-h/6.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5225142998968108882" style="CURSOR: hand" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhvREWpwm48wt-zd_eNZzE-ByPgrL55oavCH_nBM85Z6oPNRd-c2CqneD0YdFobvC2YdVxqzDdN81yKuRrNf0uUb4Z__O36pNZSsH3cH7GlodqTEyNzJvKgZfiau2jHRrBSPs063A/s400/6.jpg" border="0" /></a><br /><br /><br /><span style="font-family:arial;">6 - <strong>Feel Me</strong> (1980 - Chocolate City). No queda del todo claro por qué Wayne Cooper fue sustituído por Stephen Moore justo después de la promoción de Cameosis, si fue decisión propia por el debilitamiento físico o por algún tipo de antipatía hacia su homosexualidad. El caso es que fue el músico que con su ternura enriqueció al grupo con una nueva forma de masculinidad, y ya no estaba en sus filas. Su ausencia en los discos venideros provoca tristeza, aunque lo justo es escuchar su legado con el mismo amor que él cantaba. La locomotora Cameo no hacía paradas. Feel me es el primer disco del grupo realmente ochentero. Tiene un funk de medio tiempo contenido lleno de bounce, sin prisas, con un rebote groove que iguala en contundencia <strong>Your Loves Take Me Out</strong> y <strong>Keep it Hot</strong> con More Bounce To The Ounce (1980) de Zapp. En el argumento electro de Zapp&Roger destaca el vocoder y la batería, que estalla en matices con cada golpe de caja, y aunque este uso de la batería también definiese a Cameo, éste tiene un concepto geométrico de la música más profundo, quizá por la vocación percusiva de Larry Blackmon como baterista, enfatizando el electrofunk con una batería sin adornos, recortada, sin miedo al vacío, para llenar esos silencios con el jugo de las guitarras eléctricas, los vibrantes Prophet y las ondulaciones marcianas del Moog, teclados de la misma naturaleza que la voz gutural -casi robótica- de Mister L.B.. Sirva como anécdota que en <strong>Keep It Hot</strong> se escucha por primera vez la onomatopeya nasal de Larry Blackmon AAOW!, como un tarzán afro, que más tarde sería el eslogan sonoro del grupo. Si Feel Me hubiera estado amparado por George Clinton y Bootsy -al igual que el primero de Zapp-, su repercusión mediática hubiese sido mayor. <strong>Roller Skates </strong>es un delicioso fanfarroneo, invitando a bailar break con el rebote sincopado de los handclaps y la caja. Es el tema más orgulloso y presumido del disco, con un fraseo hablado/cantado que podría considerarse el primer rap de su discografía. <strong>Throw Is Down</strong> es la evolución del tema Cameosis. <strong>Is This The Way</strong> el más social, escrita como todas las del disco por Larry Blackmon y Anthony Lockett, a modo de carta, más cercana que cualquier discurso político, y su melodía optimista invita a la esperanza. <strong>Better Days</strong> es un canto de añoranza. Me gusta pensar que por Wayne Cooper. La letra dice "Tell me why to say goodbay" aludiendo todo el rato a los viejos tiempos, con la triste certeza de que las cosas no volverán a ser igual. <strong>Feel Me</strong>, maravillosa, es la continuación de We All Know Who We Are. Aunque grabados el mismo año, Cameosis suena a 70 y Feel Me a 80. Los dos discos son muy distintos entre sí, pero igual de buenos. La sección de vientos ha tocado techo, ya es la sección de vientos propia de Cameo, con personalidad, tanto como la de Tower of Power, Kool & The Gang (1969-1976) o JB´s; y sobretodo, Feel Me es un disco pionero de electrofunk. Feel Me y Zapp I serían el Braque y Picasso del funk. </span><br /><br /><br /><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEifl1-gjiTnI7OBuFFU0oMeSuKQILbzWmTU-jYI_DJvybIKTX216mAt32qNMi0xC4GegXzUIWLyh6d5IDGvqSLyTYaMfR0fd2IvdHIXAVM7GgXsOM6oohd2k77kXgaOlrn-pvJY8w/s1600-h/7.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5225145620850321650" style="CURSOR: hand" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEifl1-gjiTnI7OBuFFU0oMeSuKQILbzWmTU-jYI_DJvybIKTX216mAt32qNMi0xC4GegXzUIWLyh6d5IDGvqSLyTYaMfR0fd2IvdHIXAVM7GgXsOM6oohd2k77kXgaOlrn-pvJY8w/s400/7.jpg" border="0" /></a><br /><br /><br /><span style="font-family:arial;">7 - <strong>Knights Of The Sound Table</strong> (1981 - Chocolate City) es el disco para iniciarse con Cameo. Es como un lago donde confluyen los ríos Cameosis y Feel Me, con un carácter conservador de todos los hallazgos musicales desde su nacimiento como banda -a modo de remanso-, pero con aguas bravas como <strong>The Sound Table</strong>, un calambrazo instrumental latinfunk, quizá el momento más jazzístico de la banda, con onomatopeyas vocales paiu, paiu que avisan al solo de trompeta, y ésta al trombón, en sincronía matemática con la guitarra, recalando luego en la elegancia azul del Fendher Rhodes. El tema cierra como empezó, con estructura jazz, tropezando magistralmente batería/ timbales/guitarra rítmica y vientos como una estampida de elefantes asustados. The Sound Table significaría el parto latinfunk gestado en el tema Cameosis. Curiosamente, Larry Blackmon no subraya en este disco el talante electrofunk de Feel Me, como sí haría Roger Troutman después de Zapp I (1980) con Many faces Of Roger (1981), para seguir con Zapp II (1982), Zapp III (1983), y su último tema esplendoroso It Doesn´t Really Matter (1985), convirtiéndose en los emperadores electrofunk hasta que Cameo cogiese de nuevo el relevo. <strong>Knights By Knights</strong> empieza con un guiño triunfalista y arturesco a Los caballeros de la mesa redonda, para desencadenar seguidamente un funk trepidante, con voces que ladran en cada bombo, excitadas por la sección de vientos huracanados.<strong> Freaky Dancin´</strong> sí es electrofunk, anterior a Dance Floor de Zapp, con bajos sintetizados que mugen y claps que son auténticas bofetadas. Es un tema imprescindible, así como <strong>Don´t Be So Cool</strong>, que también se sucede con ritmos cortados, guitarras fuzzy y verborreas habladas que nos recuerdan el streetfunk del que Cameo es capaz. I Like It es borde, el bajo suena pendenciero y es el tema menos amable. <strong>Use It Or Lose It</strong> prolonga el optimismo de We´re Goin´ Out Tonight, y el amor suena con <strong>I Never Knew</strong> y <strong>I´ll Always Stay.<br /></strong>Cameo ocupa un lugar de honor en ese cielo afroamericano, no sólo por su personalidad funk, también por sus muchísimas baladas magistrales, que jamás rozaron los estribillos fáciles o ñoños, como le pudiera haber pasado a Slave, o Tower of Power, por ejemplo, no siendo hábiles para unificar el amor y el coraje funk en la identidad de sus bandas. Cameo, en este sentido, fueron los mejores. El recopilatorio de Cameo, The Ballads Collection da muestra de ello.</span><br /><br /><br /><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjh50n0wYwREfpZDpjbRrkHGOnE5pcfNZXecmgP72AYKGSoIXSHU5md400fiS-oDhEsDMJRfuhm7dMGqH_AC9CYQtfGE2dIwXc97-h5-fylPJzraFd2f_UYN7hY1pBU0jXLeEHzUw/s1600-h/8.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5225150479528658850" style="CURSOR: hand" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjh50n0wYwREfpZDpjbRrkHGOnE5pcfNZXecmgP72AYKGSoIXSHU5md400fiS-oDhEsDMJRfuhm7dMGqH_AC9CYQtfGE2dIwXc97-h5-fylPJzraFd2f_UYN7hY1pBU0jXLeEHzUw/s400/8.jpg" border="0" /></a><br /><br /><br /><br /><span style="font-family:arial;">8 - <strong>Alligator Woman</strong> (Chocolate City - 1982) arranca rabioso y eléctrico con <strong>Be Yourself</strong>* ilustrado con un riff de guitarra que tomaría prestado tres años después Prince para su éxito Kiss. Continúa el segundo corte con <strong>Soul Army</strong>, un magnífico ejercicio Cameo sound lleno de AAOWs, testiculado, militar y machote, con coros de tropa que acata al unísono -¡Sí Señor! las proclamas del sargento Blackmon. <strong>Flirt</strong>*, descomunal, repleta de sintetizadores Prophets y juegos moogy, con esos pitidos decrecientes que recuerdan el desinflar repentino de un globo. <strong>Enjoy Your Life</strong>* es una canción redonda, en clave de atardecer pero con ritmo bailable, antepasada de Groove With You (1984), Attack Me With Your Love (1985) o Back And Forth (1986). <strong>Alligator Woman</strong>* es novedosa en este contexto porque es Rock. La cara B transcurre amable hasta decir adiós al disco con el precioso <strong>For You</strong>, una balada para rememorar el best of de cualquier trayectoria sentimental. Éste es un disco maduro y soleado, grabado con cinco miembros y la banda de apoyo L.A. Connection, despidiendo la década prodigiosa del funk.</span><span style="font-family:arial;"><br /><br /></span><span style="font-family:arial;"><br /><span style="font-size:78%;">Sin abusar de este espacio quisiera dar gracias a un DJ -olvidé su nombre y no sé de él- residente en el único bar de Granada donde ponían funk en el invierno de 1988, al final de la calle Pedro Antonio de Alarcón, que me cambió su 12" Four From Cameo* por un dibujo a lápiz. Él me reveló el Cameo Sound anterior a She´s Strange. También a mis padres, que recorrieron París buscándome discos de Cameo; y cómo no, a DavidDJ y Salah, mis hermanos de The Black Evolution.</span><br /><br /><span style="font-size:78%;"></span><br /><br /><span style="font-size:78%;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiXXe9xWMVr_06mI1uzLwOFIbRZ6ccX8ul-uyQ62-ZViwiv7FIGS-1-GMjeBU5hV2gcj61UW4In4WMW9Q8BwljQc5LCEgLJahXcDLLMeTy8LFxuir5Yx0VonUjzOlyO3pQ5e-8YQw/s1600-h/9.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5225152638304914834" style="CURSOR: hand" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiXXe9xWMVr_06mI1uzLwOFIbRZ6ccX8ul-uyQ62-ZViwiv7FIGS-1-GMjeBU5hV2gcj61UW4In4WMW9Q8BwljQc5LCEgLJahXcDLLMeTy8LFxuir5Yx0VonUjzOlyO3pQ5e-8YQw/s400/9.jpg" border="0" /></a></span><br /><br /><span style="font-size:78%;"></span><br /><br />9 - <strong>Style</strong> (1983 - Atlanta Artist). Este disco es distinto, fue el primero que grabaron en Atlanta -su nueva ciudad de residencia- para el sello que fundó allí Larry Blackmon. Gregory Johnson salió del grupo, quedándose Cameo con cuatro miembros. Suprimen el logotipo que tenían desde 1978, y lo sustituyeron por uno que parece autografiado, insulso como la propia portada, cuyo diseño no aporta nada a la declaración de los créditos: <em>"There are no conventional drums used on this album, all drum are electronic. The new age sound."</em> Cada cierto tiempo sufro una crisis en mi relación con este disco: no me gusta el nuevo sonido de la batería. El problema no es que sea electrónica, sino que es inmadura. El lp Is This The Future? de Fatback, anuciando también la nueva era, tiene mucha más consistencia en la batería electrónica, así como Juicy Fruit, de Mtume, o On The Rise, de S.O.S Band, también de 1983. Todas las canciones del disco están preñadas de buenas ideas, bien ejecutadas, excepto la batería. Pero como pasa a menudo en cualquier disciplina artística, los hallazgos de este disco florecieron en el siguiente. Es impensable el lp She´s Strange (1984) sin la aparición un año antes del disco que nos ocupa. El tema <strong>Slow Movin´</strong> prepara el camino a Talkin´ Out The Side Of Your Neck, y <strong>Aphrodisiac</strong> la atmósfera de She´s Strange. El álbum contiene una gema oculta, una gran canción totalmente infravalorada: <strong>You´re A Winner</strong>, el tema para reconciliarse con este álbum de transición.<br /><br /><br /><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj0rvrgu7MW5gE-FKcx_ga3jAbTJso6U8HMIOoi3DYgqndgJUbtcrfE9u96SycvHs-KSwhvyadx7TrF6t8AWvjZpke5xy2eOfjsCiEblGxYJjZqknicBAGL-gN2OYfKCYBvwuh1uQ/s1600-h/10.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5225155340741689906" style="CURSOR: hand" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj0rvrgu7MW5gE-FKcx_ga3jAbTJso6U8HMIOoi3DYgqndgJUbtcrfE9u96SycvHs-KSwhvyadx7TrF6t8AWvjZpke5xy2eOfjsCiEblGxYJjZqknicBAGL-gN2OYfKCYBvwuh1uQ/s400/10.jpg" border="0" /></a><br /><br /></span><br /><br /><span style="font-family:arial;">10 -<strong> She´s Strange</strong> (1984 - Atlanta Artist). Es un disco esencial. Se puede afirmar que con el tema She´s Strange, el grupo Cameo se posicionó como rey indiscutible del electrofunk: el nuevo sonido tecnológico ya estaba maduro. Tenían nueve álbumes a sus espaldas, Zapp&Roger cuatro, y aún así le cogieron el relevo. Slave o Lakeside, grupos de talante viril como Cameo, estaban casi extinguidos, y nuestro querido Larry Blackmon arrasaba con más fuerza que nunca. Cameo, además, destacaba en los arreglos vocales. Los coros y las voces principales eran un ejemplo de maridaje bien avenido. Charlie Singleton hacía verdaderas filigranas anímicas con los teclados, tanto que cuesta echar de menos la sección de vientos de los álbumes anteriores. Al escuchar los sintetizadores atmosféricos de <strong>She´s Strange</strong> y <strong>Hangin´ Downtown</strong>, uno siente caer la noche sobre el puente de Brooklyn, con las iridiscencias de Manhattan reflejadas en el East River, obligando al cielo a oscurecer. Esto es gracias a él: Charlie Singleton, otro gran músico infravalorado. Algún día este artista y maestro de los sintetizadores, con esa enorme capacidad de evocación soul, debería tener un lugar en el paraíso al lado de maestros como Óscar Peterson o Thelonious Monk. Los arreglos de este álbum se deben a Charlie Singleton y Larry Blackmon, crecidos y cohesionados para la ocasión. El disco no es perfecto, le queda un mínimo residuo de la batería desafortunada de Style en la entrega: <strong>Tribute to Bob Marley</strong>, que choca con la naturaleza orgánica del reggae. Pero esto es una insignificancia al lado de la bellísima <strong>Love You Anyway</strong>, con sección de vientos y handclaps en los momentos de exaltación, y dulce como You´re A Winner. <strong>Groove With You</strong> es el tema más simpático del disco, y <strong>Talkin´Out The Side Of Your Neck</strong> el primer rap como tal de la banda -rapeando a tres voces- y gestionando los silencios cuando suena el estribillo y los vientos. El tema es un ejercicio de testosterona, con un medio tiempo excitado por las guitarras eléctricas. <strong>Léve Toi!</strong> en frances, recoge el relevo rockero de Alligator Woman. El director de arte sigue siendo desde 1981 el colorista Bill Levy, repitiendo en la portada el concepto de Alligator woman para She´s Strange, después de haber pinchado en Style. Continuaría con Cameo hasta Word Up. Lo mejor de estos años es sin duda Room 123 (<strong>She´s Strange) Rap Version</strong>, demoledora, grabada en 1985. Pieza imprescindible Old School para cualquier discoteca Funk/Rap. Sólo se grabó en formato single 12". Recomendables los cuatro dobles maxis del sello Club<strong>*1</strong> -filial londinense de Phonogram-; todos ellos verdaderos objetos de colección, con extraordinarias versiones extendidas, fotografías de portada e interior en la doble carpeta, y el famoso logotipo cubista que es una maravilla de ingeniería visual.</span><br /><br /><br /><br /><span style="font-family:arial;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiftJgiGV6lIvo7RplYsCQ-Kke2zLi6UiUez3ZUu6Z93GY_YN8OHf3vCY_3J16YT_fOsJ_gAlH1S0cHWEkohUZWJlEXN9TLYUGRMcvx80ckQXUuTOCCxJI-UXj9s-X8z1I2Ep6qng/s1600-h/12pulgadas+DOBLE+MAXI+sello+CLUB+-+ROOM+123+(SHE´S+STRANGE+RAP+VERSION)+1.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5232812558055445890" style="CURSOR: hand" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiftJgiGV6lIvo7RplYsCQ-Kke2zLi6UiUez3ZUu6Z93GY_YN8OHf3vCY_3J16YT_fOsJ_gAlH1S0cHWEkohUZWJlEXN9TLYUGRMcvx80ckQXUuTOCCxJI-UXj9s-X8z1I2Ep6qng/s400/12pulgadas+DOBLE+MAXI+sello+CLUB+-+ROOM+123+(SHE%C2%B4S+STRANGE+RAP+VERSION)+1.jpg" border="0" /></a></span><span style="font-family:arial;"><br /><br /><br /></span><span style="font-family:arial;"></span><br /><span style="font-size:78%;">*1 <strong>-She´s Strange/ Cameo Megamix/ Room 123 (She´s Strange Rap versión)/ She´s Strange Club Mix - Double Pack 12" CLUB JABX252</strong> </span><span style="font-size:78%;"><br /><br /></span><span style="font-size:78%;"></span><br />-A Goodbye/ I´ve Got Your Image/ On The One/ Just Be Yourself/ It´s Serious/ - Double Pack 12" CLUB JABXD28<br />-Candy/ Don´t Be Lonely/ Candy (remix)/ Single Life - Double Pack 12" CLUB JABXD43<br />-Back And Forth (extended remix)/ Back And Forth(dub)/ Word Up(club mix)/ You Can Have The World - Double Pack 12" CLUB JABXD49<br />-En diciembre de 1985 el sello Club vuelve a lanzar el álbum Single Life, con distinta portada e incluyendo el tema She´s Strange - CLUB JABH14<br /><br /><br /><br /><br /><br /><br /><br /><br /><br /><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjlP2BXCNl9mYFrwR54SMnDUmruBWhSmin0eAUVelPZtUg4qhCQEB7wagqSQ1WNrK0MMA-d2vjqeGP_gHm6pOkbwZ9JHeFqMm99xdxwTwRPqv7mh5X0JeHUruN5Mm1z1afz6PActw/s1600-h/11.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5232824798775351330" style="CURSOR: hand" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjlP2BXCNl9mYFrwR54SMnDUmruBWhSmin0eAUVelPZtUg4qhCQEB7wagqSQ1WNrK0MMA-d2vjqeGP_gHm6pOkbwZ9JHeFqMm99xdxwTwRPqv7mh5X0JeHUruN5Mm1z1afz6PActw/s400/11.jpg" border="0" /></a><br /><br /><br /><br /><strong>11 - Single Life</strong> (1985 - Atlanta Artist). Este año Charlie Singleton salió de Cameo, quedándose la formación con tres miembros: Larry Blackmon, Tomi Jenkins y Nathan Leftenant: el triángulo más hardcore de la cultura afroamericana junto a RUN D.M.C. Las canciones Attack Me With Your Love y Single Life son indispensables para explicar Cameo. Tienen la virtud de conjugar acogedoras melodías con la agresividad electro, de la que son reyes. Esta mixtura no la consigue otro grupo. El vagaje de sus primeros álbumes de los 70, con aquellas polifonías, el virtuosismo vocal, los ambientes soul y la condición percusiva de la banda, desembocan en estas dos canciones redondas y matrices de Candy y Word Up, respectivamente. El bajo sintetizado de Atack Me With Your Love quema el pecho como una taza de chocolate caliente, y los teclados dan confort y confianza, provocando -con una canción de baile- una paz templada que aquieta el tiempo. Single Life rescata el computer funk de She´s Strange, con la progresión de una batería que evoca el transitar de un androide. Su argumento es una historia de pasión, celos y arrepentimiento matrimonial en dos entregas: <strong>Attack Me With Your Love</strong> y <strong>Single Life</strong>, con el nexo To Be Continued entre las dos canciones, tal como se ve en los Videosingles (Polygram Video 1987), ya disponibles en formato digital.<strong> I´ve Got Your Image</strong> cierra la cara A en la línea de Love You Anyway, insuflando con la sección de vientos jazz a todo el disco. Los vientos ya no son tan percusivos como en sus primeros álbumes; es parte de la evolución artística de la banda: si antes eran disparos al estómago, ahora son masajes en el corazón. <strong>A Good Bye</strong> suena épica, con guitarras alargadas que se turnan con la voz cantada, consejera y amable de Larry Blackmon. Esta canción es embrionaria de Skin I´m In. <strong>I´ll Never Look For Love</strong> es amor a dúo con la protegida de Cameo: Barbara Mitchell. <strong>Urban Warrior</strong>: rap y callejeo nocturno: el auténtico barrio del disco, con intriga en cada esquina y reflejos de solitarias farolas en el asfalto mojado. Recoge a Talkin´Out The Side Of Your Neck y prepara el pelotazo She´s Mine del año siguiente. Junto con Room 123 (She´s Strange Rap Version) son los cuatro temas raperos por excelencia de la banda. Sus excursiones reggae mejoran con <strong>Little Boys - Dangerous Toys</strong>, cerrando un disco que considero más puro que Word Up. Single Life sería un diamante en la roca, y Word Up ya engarzado en el anillo.<br /><br /><br /><span style="font-size:100%;"><span style="font-size:78%;"></span></span><br /><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjEuIBT0UWpd8iDkLacAzZ61zDOe4B_Us25Ks8grxl8PnppcHDM3V1fRNBhq5G-uI6pWguyoxwhrOHFHo6wcY-eSVi85Xe3Ky-eLHBr2A8AhBRTM__dOub8qOUQIj9ofzeKxviKfw/s1600-h/12a.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5232827282413541234" style="CURSOR: hand" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjEuIBT0UWpd8iDkLacAzZ61zDOe4B_Us25Ks8grxl8PnppcHDM3V1fRNBhq5G-uI6pWguyoxwhrOHFHo6wcY-eSVi85Xe3Ky-eLHBr2A8AhBRTM__dOub8qOUQIj9ofzeKxviKfw/s400/12a.jpg" border="0" /></a><br /><br /><br /><br /><strong>12 - Word Up</strong> (1986 - Atlanta Artist). Éxito mundial de Cameo y reconocimiento universal. Muchas personas supieron en España de la cultura afroamericana gracias al trallazo funkrock Word Up, que vendió millones de copias sin ser una canción comercial. Esto sólo lo hacen los grandes. En este álbum está condensado todo el vagaje de la banda, concretado y simplificado, con un nivel de síntesis artística comparable a la depuración estilística que hizo el pintor Mondrian -desde los árboles ramados hasta su geometría ortogonal en rojo, amarillo y azul-. Para componer Word Up hay que grabar antes once álbumes. La trayectoria de un artista es como un río, que sólo después de haber disuelto mil piedras siendo torrente, es capaz de fertilizar en su delta las riberas de los valles. Cameo radicalizó su condición urbana en <strong>Word Up</strong> y en la rapera <strong>She´s Mine</strong>, y trasladó esa severidad a las melódicas <strong>Candy</strong>, <strong>Back And Forth</strong> y <strong>Fast, Fierce & Fine</strong>; no se avergonzó de exhibir una sección de vientos -inusual en 1986-; dio amor en <strong>Don´t Be Lonely</strong> -como lo hiciera con Hangin´ Downtown en 1984- y se permitió el capricho de cerrar el disco con una descarga latinfunk: <strong>You Can Have The World</strong> en la línea de The Sound Table. Word Up tenía una batería seca con delay en la caja, y unas ganas de camorra en la voz de Larry Blackmon que revolucionaron la escena funk. Aquello era insuperable, tanto que desde entonces no se oiría tanta violencia rítmica mas que en el rap. La fórmula se expandió, y otros compañeros tomaron nota en las canciones Earth, Wind & Fire (System of Survival - 1988), Loose Ends (Remote Control - 1988), o Levert (Take Your Time - 1988) e incluso más allá del funk: Fine Young Cannibals en su hit She Drives Me Crazy (1988). Del tema Word Up se han hecho varias versiones. Tengo localizadas las que hicieran Gun, en 1994; Melanie Brown (ex Spice Girls) en 1999; Korn, en 2004; y The Boss Hoss en 2005. Por otro lado Mariah Carey sampleó Candy en Loverboy (2001), aunque ya lo había hecho antes 2PAC en All About U (1996). Para la promoción de este álbum Jean Paul Gaulthier vistió a Cameo, y a Larry Blackmon con su emblemática huevera roja, que le daba un aspecto híbrido entre Carlos V y un monstruo copulador. La fama estaba servida.Miguel Gómez Losadahttp://www.blogger.com/profile/15195981795257141423noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-9813027.post-41094123938574774092008-07-19T17:01:00.001+02:002008-08-11T17:28:02.415+02:00<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEheD8GKLTZsDFZqQAH3_Au-GDD92LK5WbJYxcXWJ47QaI_XDnmk18Jpf9UxO2kyoEz0n62080noLmz_GLhzmlTVocq5Gokmhyphenhyphen96Z8Wn4HqLx4ZbE6RG5Rsctquf5UeEAiXbd2wgSA/s1600-h/13a.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5233275830244099666" style="CURSOR: hand" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEheD8GKLTZsDFZqQAH3_Au-GDD92LK5WbJYxcXWJ47QaI_XDnmk18Jpf9UxO2kyoEz0n62080noLmz_GLhzmlTVocq5Gokmhyphenhyphen96Z8Wn4HqLx4ZbE6RG5Rsctquf5UeEAiXbd2wgSA/s400/13a.jpg" border="0" /></a><br /><br /><span style="font-family:arial;"><strong>13 - Machismo</strong> (Atlanta Artist - 1988) - Quiero defender este álbum que vapuleó la crítica española. Sólo con mentalidad pop, escasa comprensión o falta de templanza se puede atacar este disco. Es cierto que <strong>Honey</strong> se parece a Candy, pero es un guiño dulce entre los dos temas. Honey dura sólo 2:04 minutos y es una extensión premeditada, con sentido del humor, de Candy. No sólo se malentendió este guiño, sino que se derribó el álbum por ello. También se alude a que <strong>You Make Me Work</strong> recuerda demasiado a Word Up, y creo que este argumento revela el desconocimiento de su discografía: Style (1983) es una variación rítmica de Just Be Yourself (1982), y el desarrollo instrumental de Aphrodisiac (1983) es una jam que continúa en She´s Strange (1984), y nadie dijo nada. Word Up había puesto el listón alto, y pasaron casi tres años interminables hasta que apareció Machismo. Las espectativas se desbocaron, y al escuchar el disco vino la decepción. Recuerdo que en aquella larga espera anunciaron a bombo y platillo el lp en solitario de Larry Blackmon, añadiendo más ansiedad a los seducidos por Word Up. Saltó en la prensa que el nuevo disco de Ry Cooder (Get Rhythm - 1987) contenía una colaboración de Larry Blackmon, y era cierto. Corrí a devorarla como el monstruo de las galletas, sin encontrar el alimento cameótico que tanto necesitaba. En ese estado, cualquier disco nuevo de Cameo hubiera provocado desencanto. Invito a los desengañados de entonces que hoy -20 años después- vuelvan a pincharlo. Será una reconciliación. Las manifestaciones artísticas con raíz cultural, como el flamenco o la música negra, no se deberían juzgar con una mirada tan segmentada, porque cada pequeño hallazgo artístico da la mano al siguiente, conformando así una cadena irrompible de eslabones consecutivos . Este cordón umbilical que une el Gospel con el HipHop es el aspecto que hay que tener en cuenta. Además, Machismo está lleno de sorpresas. <strong>Skin´ I´m In</strong> es un manifiesto de igualdad social: "La piel en la que estoy", refiriéndose a que no elegimos el color de nuestra piel; con una sección de vientos, coros emotivos y seriedad rítmica que subrayan la letra de la canción. En el 12" JABXR77 CLUB usaron la imagen de Martin Luther King con el lema: Skin´ I´m In - The Truth. Nunca se les vio tan coprometidos. <strong>Soul Tightened</strong> es un medio tiempo mezcla de funk, doo woop y big band con una elegancia sin precedentes en su discografía, e <strong>In The Night</strong>, que brillaba con la participación de Miles Davis. La belleza del diálogo entre sordina, trompeta y saxofón de esta composición ya merece incondicionalidad hacia el disco, en un año donde la música de baile se hacía sin instrumentistas, y los vientos eran falsificados por los teclados, intentando parecérseles. <strong>Pretty Girls</strong> es tajante, como carne cruda troceada por un cuchillo bien afilado, y <strong>I Like The World</strong> recoge a Candy y a Fast, Fierce & Fine, siendo incluída en la BSO de Mi Novia Es Un Extraterrestre (1988). <strong>Promiscous</strong>; y <strong>Dkwig</strong> -reggae-, como las demás, están peinadas por los vientos, tocados por los mejores: Miles Davis, Maceo Parker, Fred Wesley, Randy Brecker, Michael Brecker, Kenny Garrett, Alan Rubin, Dave Tofani, los Uptown Horns, y nuestro querido Arnett Leftenant. Por si fuera poco, Keni Burke al bajo y Bernard Wright en los teclados completaron la plantilla de apoyo al disco, haciendo de Machismo un legado. El estilismo sado de Jean Paul Gaultier para este álbum hace inolvidable la portada. </span><br /><br /><br /><br /><span style="font-family:arial;"><br /><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjoC3PDIsb_eTjxzf1qzA9C6H6MlI4ZH69IaH_FduDtj13E_rUxjiN7mcVw4-V6_df9RembxTKp6aMq-iGgrZ0hZv-cKC318bJzb9LtXzejXOSP7oagaPPbSZNutSVY8p0AW_vd6g/s1600-h/14a.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5233277377449422690" style="CURSOR: hand" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjoC3PDIsb_eTjxzf1qzA9C6H6MlI4ZH69IaH_FduDtj13E_rUxjiN7mcVw4-V6_df9RembxTKp6aMq-iGgrZ0hZv-cKC318bJzb9LtXzejXOSP7oagaPPbSZNutSVY8p0AW_vd6g/s400/14a.jpg" border="0" /></a><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh9HAhZvOTTdeR1cdEWJEdlBdg3dr47PHHzB6t-JU2BlstEeVILT32ISLkZyPt9nE8iWgKOmFMBo6kMwZqzeo10kbbTq1tJxWZgS0baMg010hQIU9ZlNfDjlciAB62U9OExc0yTMw/s1600-h/15a.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5233278184700694146" style="CURSOR: hand" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh9HAhZvOTTdeR1cdEWJEdlBdg3dr47PHHzB6t-JU2BlstEeVILT32ISLkZyPt9nE8iWgKOmFMBo6kMwZqzeo10kbbTq1tJxWZgS0baMg010hQIU9ZlNfDjlciAB62U9OExc0yTMw/s400/15a.jpg" border="0" /></a><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiZwDJLu-IV4h9mBjgFII0nuiaRaPPdMwCyozStEj84ONPfrEphDKGuX6DLDLtm68vq2cLCYo2cQ1YJfU0s8VzmsCvSHbENeNxvgzjOVT5iBP5N6m7vX5bPTG39UwA4lC1wc1fYpA/s1600-h/16a.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5233278838988384130" style="CURSOR: hand" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiZwDJLu-IV4h9mBjgFII0nuiaRaPPdMwCyozStEj84ONPfrEphDKGuX6DLDLtm68vq2cLCYo2cQ1YJfU0s8VzmsCvSHbENeNxvgzjOVT5iBP5N6m7vX5bPTG39UwA4lC1wc1fYpA/s400/16a.jpg" border="0" /></a><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEib_rL-2d3QQug3ZZ_RAIM_Dj1sXeAiGKLYXf-qmu6ccSH-Kr7JAJe87ku3lUCACxk3FAdScaRusdr76feevK-1s88JNDutEtdJlXy54XLqkR0HBYYiZNWcoii3YjkyvI6Ie4yhnw/s1600-h/17a.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5233280342525800562" style="CURSOR: hand" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEib_rL-2d3QQug3ZZ_RAIM_Dj1sXeAiGKLYXf-qmu6ccSH-Kr7JAJe87ku3lUCACxk3FAdScaRusdr76feevK-1s88JNDutEtdJlXy54XLqkR0HBYYiZNWcoii3YjkyvI6Ie4yhnw/s400/17a.jpg" border="0" /></a><br /><br />Despues de Machismo vinieron cuatro álbumes y un directo: Nasty (intersound 1996), con dos temas inéditos recomendables para seguidores del grupo. Es verdad que el panorama musical no ha ofrecido otra oportunidad como aquella en 1982, cuando las nuevas tecnologías significaban un reto. Ahora es más difícil sorprender. De todas formas, desde 1988 hasta 1992 Cameo entregó indiscutibles piezas C-FUNK como en su mejor época: Close Quarters y Get Paid del lp Real Men Wear Black (Atlanta Artist - 1990); el lp Emotional Violence (Reprise - 1992), entero muy bueno, que fue como un renacimiento, el último resplandor del sol que fue Cameo, con la bestialidad funk que da título al álbum. Luego vino el desvanecimiento, que aunque no claudicaron a la comercialidad, tampoco destacaron en el panorama black music. Vinieron In The Face Of Funk (Way 2 Funky - 1995) que tiene destacables el tema que titula el disco, una versión de Slide (1977) -de la arrolladora banda de funk Slave- y BSU; pero todo suena enlatado. Y por último Sexy Sweet Thing (BMD/Private I Records - 2000) que aunque las dos primeras canciones se sostienen bien, el disco se disuelve entre el pelotón de artistas R&B.<br /><br />Es momento de recordar a los principales miembros que formaron Cameo:<br /><br /><strong>LARRY BLACKMON</strong>, LEADER, DRUMS, PERCUSSION, LEAD AND BACKGROUND VOCALS<br /><strong>GREGORY JOHNSON</strong>, FENDER RHODES, MOOG, BACKGROUND VOCALS<br /><strong>TOMI JENKINS</strong>, LEAD AND BACKGROUND VOCALS<br /><strong>NATHAN LEFTENANT</strong>, TRUMPET, BACKGROUND VOCALS<br /><strong>ARNETT LEFTENANT</strong>, SAX, BACKGROUND VOCALS<br /><strong>ERIC DURHAM</strong>, ELECTRIC GUITAR<br /><strong>WILLIAM REVIS</strong>, BASS GUITAR<br /><strong>KURT JETTER</strong>, VOCALS<br /><strong>CHARLIE SINGLETON</strong>, LEAD AND BACKGROUND VOCALS, LEAD GUITAR, KEYBOARDS<br /><strong>ANTHONY LOCKETT</strong>, LEAD AND RHYTHM GUITAR, LEAD AND BACKGROUND VOCALS<br /><strong>WAYNE COOPER</strong>, LEAD AND BACKGROUND VOCALS<br /><strong>STEPHEN MOORE</strong>, LEAD AND BACKGROUND VOCALS<br /><strong>AARON MILLS</strong>, BASS GUITAR AND BACKGROUND VOCALS<br /><strong>THOMAS "T.C."CAMBELL</strong>, ACCOUSTIC PIANO, FENDER RHODES, MINI-MOOG, PROPHET<br /><strong>JERYL BRIGHT</strong>, TROMBONE, BACKGROUND VOCALS<br /><br />Y los grupos que apadrinó y produjo Larry Blackmon -total o parcialmente-. También discos de otros artistas donde canta o toca : Cameo, East Coast, New York City Players, L.A. Connection, Mantra, Charles Earland, Cashflow, Barbara Mitchell, Bobby Brown, George Howard, Howard Kenney, Geoff McBride, Malemen, Eddie Murphy, Buffalo Soldiers, Tomi Jenkins, Charlie Singleton, Slapbak, Ry Cooder, Wynd Chymes, Reddings.<br /><br />Desde 1992 hasta nuestros días, Cameo ha continuado su trayectoria sin un tercer esplendor, retroalimentándose, grabando decentes álbumes tardíos, produciendo para otros grupos, dando conciertos y salpicando electrofunk seminal hasta el otro lado de los confines afroamericanos, sin perder la dignidad artística en ningún momento. La pregunta para dejar en el aire es: ¿Se le puede pedir más a un artista como Larry Blackmon? Creo que es momento de darle gracias y concederle una gran hamaca junto a los dioses del olimpo negro. Su talento enriquece la cultura universal, nutre y mejora nuestras vidas.<br /><br />"May the wind be at your backs and Cameosis in your hearts, we love you" </span><br /><p><span style="font-family:arial;"></span> </p><p><span style="font-family:arial;"></span> </p><p><span style="font-family:arial;"></span> </p><p><span style="font-family:arial;"></span> </p><p><span style="font-family:arial;"> </p><br /></span><br /><br /></span></span>Miguel Gómez Losadahttp://www.blogger.com/profile/15195981795257141423noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-9813027.post-81866208724837485012008-07-08T02:27:00.014+02:002010-08-19T22:14:23.751+02:00Acto de inauguración del Parking de la Herradura<span style="font-family:Arial;">The Black Evolution presenta: <strong><span style="color:#cccccc;">Igmar Alderete</span></strong> (compositor / violín) + <strong><span style="color:#cccccc;">Bucaneroestilo</span></strong> (HipHop en vinilo) + <strong><span style="color:#cccccc;">Javier Castillo ChikoKF</span></strong> (arte visual en la pared) 8.7.2008</span><br /><br /><br /><span style="font-family:Arial;font-size:85%;"></span><br /><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgVFnnrOys6zpWmxvoZZskvbDI41nN3fnSYpZYgTN24UyVhH5W5dfK2qFVUwE19wHX3AyIfGbreyi2Irhd8u2SwOMkmGtgfyrXY0n2WfiNk7c3n8tD2NYwwES3EM7mj-eRcpwNzMA/s1600/herradura+004.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5507207413337917858" style="WIDTH: 400px; CURSOR: hand; HEIGHT: 300px" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgVFnnrOys6zpWmxvoZZskvbDI41nN3fnSYpZYgTN24UyVhH5W5dfK2qFVUwE19wHX3AyIfGbreyi2Irhd8u2SwOMkmGtgfyrXY0n2WfiNk7c3n8tD2NYwwES3EM7mj-eRcpwNzMA/s400/herradura+004.jpg" border="0" /></a><br /><span style="font-family:arial;font-size:85%;"></span><br /><span style="font-family:arial;font-size:85%;">Parking de la Herradura, en La Ribera, Córdoba.</span><br /><br /><br /><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg9hctDk6kd2zAU1_osZaUWACpLyK05XxlRMF5JqlLNk7Maifkx7x35MQKAYdzPZVgPMQ07xkwzoeQ5jR3DPGesT7S_5rMgZt0NfMfkfTUSdn4CrMqOMXkia2L_Q-P_4qroEuEAlg/s1600-h/herradura+046.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5220936349588904930" style="CURSOR: hand" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg9hctDk6kd2zAU1_osZaUWACpLyK05XxlRMF5JqlLNk7Maifkx7x35MQKAYdzPZVgPMQ07xkwzoeQ5jR3DPGesT7S_5rMgZt0NfMfkfTUSdn4CrMqOMXkia2L_Q-P_4qroEuEAlg/s400/herradura+046.jpg" border="0" /></a><br /><br /><span style="font-family:arial;font-size:85%;">Momentos previos al acto de inauguración, con Bucaneroestilo [Sesión HipHop en vinilo]</span><br /><br /><br /><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhQZqTAInqIceE4M4PxvaRZh2TJvuwKY5PLYy_axD4Ou96DR6N2h0eVomyAEvCNDfDfKAgmnVH5kXZimU7O3m1RS7SvnKyMB-AS-DEgWFTG_rrXYqpZC7l9RNiKwFcMIJv0UBII4w/s1600-h/herradura+053.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5220935810929642594" style="CURSOR: hand" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhQZqTAInqIceE4M4PxvaRZh2TJvuwKY5PLYy_axD4Ou96DR6N2h0eVomyAEvCNDfDfKAgmnVH5kXZimU7O3m1RS7SvnKyMB-AS-DEgWFTG_rrXYqpZC7l9RNiKwFcMIJv0UBII4w/s400/herradura+053.jpg" border="0" /></a><br /><br /><span style="font-family:arial;font-size:85%;">Bucaneroestilo [HipHop en vinilo] + Igmar alderete [compositor de violín]</span><br /><span style="font-family:arial;font-size:85%;"><br /><br /></span><span style="font-family:arial;font-size:85%;"></span><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEge-1vVAPR3qqXUVdomqA-TZRbX9xx9IaVNByV7rA1omyuzllcQleJCGDVjs_gj0HBYPmuGR6-ZQ6GUal-MHpI2pww5Dols9g7JOlI_5kjLeYyiI3vRZoKrlP4JNsYtGLotlPb6Ww/s1600/herradura+038a.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5507208324454231218" style="WIDTH: 400px; CURSOR: hand; HEIGHT: 278px" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEge-1vVAPR3qqXUVdomqA-TZRbX9xx9IaVNByV7rA1omyuzllcQleJCGDVjs_gj0HBYPmuGR6-ZQ6GUal-MHpI2pww5Dols9g7JOlI_5kjLeYyiI3vRZoKrlP4JNsYtGLotlPb6Ww/s400/herradura+038a.jpg" border="0" /></a><br /><br /><span style="font-family:arial;font-size:85%;"><a href="http://javiercastilloischikokf.blogspot.com/">Javier Castillo 'ChikoKF'</a>, grafismo en la pared de la sala de exposiciones.</span><br /><br /><br /><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgB3hd9z4-lO-wRyb-FvwRxQMTDF5LJS_SuVw-P-pzTUVoqiyplPOH2fXwqBhfSjrKaD5COcu3aVzYvVd1JDoYzaDkO06GrKoExTBqpUqZv9eIMYWEoeYlSPaGGmNg5w7-lGIuFEQ/s1600/herradura+037a.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5507207889561752706" style="WIDTH: 400px; CURSOR: hand; HEIGHT: 300px" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgB3hd9z4-lO-wRyb-FvwRxQMTDF5LJS_SuVw-P-pzTUVoqiyplPOH2fXwqBhfSjrKaD5COcu3aVzYvVd1JDoYzaDkO06GrKoExTBqpUqZv9eIMYWEoeYlSPaGGmNg5w7-lGIuFEQ/s400/herradura+037a.jpg" border="0" /></a><br /><br /><br /><br /><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjZTJh0qZ_JuBRZjrzYUz1RUSC_PFPnb3Zwi5rc7eglhNBBSJCIXm9yfrI2wfJHrNCUHodQC0DZlJUbUR9aAbACnSJfhk_XqmghIdO7oGyWrEhEeQb6yuRyISJI2yvFlwil2JHPHw/s1600/herradura+043.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5507209390595080562" style="WIDTH: 400px; CURSOR: hand; HEIGHT: 242px" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjZTJh0qZ_JuBRZjrzYUz1RUSC_PFPnb3Zwi5rc7eglhNBBSJCIXm9yfrI2wfJHrNCUHodQC0DZlJUbUR9aAbACnSJfhk_XqmghIdO7oGyWrEhEeQb6yuRyISJI2yvFlwil2JHPHw/s400/herradura+043.jpg" border="0" /></a><br /><br /><br /><br /><span style="color:#cccccc;"><span style="font-family:arial;font-size:85%;">Acto organizado por Miguel Gómez Losada para la inauguración del Parking de la Herradura, promovido por Vimcorsa y el Ayuntamiento de Córdoba.</span><br /></span>Miguel Gómez Losadahttp://www.blogger.com/profile/15195981795257141423noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-9813027.post-60177031332213891502008-04-14T06:25:00.005+02:002010-06-16T12:02:16.321+02:00El Sr. Rojo - Madrid Aprieta<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgddFvzAx-qrZvftrY94d6MYUu494uE4Irt2msX4BYG-dDlBEJusYpXIPQoy02Rm4EGp-eCEOCLlXrH8x0DGdGeAPteWOufew81-76cmDJKiuAPz0iZrnY67DkGlgjbHlV91jndww/s1600-h/1205320605_f.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5188953663325932498" style="CURSOR: hand" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgddFvzAx-qrZvftrY94d6MYUu494uE4Irt2msX4BYG-dDlBEJusYpXIPQoy02Rm4EGp-eCEOCLlXrH8x0DGdGeAPteWOufew81-76cmDJKiuAPz0iZrnY67DkGlgjbHlV91jndww/s400/1205320605_f.jpg" border="0" /></a><br /><br /><br /><span style="font-family:arial;color:#999999;">Ayer fui a Fuentes Guerra, Córdoba, a escuchar el nuevo disco de El SR. ROJO, MADRID APRIETA.</span><br /><span style="font-family:arial;color:#999999;">Lo que diferencia -a mi entender- este disco de otras producciones de HipHop, es que armoniza el sonido crudo funk y callejero de las bases rítmicas con la elegancia y sofisticación de su musicalidad. Sólo por esto, el álbum regala dignidad al barrio. Así mismo, las letras son realistas y parecen haber sido cocinadas sin aliño, pero a la vez, sus rimas, acentos y fonética nítida de El Sr. Rojo son un masaje para el oído. Los samples jazzfunk del álbum guardan coherencia unos con otros. Si se sumaran todos los loops parecería música de un sólo autor: son ricos en matices e instrumentación jazzera, con estructura funk y ambientación soul. Es la prueba de que El Sr. Rojo (nuestro querido Mario), lo tiene claro. Sabe qué sonido quiere. Detrás de los samples se ve enseguida un trabajo de investigación y búsqueda. En este disco se nota que quien rastrea cubetas en busca de samples ya sabe el sonido que quiere. Algo así como la imagen de la gran esmeralda, ya dibujada en la imaginación del explorador mucho antes de partir a su encuentro por la espesura de la selva amazónica. El arte es así: se tiene dentro; sólo hay que recorrer el mundo hasta encontrar las piezas que den forma al sentimiento. En este sentido, El Sr. Rojo es un cazador poético. Su imaginario musical es totalmente afroamericano -sin duda-, pero Madrid es su dominio. Cuando paseas con Mario por El Rastro o Lavapies te sientes su invitado, te sientes protegido. Madrid Aprieta, pero él te cuida. Esto se siente al ver la portada -diseño de nuestra querida Marta Medel con fotografía de Yolanda de Santos-, que es una angostura entre edificios que oprime, aprieta, pero con la mano abierta de Mario en señal de salvaguardia.</span><br /><br /><span style="font-family:arial;color:#999999;">Las letras son valientes, sin miedo a ser incorrectas. Los testimonios de los grafiteros a modo de interludios suenan desde el muro, huelen a aerosol y a indignación hacia la policía. Son de verdad. El tema 8 llama la atención. Se llama UN COÑO MÁS. En estos tiempos de hiperprotección hacia la mujer, la letra podría ser escandalosa, habla sin miedo del aborrecimiento, algo que todo el mundo ha padecido alguna vez pero pocos expresan: el sentimiento de antipatía corporal hacia la chica después de haber follado sin amor. Es algo que también experimentan ellas. Escuchar el tema 8 es recordar el hastío vital que uno siente cuando no encuentra ternura en ninguna cama. Escuchar el tema 8 es imaginarse nómada por un desierto de cuerpos sin alma y sin nombre. Escuchar el tema 8 es sentirse fatal. Pero por eso es una buena letra, porque es la vida sin idealizar. Es algo no deseable, pero es REAL. Este tema parece recoger el relevo de nuestro enorme poeta Gil de Biedma cuendo muy crudo dice:</span><br /><br /><br /><span style="font-family:arial;color:#999999;">LOCA</span><br /><br /><span style="font-family:arial;color:#999999;">La noche, que es siempre ambigua,</span><br /><span style="font-family:arial;color:#999999;">te enfurece -color</span><br /><span style="font-family:arial;color:#999999;">de ginebra mala, son</span><br /><span style="font-family:arial;color:#999999;">tus ojos unas bichas.</span><br /><br /><span style="font-family:arial;color:#999999;">Yo sé que vas a romper</span><br /><span style="font-family:arial;color:#999999;">en insultos y en lágrimas</span><br /><span style="font-family:arial;color:#999999;">histéricas. En la cama,</span><br /><span style="font-family:arial;color:#999999;">luego, te calmaré</span><br /><br /><span style="font-family:arial;color:#999999;">con besos que me da pena</span><br /><span style="font-family:arial;color:#999999;">dártelos. Y al dormir</span><br /><span style="font-family:arial;color:#999999;">te apretarás contra mí</span><br /><span style="font-family:arial;color:#999999;">como una perra enferma.</span><br /><span style="font-family:arial;color:#999999;"></span><br /><br /><br /><span style="font-family:arial;color:#999999;">El disco también tiene momentos lúdicos. El matrimonio musical DJuve & El Sr.Rojo hace el amor en el tema 14: YO Y MI DJ, en donde los breaks y scratches practican el kamasutra, con una diversión equiparable a los mejores momentos de Paul´s Boutique, de Beasties Boys. Al escuchar MADRID APRIETA, de EL SR. ROJO, uno sabe que el árbol HipHop en España tiene una fruta madura. Ya nadie puede decir que el RAP hecho en España no tiene nivel. MADRID APRIETA está bien enraizado bajo el asfalto de la Gran Vía. Su calidad sienta precedente y obliga a otros rapers a espabilar. Este disco abre una nueva etapa para el rap en español.</span>Miguel Gómez Losadahttp://www.blogger.com/profile/15195981795257141423noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-9813027.post-56090648852170478622008-04-14T06:17:00.007+02:002008-08-11T17:34:15.216+02:00Chinatown - Es Nuestro<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjku6IMeMcM7G6V_hjgbWT_MsllM7PLDyL6BUO-E1XZnWasHQhMESOR1NdH00Chb_kXN8VQ7vt0W4w_kIw1IcWJuYJ36s69YpsKiYTUGGu9HKFMoGQh0pztTAZIMI1G4Pwu7GsxRQ/s1600-h/1204956448_f.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5188950914546863042" style="CURSOR: hand" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjku6IMeMcM7G6V_hjgbWT_MsllM7PLDyL6BUO-E1XZnWasHQhMESOR1NdH00Chb_kXN8VQ7vt0W4w_kIw1IcWJuYJ36s69YpsKiYTUGGu9HKFMoGQh0pztTAZIMI1G4Pwu7GsxRQ/s400/1204956448_f.jpg" border="0" /></a><br /><span style="font-family:arial;font-size:85%;">CHINATOWN - Es Nuestro<br /></span><br /><span style="font-family:arial;color:#999999;">Otro ejemplo de cómo el espíritu FUNK subyace entre dos canciones separadas en el tiempo 25 años. Por un lado:THIS IS THE FUTURE, de FATBACK (1983), uno de los mejores temas de ese año, electrofunk maduro a punto de ebullición.</span><br /><br /><span style="font-family:arial;color:#999999;">Y mezclando perfectamente como si viviésemos en una eterna época dorada, el magnífico ES NUESTRO, de CHINATOWN, que aunque fue concebido en 1985, cobró forma y fue regalado al mundo en 2007 (por nuestro querido Control UVE, Fabuloso Roketer, Fresco P y Salvaje G - original, instrumental y acapella)</span><br /><br /><span style="font-family:arial;color:#999999;">Dejo aquí su myspace </span><a href="http://www.myspace.com/chinatownrappers" rel="nofollow noindex external"><span style="font-family:arial;color:#999999;">http://www.myspace.com/chinatownrappers</span></a>Miguel Gómez Losadahttp://www.blogger.com/profile/15195981795257141423noreply@blogger.com